sedmikrásky

El hombre que miente

2011-02-20T23:21:00.008+01:00

L'homme qui ment
Alain Robbe-Grillet, 1968
95 minutos

Seguimos con los aniversarios, aunque esta vez por pura casualidad. Hace unos días se cumplían dos años de la muerte de Alain Robbe-Grillet. Por desgracia, conseguir en DVD gran parte de su obra sigue siendo tan complicado como entonces. Y no me refiero únicamente a España o a Estados Unidos: en Amazon France, una búsqueda con su nombre apenas devuelve una edición americana de “La bella cautiva”. Lástima que los franceses, tan dados a mimar lo suyo, tengan tan olvidado al Robbe-Grillet cineasta.

La película comienza con el protagonista, un elegantemente trajeado Jean-Louis Trintignant, corriendo por un bosque para escapar de los disparos de unos soldados. Se presenta como “Boris, aunque normalmente me llaman Jean, y otras El ucraniano”. Y quizás no era un bosque, sino un campo cercano a un pueblo. ¿O era una ciudad? Ya desde el primer momento sospechamos que todo lo que se nos cuenta puede ser falso. Llegados a un punto, el narrador se detendrá y volverá a empezar su relato pero cambiando algún dato fundamental: una persona, un lugar, una fecha; y así una y otra vez hasta que no le creamos una sola palabra. ¿Es tan importante la verdad o está sobrevalorada en el marco de la ficción? Este dilema me recuerda al culebrón literario de la semana, sobre los peligros de combinar periodismo y ficción, realidad y fantasía.

Vi por primera vez esta película en el ciclo que la Filmoteca de Madrid dedicó a Robbe-Grillet con motivo de su muerte, y entonces me gustó mucho. Ayer, al repasarla para escribir estas líneas, no me causó tan buena impresión: la encontré un poco más afectada de la cuenta. Me sobraron esas escenas de erotismo light con un punto de sadismo (¿o machismo?), tan características del director pero un poco gratuitas. Aunque el balance final es bueno: es un Robbe-Grillet al cien por cien, enrevesado e inteligente, misterioso y muy original.

Los enlaces de descarga incluyen subtítulos en inglés, que son los que recomiendo. También he añadido unos en español, voluntariosos aunque con muchos errores de aficionado (he corregido algunos). Insisto en que aprecio mucho el esfuerzo de los que subtitulan películas por amor al arte, pero un poquito de rigor y de cuidado en el acabado final tampoco está de más. Ojalá se valorase más la calidad de los subtítulos, aunque creo que pasa todo lo contrario: cada vez es más habitual que estén fatal traducidos y cada vez nos importa menos.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés, incluye subtítulos en inglés)

subtítulos en castellano

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5 años de sedmikrasky

2011-02-13T21:52:00.006+01:00

¡Sedmikrasky cumple hoy cinco años!

Os invitamos a revisitar algunas de nuestras películas favoritas:

Nosotros no envejeceremos juntos

Y correré hasta el fin del mundo

Mister Lonely

Multiple Maniacs

A las nueve cada noche

3 mujeres

Pastoral

Todas en descarga directa, con subtítulos en español y en la mejor calidad posible.

¡Gracias por leernos!

Destruir, dijo Duras

2011-02-04T15:05:00.004+01:00

"Habría que intentar hablar del espectador, del primer espectador. El que llaman infantil, el que acude al cine para divertirse a pasarlo bien. Y no va más allá. Éste es el espectador que hace el cine antiguo. Es el más educado de todos los espectadores. Fue a él, por cierto, a quien en su juventud le enseñaron que la función del cine era distraer, que se iba a ver una película para olvidarse de otras cosas. Cuando este espectador entra en una sala, es para huir del exterior, de la calle, de la muchedumbre, escapar de sí mismo, sumergirse en otro mundo, el del filme, perder el yo que se dedica al trabajo, los estudios, la pareja, las relaciones, el de la repetición cotidiana. No pasó de ahí desde la infancia, y ahí permanece, en la infancia cinematográfica. Quizá sea en ese lugar, en la sala de proyección, donde este espectador encuentra su verdadera soledad, la cual consiste en apartarse de sí mismo. Cuando se entrega al cine, la película cuida de él, dispone de él, hace de él lo que quiere. En ese momento, el espectador vuelve a encontrarse descargado de responsabilidad, como un niño durante el sueño y el juego. Este espectador es a la vez el más numeroso, el más joven y el más irreductible, en todos los países del mundo. Tiene la inmutabilidad de la niñez. Eso, en todas partes. Quiere conservar su viejo juguete, su viejo cine, su fortaleza vacía. Lo conserva."

El texto forma parte de “Los ojos verdes”, una recopilación de artículos de Marguerite Duras para Cahiers du Cinema. Aquí podéis encontrar un extracto maravilloso. No me puedo resistir y copio aquí un par de citas más del mismo texto, que me hacen reír:

"No sé si he hallado el cine. Hice cine. Para los profesionales, el cine que hago no existe. Losey, en su libro, alaba mis textos y condena a muerte mis películas, dice que odia "Destruir dice ella". Para mí, él no hizo una película que le llegara a la suela del zapato a "Destruir dice ella"."

"El mundo de ese cine está poblado de gente acorralada, es el dominio del miedo a la carencia de algo para filmar, a la carencia de los millones, de los miles de millones. Para ese cine, somos malhechores que robamos "su" dinero. Alguien, no sé quién, un hombre enfadado ha dicho últimamente, por televisión: "Dar dinero a Duras para filmar "Le Camion" significa hastiar a los espectadores del cine durante seis meses". ¡Qué elogio! De verdad. Me hizo ilusión."

Llegué a este texto buscando información sobre “Destruir, dice ella”, la primera película que dirigió Marguerite Duras. La vi hace un par de días y me gustó mucho; aunque, como siempre me pasa con Duras, no estoy seguro de haber entendido todo. En todo caso, siempre es más estimulante no entender todo pero sacar algo valioso de la experiencia, a entender demasiado bien una estupidez que solo sirve para perder el tiempo.

Ojalá pudiésemos volver a esa época pre-redes sociales en la que los cineastas estaban más cerca de la cultura que del monólogo casposo.

De propina: también encontré una charla entre Duras y Elia Kazan, en la que ella le revela su admiración por “Wanda”, la única película que dirigió Barbara Loden, esposa de Kazan. Curiosamente, el otro día estuve a punto de escribir sobre “Wanda” pero al final no me animé, quizás en otra ocasión.

Las estatuas también mueren

2011-01-29T18:10:00.009+01:00

Les Statues Meurent Aussi
Alain Resnais y Chris Marker, 1953
30 minutos

“Cuando los hombres mueren, se vuelven historia. Cuando las estatuas mueren, se vuelven arte. Esta botánica de la muerte es lo que llamamos cultura.”

Impresionante, bellísima colaboración entre unos primerizos Resnais y Marker fechada en 1953, cuando la nouvelle vague no era siquiera un esbozo; muchos años antes de “Hiroshima, mon amour” o de “La jetée”.

El texto, magnífico, de Marker comienza como un estudio sobre el arte primitivo africano, ilustrado por preciosas estatuas del Museo del Hombre (París), el British Museum (Londres) o el Museo del Congo Belga (Bruselas). La hermosura de las imágenes y el beligerante texto que carga contra el paternalismo con el que Occidente contempla este arte se combinan de forma tan efectiva como arrolladora.

“El arte negro. Lo miramos como si su razón de existir fuera el placer que nos da. La intenciones del negro que lo creó, las emociones del negro que lo mira, todo eso nos es ajeno”.

Me maravilla la forma en que Marker describe la degradación de estos objetos religiosos o fúnebres, que la demanda del mercado termina convirtiendo en baratijas fabricadas a gran escala:

“Se fabrican réplicas cada vez más degradadas de las hermosas imágenes inventadas por la cultura africana. (...) En el país donde cada forma tenía un significado, donde la gracia de una curva era una declaración de amor al mundo, uno se acostumbra al arte del bazar. Las joyas falsas que los exploradores ofrecían a los salvajes para satisfacerlos terminan siendo devueltas a nosotros por los negros. La belleza particular del arte negro es reemplazada por una fealdad general. Un arte donde los objetos se vuelven decorativos, un arte cosmopolita, un arte del florero, del pisa-papeles.”

El arte le sirve a Marker de hilo conductor para terminar atacando con saña el colonialismo europeo, tema supongo que muy arriesgado para la época y por el que esta película estuvo prohibida en Francia durante los diez años siguientes a su realización.

El único defecto que le encuentro a “Las estatuas también mueren” es que en ocasiones intenta contar y enseñar demasiadas cosas al mismo tiempo, con un ritmo que me resulta un poco acelerado. No es un gran problema; más bien es la excusa perfecta para revisitar esta obra maestra una y otra vez.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés)

subtítulos en castellano

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Cheburashka

2011-01-23T22:54:00.004+01:00

Roman Kachanov, 1971 - 1983
66 minutos

Colección de cuatro cortos de este popular personaje de la animación rusa. Me resultaba ligeramente familiar, así que puede que alguna vez se hayan pasado por la televisión española. En todo caso, no en los últimos veinticinco años.

El protagonista es una extraña mezcla de ratón y mono, tiene un amigo cocodrilo que toca el acordeón, y también una enemiga: una señora mayor cuyo lema es: "La gente no pasa a la historia por sus buenas acciones" y que, por alguna razón, lleva en su bolso a una rata llamada Lariska.

Como veis, la sugerencia de esta semana no es exactamente "El eclipse" de Antonioni, pero tampoco le hace falta porque las animaciones rusas y checoslovacas me parecen lo más bonito del mundo, punto. Y ver un corto de Cheburashka como prólogo a una película de Jan Nemec o Andrej Wajda es el colmo de las delicatessen. Probadlo.

Por desgracia, los subtítulos están en inglés, ¡aunque casi me parece un milagro que haya subtítulos en algún idioma! Eso sí, he encontrado el primer episodio en youtube subtitulado en castellano.

enlaces de descarga aquí (versión original en ruso con subtítulos en inglés)

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El sanatorio de la clepsidra

2011-01-18T22:51:00.011+01:00

Sanatorium pod klepsydra
Wojciech Has, 1973
124 minutos

Volvemos a Polonia. De Wojciech Has intenté ver hace tiempo su “Manuscrito encontrado en Zaragoza”, pero sus tres horas de metraje fueron más fuertes que yo. Tampoco es que “El sanatorio de la clepsidra” sea plato de fácil digestión; de hecho, diría que es una de las películas más extrañas que he visto nunca.

Está inspirada en el relato del mismo título del también polaco Bruno Schulz, en el que un hombre llamado Józef (interpretado por Jan Nowicki, protagonista también de “La barrera” de Jerzy Skolimowski), acude a una misteriosa clínica a visitar a su moribundo padre. La clínica resulta ser un mausoleo gótico cubierto de telarañas, en un aparente estado de abandono total. El director del centro revela sus métodos médicos a Jósef: ha conseguido “ralentizar el tiempo” para así alargar artificialmente la vida de sus pacientes. Y a partir de ese momento comienza una larga serie de imágenes oníricas en las que Jósef revive momentos clave de su pasado y se reencuentra con su padre y con distintos personajes históricos en distintos escenarios comunicados entre sí por sinuosos y estrechos túneles.

Insisto en que “El sanatorio de la clepsidra” es una película complicada, y en varios momentos estuve tentado de dejar de verla y pasar a otra cosa. Pero a la vez tiene algo muy seductor; probablemente sus imágenes rebosantes de color e imaginación, a la altura del Fellini más disparatado, fueron lo que me mantuvo pegado a la pantalla hasta el final. Aunque en varios momentos no entendiese demasiado bien su alambicada trama.

Espero que esta reseña un tanto tibia no os eche atrás y os animéis a ver esta película. Yo tengo claro que algún día le daré otra oportunidad, porque creo que tengo la sensación de haberme quedado en su superficie y que esconde mucho más de lo que he podido apreciar y disfrutar.

enlaces de descarga aquí (versión original en polaco con subtítulos en castellano y otros idiomas)

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Trish Keenan

2011-01-14T17:21:00.007+01:00

“En Moseley hay un videoclub genial. Lo llevan unos amigos y nos dejan sacar las películas gratis. Está especializado en cine de culto, tiene una sección estupenda de películas de Europa del Este, cine experimental, animación... Me llevo unos cuantos vídeos, los copio y me los pongo cuando me apetece ver la tele pero no quiero tragarme Gran Hermano y cosas así... Prefiero ver “Las margaritas” o “Valerie”... y además escucho sus bandas sonoras. (...) Las películas nos inspiran para casi todo: para hacer música, ideas para fotos y vídeos, letras de canciones...”
Trish Keenan, (2003) (entrevista completa en inglés)

En sedmikrasky estamos desolados porque ha fallecido una persona a la que admirábamos mucho: Trish Keenan, vocalista del grupo británico Broadcast. Alguien muy joven y con mucho talento. Además de ser grandes admiradores de su música, compartíamos con Trish su afición por el cine europeo de los sesenta y setenta, muy especialmente el checo. Trish escribió sendas notas en las reediciones de las bandas sonoras de "Las margaritas" y “Valerie y la semana de los milagros”. Una canción de su álbum “Ha, ha sound” titulada “Valerie”, se inspiraba en la segunda. El mismo álbum incluía otro tema, “Man is not a bird”, que comparte título con una bonita película del yugoslavo Dusan Makavejev, suponemos que no por azar.

Descanse en paz.

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el álbum "Tender Buttons" en spotify

Sangre sabia

2011-01-08T17:58:00.007+01:00

Wise blood
John Huston, 1979
108 minutos

Adaptación cinematográfica de la novela más famosa de Flannery O’Connor, dirigida por John Huston. Aunque en esta ocasión firma como Jhon: para darle un toque infantil a los créditos de la cinta, se decidió que fuese un niño de verdad el que los crease y se conservó la errata para que no perdiesen autenticidad.

De una novela excelente no siempre surge una película excelente. Por ejemplo, me viene a la mente “El mago” de Guy Green: un reparto de lo más interesante -Michael Caine, Anthony Quinn, Candice Bergen y Anna Karina- pero una versión un tanto aguada de la misteriosa novela de John Fowles.

Me esperaba algo parecido de “Sangre sabia”, que en su día fue un fracaso de taquilla y suele aparecer entre la lista de obras “malditas” de Huston. Pero nunca hay que fiarse de las apariencias: es una película estupenda. Por algo el autor de “El tesoro de Sierra Madre” o “La reina de África” la incluía entre sus favoritas.

Huston recrea con precisión esa América profunda de la novela: toda una galería de fanáticos religiosos, estafadores y tarados, en la que hasta el más disparatado de los personajes acaba resultando simpático gracias al cariño que su autora ponía en todas sus criaturas. En eso me recuerda un poco a John Waters (gran admirador de O’Connor), que siempre retrata a sus monstruos con más ternura que desprecio.

Un personaje tan excéntrico y alucinado como el predicador Hazel Motes requería un actor excepcional, y Brad Dourif da la talla en todo momento. Increíble que Dourif no sea más conocido; trágico que su trabajo más famoso sea... poner voz a Chucky , el muñeco asesino.

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés con subtítulos en castellano)

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Josef Kilián

2011-01-05T20:13:00.004+01:00

Postava k podpírání
Pavel Jurácek y Jan Schmidt, 1963
38 minutos

O “Estructura hecha para ser sostenida”. Un relato breve y kafkiano (el título es un guiño al Josef K de “El proceso”), sobre un personaje atrapado en una desesperante trama a causa de algo tan inofensivo y cotidiano como un gato... de alquiler.

Una crítica elegante pero feroz a la burocracia y al ambiente opresivo y asfixiante (¡esa ventana vallada!) de los regímenes comunistas; sorprende que Jurácek (guionista de "Las margaritas") y Schmidt obtuvieran permiso en su día para rodar “Josef Kilián”. Y también sorprende que hoy en día sea tan desconocida y que no esté publicada en DVD.

enlaces de descarga aquí (versión original en checo)

subtítulos en castellano

imdb

Cerca de Orouët

2010-12-30T02:01:00.012+01:00

Du côté d'Orouët
Jacques Rozier, 1973
150 minutos

Once largos años transcurrieron entre "Adiós, filipinas", el primer largometraje de Jacques Rozier, y el segundo, “Cerca de Orouët”. Una larga espera, en la que Rozier se dedicó a trabajar para la televisión o a dirigir cortometrajes como “Paparazzi” o “Bardot et Godard”, ambos realizados durante el rodaje de “El desprecio” de Jean-Luc Godard.

Seguramente el fracaso comercial de “Adiós, filipinas” tuvo mucho que ver en este impasse. O puede que Rozier se viese obligado a esperar hasta que se diesen las condiciones adecuadas para rodar una película tan poco comercial como “Cerca de Orouët”. Curiosamente, no es una película difícil por oscura sino por todo lo contrario: es tan transparente, tan aparentemente sencilla, que termina resultando complicada.

Como en “Adiós, filipinas”, las protagonistas son chicas jóvenes, en este caso tres amigas que deciden pasar juntas unos días de septiembre en un pueblo de la costa francesa. Allí las acompañaremos mientras comen crepes, toman el sol, nadan, van en barco o montan a caballo, todo ello sin parar de reír ni un instante. No hay más argumento, los personajes no experimentan ningún tipo de evolución ni ocurre nada extraordinario que trastoque la quietud de las vacaciones. Todo se cuenta de forma tan diáfana que por momentos creemos estar viendo una home movie (técnicamente impecable) rodada por unos familiares durante el verano pasado. Las interpretaciones también rebosan naturalidad: las actrices no parecen estar actuando, y digo esto como el mejor de los cumplidos.

El mayor pero que se le puede poner a “Cerca de Orouët” es su duración: la combinación entre ese ritmo tan pausado y sus dos horas y media de metraje puede poner a prueba nuestra paciencia por momentos. Pero cuando se acerca el final y las chicas comienzan a hacer las maletas y a cerrar las ventanas de la casa, la sensación de fin del verano (aunque en realidad estemos en pleno invierno) y de despedida es tremendamente real. De pronto nos damos cuenta de que no vamos a volver a ver a nuestras risueñas amigas, y entonces todo cobra sentido.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés con subtítulos en inglés; el archivo es incompatible con los reproductores de sobremesa, o al menos con el mío)

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Madre Juana de los Ángeles

2010-12-24T20:00:00.009+01:00

Matka Joanna od Aniolów
Jerzy Kawalerowicz, 1961
110 minutos

Otra joya del cine polaco de los sesenta. Parece ser que se basa en hechos reales que tuvieron lugar en el siglo XVII: un clérigo viaja hasta un apartado convento para exorcizar a las monjas que lo habitan. Tarea ardua e incluso peligrosa: el último sacerdote que intentó llevarla a cabo terminó en la hoguera, acusado de brujería por las mismas religiosas. Una de ellas, Madre Juana, es la que padece el cuadro más agudo de posesión: nada menos que ocho demonios se han adueñado de ella.

“Madre Juana de los Ángeles” podría parecer el extremo opuesto de “El exorcista” de William Friedkin. En muchos aspectos lo es, aunque lo cierto es que cuenta una historia muy parecida. Pero evidentemente el tono de esta cinta es mucho más contemplativo y serio, por no hablar de su impecable estética, con esas escenas en las que los hábitos blancos de las monjas resaltan poderosamente sobre los grisáceos escenarios para crear impresionantes contrastes. También son muy destacables las interpretaciones de la pareja protagonista, con esa nada disimulada tensión sexual que se crea entre ambos. Como dato curioso, Ken Russell se inspiraría en los mismos hechos para rodar años después “Los demonios”. “Madre Juana de los Ángeles” obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1961.

http://www.fileserve.com/file/WHkBjd7/Mother Joan of the Angels.part1.rar
http://www.fileserve.com/file/3PsjVX4/Mother Joan of the Angels.part2.rar
http://www.fileserve.com/file/Bs7THSM/Mother Joan of the Angels.part3.rar
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subtítulos en español

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Confidencias

2010-12-18T00:40:00.008+01:00

Gruppo di famiglia in un interno/Conversation Piece
Luchino Visconti, 1974
120 minutos

No soy un apasionado de Visconti. Vi no hace demasiado tiempo dos de sus películas más famosas, “La caída de los dioses” y “Rocco y sus hermanos” y me gustaron, pero no me dejaron mucha huella. Hasta el punto de que casi dudaría de que las he visto sino fuera porque tengo ambas en DVD. Me vienen recuerdos de algún lejanísimo pase televisivo de “Muerte en Venecia”; tendría que repescarla. La que me encanta es “Bellísima”: Anna Magnani removiendo cielo y tierra para convertir a su hija en niña prodigio. Maravillosa.

“Confidencias” fue la penúltima película de Visconti. Dos años antes, mientras rodaba “Ludwig”, sufrió un ataque al corazón que lo dejó postrado en una silla de ruedas hasta su muerte, pocos años después. Quizás por ello, “Confidencias” deja un regusto triste, a despedida.

Un apacible coleccionista de arte se ve prácticamente obligado a alquilar el lujoso piso de arriba de su mansión a una familia de indeseables, capitaneada por una histérica marquesa y su apuesto (pero no menos histérico) gigoló. Dos mundos se estrellan: uno culto y exquisito, en vías de extinción; el otro zafio y vulgar, arrasando con todo lo que se encuentra a su paso.

Los papeles del coleccionista y la marquesa estaban destinados a Laurence Olivier y Audrey Hepburn, pero finalmente se los agenciaron Burt Lancaster y Silvana Mangano. Afortunadamente, porque ambos están esplendorosos.

"Confidencias" es mucho más conocida que las películas que suelen aparecer en este blog. Pero, por alguna razón, no es nada fácil de encontrar en internet, en buena calidad, en su versión original (en inglés, no en italiano) y con subtítulos en español. Aquí está. Disfrutadla, que es una joya.

enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Todo a la venta

2010-12-12T00:52:00.008+01:00

Wszystko na sprzedaz
Andrzej Wajda, 1969
105 minutos

En nuestro periplo por los cines del este, antes o después teníamos que encontrarnos con el polaco Andrzej Wajda.

Había que escoger una película de su extensa filmografía como punto de partida. Lo lógico sería empezar por “Cenizas y diamantes” o “El hombre de mármol”, sus películas más conocidas. O por “Katyn”, una de sus últimas y más premiadas obras.

Pero este blog se rige por el azar (o el capricho) antes que por la lógica.

Así que la elegida fue “Todo a la venta”. ¿Por qué? El argumento parecía interesante. El cine dentro del cine, como en “Atención a esa prostituta tan querida” de Fassbinder, o “La noche americana” de Truffaut (o “El desprecio” de Godard, sí; pero esta no me gusta). Un actor que se ausenta de un rodaje. Dos mujeres que lo buscan. La frontera entre la realidad y el cine, lo natural y lo artificioso, y -una vez que se descubre el destino del actor- el homenaje sincero o la explotación pura y dura.

Una de esas películas que abre puertas: en este caso, no solo a otras obras de Wajda (que a buen seguro pronto se volverá a pasar por sedmikrásky) sino también a otro artista que desconocía: Andrzej Wrobelwski, malogrado pintor polaco que perdió la vida con tan solo 30 años.

El paquete incluye subtítulos en varios idiomas, incluido el español. Pero estos últimos parecen redactados por un robot polaco. Si podéis, usad los ingleses.

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(vía Cinema of the World)

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Los mártires del amor

2010-12-07T15:59:00.011+01:00

Mucedníci lásky
Jan Nemec, 1967
71 minutos

Gracias al hallazgo de blogs como Cinema of the World (¡impresionante!), sedmikrásky vive una segunda juventud. Hace meses me las veía y deseaba para encontrar algo que reseñar en este blog, y de ahí su periodicidad más bien raquítica. Pero ahora es todo lo contrario: se me acumulan las películas para comentar. Me gusta escribir sobre una película justo después de verla (antes de que se me olvide todo; no tengo memoria), pero solo en esta semana he disfrutado de tantas maravillas que no sé por dónde empezar. Es un sin parar de descubrimientos, un festín de auténticas “perlitas sumergidas en el fondo del mar”, parafraseando la película colectiva en la que cinco cineastas checos ponían imágenes a sendos relatos del escritor Bohumil Hrabal.

Entre estos directores estaba Jan Nemec, el autor de “Los mártires del amor”. Hace unas semanas intenté crear una entrada sobre “Diamantes de la noche”, su primer largo. Pero cuando me enfrento a películas tan perfectas y tan emocionantes, me quedo bloqueado y soy incapaz de escribir una palabra. Me pasa con todas mis películas favoritas. Buscadla, es fácil de encontrar. Es increíble.

La carga política de su segunda obra, “La fiesta y los invitados” -prohibida “de por vida” por las autoridades soviéticas- provocó la fuga de Nemec a Estados Unidos y la interrupción durante varias décadas de su carrera como cineasta. Pero antes del exilio consiguió terminar “Los mártires del amor”, la película más ligera y divertida de su trilogía pre-Primavera de Praga. Se compone de tres historias ensoñadoras, sin apenas diálogos, con guiños tanto al cine mudo y a las primeras películas surrealistas (“Entreacto” de René Clair, por ejemplo) como a los hallazgos de sus compatriotas contemporáneos: no os perdáis el cameo, fugaz pero absolutamente adorable, de mis queridísimas musas.

“Los mártires del amor” es una delicia en blanco y negro que sin embargo derrocha color en cada fotograma. Un precioso canto a la libertad y a la imaginación, de la mano de un director que seguramente nos habría dejado muchas más obras maestras de no haberse enfrentado a circunstancias tan adversas.

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(versión original en checo)

subtítulos en inglés

(vía Cinema of the World)

imdb

7362

2010-12-04T23:51:00.003+01:00

7362
Pat O'Neill, 1967
10 minutos

Sombras chinescas digitales.
Fantasías caleidoscópicas de 1967, aunque parezcan mucho más recientes.

La sala de estar con cama

2010-11-30T19:37:00.008+01:00

The Bed Sitting Room
Richard Lester, 1969
90 minutos

Otra película imposible de conseguir durante mucho tiempo. Sigue siendo difícil encontrarla en internet en buena calidad y con subtítulos, pero se acaba de publicar en DVD en España. El director es Richard Lester, famoso por las películas de los Beatles y varias entregas de la saga Superman, pero que yo siempre recordaré por la loquísima “El knack y cómo conseguirlo”.

Estamos en la ciudad de Londres, o más bien lo poco que ha quedado de ella tras la tercera guerra mundial y la bomba atómica. Aunque los supervivientes jamás pronuncian las palabras “bomba” o “guerra”: como son tan ingleses, prefieren expresiones más elegantes como “desgraciado incidente” o “malentendido”.

Para sobrevivir, nada mejor que el humor más absurdo y pasado de rosca. Y eso que las consecuencias de la radiactividad no son nada divertidas. O sí: embarazos que duran años, señoras que se convierten en armarios, señores que se convierten en loros... Una fotografía realmente preciosa (¡esos apocalípticos cielos rojos!), el debut en cine de Marty Feldman (y uno de las primeros papeles de Dudley Moore) y la siempre estupenda Rita Tushingham (“El knack...”, “Un sabor a miel”). Muy recomendable aunque, lo dicho, de momento no hay enlace.

Actualización: ¡sí hay! (sin subtítulos en español)

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés)

subtítulos en inglés

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Deep End (Zona profunda)

2010-11-24T23:21:00.018+01:00

Deep End
Jerzy Skolimowski, 1971
88 minutos

Por fin podemos tacharla de la lista de películas imposibles de conseguir. Parece ser que "Deep End" no se ha publicado nunca en DVD (algo ciertamente extraño), pero sí que se pasa regularmente por las televisiones de algunos países. Y gracias a un telespectador italiano podemos disfrutar de esta maravillosa película; no es la mejor copia posible (la calidad de la imagen es simplemente aceptable, la mosca de la RAI incordia un poco y además lleva subtítulos italianos incrustados), pero creo que esta es la mejor versión que circula por Internet a fecha de hoy.

Por alguna razón asocio esta película a "If" de Lindsay Anderson, quizás porque muchos años después de haber visto ambas en televisión, todavía recordaba sus escenas más impactantes. En el caso de "Deep End", el paseo nocturno del protagonista por las calles de Londres al son del "Mother sky" del grupo alemán Can (en la banda sonora también hay canciones de Cat Stevens), el accidentado viaje en metro o el maravilloso final de la piscina. Escenas clave del cine más pop de los sesenta, algo que también emparenta esta película con "Blow up". Aunque "Deep End" es muchísimo más accesible y diáfana que el clásico de Antonioni, y tampoco le busca los cinco pies al gato como hacía "La barrera", otra obra anterior de Skolimowski que reseñamos hace bien poco.

Eso sí, conserva toda esa magia y excentricidad tan propias de los cines del este, a pesar de estar rodada en Londres y con actores ingleses: la estupenda pareja formada por Jane Asher (ex-novia de Paul MacCartney; más pop no se puede ser) y el teenager John Moulder-Brown (poco antes había protagonizado... "La residencia" de Narciso Ibáñez-Serrador).

Sin más, os invito a disfrutar de esta auténtica joya del cine europeo de los 60-70, un clásico pop que no puede caer en el olvido.

película en descarga directa (versión original en inglés con subtítulos en italiano)

subtítulos en español

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Withnail y yo

2010-11-23T01:28:00.010+01:00

Withnail and I
Bruce Robinson, 1987
107 minutos

No recuerdo cómo llegué hasta esta película, pero estoy encantado de haberlo hecho. En Inglaterra está considerada obra de culto (triunfa especialmente entre los estudiantes) y en España parece que también tiene sus fans, aunque sospecho que es bastante más desconocida.

Antes de ponerse detrás de la cámara, Robinson comenzó su carrera como actor. Terminó dejándolo, harto de penurias económicas y papeles de poca monta, aunque muy mal tampoco le fue: llegó a protagonizar "El diario íntimo de Adele H." de Truffaut (¡y “Los viajes escolares” de Jaime Chávarri!). Posteriormente comenzó a escribir guiones y triunfó con el de “Los gritos del silencio”. Y finalmente, en 1987 se animó a dirigir esta maravilla.

Robinson rebusca en sus recuerdos para llevarnos al Londres de finales de los 60 y presentarnos a Withnail y a Marwood, dos actores en paro que (sobre)viven en un insalubre cuchitril de Candem. Withnail es un tipo engolado y de verbo florido, muy seguro de su talento, bastante intratable pero indudablemente simpático. Marwood (alter ego del propio Robinson) es su contrapunto: mucho más inseguro, nervioso y guapo.

Monty, adinerado tío de Withnail, les prestará su casa en la campiña de Cumbria para que les dé un poco el aire; pero la casa está muy lejos de ser una mansión, y las relaciones de los recién llegados con sus nuevos vecinos tampoco van a ser muy satisfactorias. Las cosas empeorarán cuando el propio Monty haga acto de presencia para dedicarse a tirarle los tejos a Marwood. Por lo visto, Franco Zefirelli sometió a un acoso parecido a Robinson durante el rodaje de “Romeo y Julieta” y de ahí sacó la inspiración (y frases tan gloriosas como "¿Eres una piedra o una esponja?").

Todo está contado con un sentido del humor delirante e histérico pero sin perder jamás la elegancia. El guión es maravilloso y está lleno de momentos desternillantes, tanto como el estreno real de la película: la primera proyección fue acogida con un silencio de lo más gélido y descorazonador. Afortunadamente, el público se componía exclusivamente de turistas alemanes que se alojaban en un hotel cercano al cine y que no entendieron nada de los diálogos. “Withnail y yo” terminaría siendo considerada una de las mejores comedias británicas de todos los tiempos; méritos no le faltan.

Cambios importantes en este blog: la mula se jubila.
Me resistía a incluir enlaces de descarga directa porque suelen caducar demasiado rápido, pero también es cierto que ya no tiene ningún sentido esperar días (o semanas, en el caso de las películas con menos fuentes) para descargar algo que hoy por hoy puede obtenerse en pocas horas por medio de rapidshares y similares (el descubrimiento del maravilloso Jdownloader también ha pesado en esta decisión). Para rematar, he encontrado varios blogs y foros de descarga directa rebosantes de joyas imposibles de localizar en emule. Así que, por fin, este blog se moderniza. Espero que el cambio sea para bien, ya me contaréis.

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subtítulos en español

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La madriguera

2010-11-11T00:12:00.008+01:00

Carlos Saura, 1969
77 minutos

Teresa y Pedro son un matrimonio de clase alta que vive en un ultramoderno chalet de las afueras. Aparentemente llevan una vida envidiable, pero su relación está tocando fondo y a duras penas se soportan. La única salida es interpretar papeles constantemente; volver a la infancia de Teresa, al comienzo de su noviazgo o incluso escenificar su futura separación; todo vale para combatir el aburrimiento. Pero sus teatrillos van subiendo de tono hasta que el ambiente del domicilio conyugal se vuelve del todo irrespirable.

"La madriguera" es de las películas menos recordadas de Carlos Saura, y no es casualidad. Es bastante fallida, tiene momentos realmente insoportables y ridículos, y entiendo perfectamente que Iván Zulueta la parodiase ("La marrullera") en un episodio de "Último grito".

La lástima es que podría haber sido una película estupenda. El guión, escrito entre Saura, Rafael Azcona y Geraldine Chaplin, es ambicioso pero está muy conseguido, y además es valiente: increíble que algunas de sus escenas pasasen la censura de la época. ¿Qué falla? Los actores. Al protagonista, el sueco Per Oscarsson, le han puesto el típico doblaje acartonado que te saca de la película a cada frase. Y luego está el expediente Geraldine Chaplin.

Cuando yo era pequeño, por la tele pasaban películas de Saura con cierta frecuencia. Ver a Geraldine, con ese físico, esa voz y ese acento tan distintos a los de las actrices al uso, era algo muy impactante para un niño; casi como ver a un extraterrestre. Creo que toda mi generación le tenía pavor a Geraldine, aunque muchos terminamos descubriendo lo maravillosa que es.

En este caso, Geraldine no está especialmente acertada; puede que la culpa sea también del doblaje (aunque afortunadamente, se dobla a ella misma) o simplemente no estaba a la altura de un papel tan complicado. En pocos años, Geraldine mejoraría horrores: en "Cría cuervos" (o, en un registro totalmente distinto, en "Nashville" de Robert Altman) está impecable.

Creo que "La madriguera" tiene más interés por lo que podría haber sido que por lo que es. Quizás si se hubiese rodado con otros actores y en otro país ahora estaríamos hablando de un clásico. También es interesante para imaginar cómo recibiría la España de los 60 una película tan excéntrica y poco convencional.

Elink

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Gran reseña de la revista Quo... plagiada de este blog

2010-11-01T15:07:00.016+01:00

Bueno, gran, gran... Al menos interesante. Podéis hacer clic en la foto para leerla. El artículo está aquí (es la imagen 11). Se publicó en la web de la revista Quo hace dos meses.

Firmada por un tal Vicente Fernández. Firmada pero no escrita. Porque el autor soy yo:

la reseña original, publicada en este blog hace un par de años.

Hay que reconocerle una cosa a Vicente Fernández: podía haber usado también la misma captura de imagen que yo, y no. En un alarde de creatividad y de profesionalidad, ha escogido otra, muy parecida pero otra. E incluso ha cambiado un poquitín el texto. Vicente Fernández se lo curra. Y como se lo curra, se saca unos euros sin dar golpe, a costa de gente que hace las cosas por amor al arte. ¡Muy bonito, Vicente Fernández de Quo!

Vamos a suponer que el resto de reseñas del artículo sí que están escritas por Vicente. Vamos a suponer que el resto de artículos de la revista son propios y no están fusilados de otras webs por un becario que tenía prisa por irse de la ofi el viernes por la tarde.

Para colmo, no es la primera vez que me pasa algo así. Y no me tiréis de la lengua sobre unos subtítulos de una colección de DVDs de Fassbinder porque la podemos tener muy gorda.

Actualización un día después: el director de la revista me ha escrito disculpándose, y ahora en la web se cita este blog como fuente del artículo.

Este tipo de plagios se da con muchísima frecuencia. Hay gente que se piensa que lo que está en internet no tiene dueño y es de todos, pero no es así. Ni siquiera es necesario especificar un copyright para que cualquier obra que publiques en internet te pertenezca legalmente. Así que creo que es importante protestar en estos casos.

Actualización dos días después: finalmente han borrado la entrada de "Cielo líquido". Conservo la captura de pantalla para dejar constancia de que todo lo que cuento aquí es cierto.

La barrera

2010-10-23T16:57:00.008+02:00

Bariera
Jerzy Skolimowski, 1966
77 minutos

Misteriosa película de Jerzy Skolimowski, uno de los nombres más importantes de la nueva ola polaca junto con Roman Polanski. Ambos colaboraron en el guión de "El cuchillo en el agua", el primer largo del segundo.

En el libreto del DVD se compara a esta película con "Las margaritas" de Vera Chytilová o "El Knack y cómo conseguirlo" de Richard Lester. Y algo hay en "La barrera" del espíritu iconoclasta y alocado de dichos filmes, tan representativos de la vertiente más surrealista de los nuevos cines de los sesenta.

Sin embargo, creo que "La barrera" se queda un peldaño por detrás de ese par de obras maestras, quizás porque me resulta demasiado críptica por momentos. Es como admirar una obra de arte visualmente muy atractiva pero a la vez incomprensible. Quizás me hacen falta más referencias para entenderla del todo, puede que el lenguaje que maneja sea menos universal que el de sus ya mencionadas coetáneas. En todo caso, mantiene en todo momento el interés gracias a sus sorprendentes giros y a sus hallazgos visuales y sonoros, como la intrigante banda sonora de Krzysztof Komeda, también habitual del Polanski de aquellos días.

Skolimowski sigue en mi lista de directores a los que tengo que investigar más. Hace años vi la interesante "El grito" (de su época estadounidense), y tengo el recuerdo de haber alucinado de pequeño con un pase televisivo de "Zona profunda", otra de sus obras más famosas.

Por una vez, no incluyo elink porque creo que esta película no está disponible en Emule (al menos con subtítulos en castellano o inglés). Pero sí se ha publicado en DVD en España, en una muy bonita edición de Notrofilms/Versus Entertainment.

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Alice o la última fuga

2010-09-29T23:23:00.003+02:00

Alice ou la dernière fugue
Claude Chabrol, 1977
93 minutos

Un pequeño homenaje al recientemente desaparecido Claude Chabrol por medio de una de sus películas menos conocidas y más alejadas de su estilo habitual, pero no por ello menos brillante. Aquí no hay crímenes pasionales ni crueles retratos de la clase alta francesa. Es más bien una antiaventura experimental que parece tener a Lewis Carroll como punto de partida, y que persigue un objetivo cercano al del cine y las novelas de Alain Robbe-Grillet.

Una avería obliga a Alice a interrumpir su viaje y hacer noche en una misteriosa mansión campestre, habitada por unos misteriosos personajes a los que no se puede hacer preguntas. Poco a poco, Alice irá descubriendo que la casa es más bien una cárcel en la que el tiempo se ha detenido. ¿O quizás es que se ha adentrado en una dimensión paralela? ¿O puede que...?

Para reforzar aún más la singularidad de la cinta, su protagonista es Sylvia Kristel: una estrella del cine erótico en pleno auge gracias a la saga “Emmanuelle”. “Alice” no llega a revelar del todo si Kristel era buena actriz o no porque su personaje no requería un gran despliegue interpretativo (la película se apoya más en los ambientes que en los diálogos), pero deja claro que vestida también podía enamorar a la cámara.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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El rojo en los labios

2010-09-15T01:30:00.014+02:00

Les lèvres rouges
(estrenada en España como "Criaturas de la noche")
Harry Kümel, 1971
100 minutos

Qué bien pintaba sobre el papel: ¡Delphine Seyrig dando vida a Elizabeth Báthory! Sí, la legendaria condesa húngara que se bañaba en sangre de virginales jóvenes para conservar su belleza, interpretada por la estrella más glamurosa y seductora que produjo la nouvelle vague, con el permiso de Stéphane Audran.

Para colmo, las reseñas eran de lo más entusiastas, insistiendo siempre en la elegante factura de la película: ¡nada que ver con las vulgares vampiresas serie Z de Jess Franco! Que si estaba mucho más cercana al arte y ensayo que al terror propiamente dicho, que si la escenografía estaba tan cuidada que casi se daba un aire a “El año pasado en Marienbad”...

Pero las reseñas no hablaban (bueno, sí lo hacían pero yo me empeñaba en hacer caso omiso) de un reparto calamitoso: la acartonada pareja protagonista se hace odiar desde el minuto uno, hasta el punto que todas sus desgracias terminan pareciéndonos pocas. Tampoco ayuda un guión a rebosar de momentos incoherentes y absurdos, con algunas de las muertes más estúpidas de la historia del celuloide.

Lo que es innegable es que Delphine Seyrig está impresionante. Levanta ella sola la película, hasta el punto que cada vez que está fuera de plano, todo se viene abajo de forma estrepitosa. Pero cuando la cámara la enfoca, realmente está tan radiante y seductora como imaginamos a su personaje. Especialmente memorables son sus escenas con Andrea Rau, una belleza procedente del porno con un estilo de actuación más bien... robótico, pero que casa a la perfección con su papel y su físico.

Curiosidades, cortesía de la imdb: Harry Kumel quería darle el papel protagonista a Malcolm McDowell, después de haberlo visto brillar en “If”. Malcolm le tiró, literalmente, el guión a la cara por encontrarlo excesivamente zafio. No le faltaba razón, aunque el actor británico protagonizaría años más tarde “Calígula” de Tinto Brass, que no suele figurar entre las películas más elegantes de la historia.

Delphine Seyrig también se mostraba reticente a participar; fue el director Alain Resnais, gran amante de las novelas gráficas, quien la animó a aceptar el papel. Y creo haber leído que años más tarde los dos coincidían en calificar a “El rojo en los labios” como la mejor interpretación de Delphine. Podría ser. Su magnética actuación casi hace olvidar el desastre casi absoluto que la rodea.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Un hombre que duerme

2010-09-11T02:05:00.005+02:00

Un homme qui dort
Bernard Queysanne, 1974
93 minutos

Esta adaptación cinematográfica de la novela de Georges Perec no llega al extremismo (maravilloso extremismo, por otra parte) de “India Song” de Marguerite Duras, pero se podría afirmar que es más una novela filmada que una película propiamente dicha. Una voz femenina (curiosamente, la narradora de la versión para angloparlantes es nuestra musa Shelley Duvall) va relatando situaciones en segunda persona, y las imágenes las van ilustrando de forma precisa. No hay diálogos porque solo hay un personaje: un joven que un buen día decide romper con todos sus compromisos sociales para dedicar todo su tiempo a tumbarse en su cama o a deambular por las calles vacías durante un asfixiante agosto parisino. Alguien que parece sumiso en una profunda depresión pero que, en cierta forma, se siente a gusto tras liberarse de obligaciones y lastres.

Podrían ser los ingredientes perfectos para una película árida y hermética. Pero la alianza texto e imágenes de “Un hombre que duerme” fluye con agilidad y consigue intrigar desde el minuto uno, creando un clima gradual de desasosiego intenso y claustrofóbico; por momentos parece más propio de un thriller o una película de terror. Una película estupenda, aunque mejor no verla si se tiene un mal día.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Willard (La revolución de las ratas)

2010-08-26T23:34:00.006+02:00

Willard
Daniel Mann, 1971
95 minutos

El gesto más antisocial posible: preferir la compañía de ratas antes que la de tus semejantes. Eso le pasa al joven Willard. Cuando su agobiante madre (Elsa Lanchester: ¡la novia de Frankenstein!) o su insoportable jefe (Ernest Borgnine, haciendo de villanísimo) le dan un respiro, Willard se refugia en el sótano de su mansión victoriana para jugar con un ratón blanco llamado Ben. Pronto van llegando más y más amigos roedores, a los que Willard intenta enseñar pequeños trucos y que le serán de gran ayuda para soportar las adversidades que le depara el destino...

Una serie B con pocas pretensiones pero bien escrita e interpretada, de tono más amable que terrorífico, aunque al final la cosa se pone un poco angustiosa. Supongo que tendría cierto éxito porque se rodó una secuela titulada “Ben”; el tema principal lo cantaba Michael Jackson y es bastante conocido... ¡aunque casi nadie sabe que está dirigido a una rata asesina!

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Aria

2010-08-09T14:28:00.012+02:00

Robert Altman, Bruce Beresford, Jean-Luc Godard, Derek Jarman, Franc Roddam, Nicolas Roeg, Ken Russell, Charles Sturridge, Julien Temple, Bill Bryden, 1987
90 minutos

Diez directores ponen imágenes a arias de Vivaldi, Bach, Wagner, Rameau o Lully. Una película colectiva, y por tanto irregular. La mayoría de sus fragmentos son agradables pero se olvidan al instante, y eso que entre los firmantes hay gente de la categoría de Robert Altman, Derek Jarman o Nicolas Roeg. Vi “Aria” hace unos meses y solo recuerdo con claridad tres segmentos:

El horror firmado por Julien Temple. Es cierto que algunos de sus compañeros se pasan de estetas y de estirados, pero de ahí a convertir “Rigoletto” en un capítulo de “Escenas de matrimonio” con estética MTV hay un trecho. Para colmo, es el fragmento más largo. A la hoguera.

“Armide” es lo mejor que he visto del Jean-Luc Godard post-años 60. También es cierto que no he visto mucho. Es sexy, divertida, preciosa. Seguramente sería más popular de ser un corto independiente y no parte de esta película.

La gran sorpresa y lo mejor del lote: el “Nessum Dorma” de la ópera “Turandot” de Puccini en manos de Ken Russell, de las cosas más impactantes que he visto este año. Una mezcla entre el Kenneth Anger más alucinado y los mejores hallazgos estéticos de los ochenta. Me pongo como un loco a buscar cosas de Russell.

Elink (versión original, apenas hay diálogos)

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La evasión

2010-05-12T12:24:00.013+02:00

Le trou
Jacques Becker, 1960
113 minutos

No entra dentro de la categoría de “otras películas”, porque hay consenso sobre ella: a todos les parece una obra maestra. La última creación de Jacques Becker, cineasta perteneciente a aquella generación pre-nouvelle vague tan denostada por Truffaut y compañía. Aunque me cuesta trabajo creer que no se rindiesen ante algo tan estilizado y bressoniano como “La evasión”.

Actores no profesionales (algunos guapísimos, como Philippe Leroy), ausencia total de música, fotografía en blanco y negro impecable, dos claustrofóbicas y apasionantes horas para relatar una fuga elaboradísima y meticulosa (o cómo rodar cinco minutos de dos hombres picando una pared y que no resulte aburrido), la aventura de cinco fugitivos construyendo paso a paso un castillo de naipes que en cualquier momento se puede desmoronar. Una de las mejores películas de los sesenta.

Elink cd1

Elink cd2

(versión original en francés)

subtítulos en español

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Las playas de Agnès

2010-03-16T12:14:00.011+01:00

Les plages d'Agnès
Agnès Varda, 2008
110 minutos

Conocer a Agnès Varda es amarla. En su última película, la grand-mère de la nouvelle vague hace balance y recuerda su vida de forma encantadoramente desordenada, desde el humor y la ternura. Una vida fascinante y viajera, de Los Ángeles a La Habana, con escalas en Chris Marker, Alexander Calder, Jane Birkin, Andy Warhol, Jim Morrison, Harrison Ford o Delphine Seyrig, con el desaparecido Jacques Demy como compañero de viaje en gran parte del trayecto.

Chapeau a esa forma tan única de mezclar documental y ficción, a ese talento para hablar todo el tiempo de sí misma y no resultar odiosa sino adorable. Muchas imágenes de sus obras, muchos regresos a los escenarios y protagonistas de sus películas. Una perfecta introducción a su filmografía y un repaso a una vida extraordinaria, todo eso y mucho, muchísimo más. Emotiva, emocionante, maravillosa Agnès Varda.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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5/4

2010-03-05T10:46:00.005+01:00

Hieronim Neumann, 1979
8 minutos
Cuando el día a día se rompe en pedacitos. Maravilloso.

La bella cautiva

2010-02-28T00:10:00.008+01:00

La belle captive
Alain Robbe-Grillet, 1983
90 minutos

Es difícil encontrar peliculas de Alain Robbe-Grillet; no están publicadas en DVD. Y además, nadie habla de ellas. Pero cada nueva obra de este director y novelista que cae en mis manos me maravilla: es como conseguir una nueva pieza de un rompecabezas fascinante.

Con la excepción de “Deslizamientos progresivos de placer”, un engrudo erótico-intelectual muy atractivo estéticamente (comenzando por su precioso título) pero bastante ridículo e intragable -y eso que para algunos es su mejor trabajo-, todo lo que he visto de este director hace que me pregunte por qué está tan mal considerado como cineasta: quizás porque para muchos era un advenedizo, un escritor de éxito metido a director de cine. Algo parecido al expediente Marguerite Duras, pero el caso de Robbe-Grillet clama al cielo porque sus películas son mucho más accesibles que las de Duras, y seguramente ganarían muchos adeptos de tener una distribución un poco menos raquítica.

“La bella cautiva” es una nueva vuelta de tuerca a las obsesiones de Robbe-Grillet: la frontera sueño-realidad, chicas jóvenes y guapas envueltas en circunstancias desagradables, cristales rotos, escenas que se repiten una y otra vez, argumentos laberínticos y circulares, un desafío constante para los sentidos. La misma historia que venía contando desde su debut, (“La inmortal”, 1963) pero aquí se nota la experiencia que había ganado Robbe-Grillet con los años: está mucho mejor narrada y cuenta on una puesta en escena sencillamente impecable, creando desde el principio un ambiente perfecto de sueño/pesadilla (¡esas imágenes recurrentes y brumosas de Cyrielle Clair en su motocicleta son puro Lynch!) que nos invita a entrar en un mundo tan misterioso como irresistible, como el cuadro de Magritte que da título a la cinta e inspira algunos de sus fotogramas: un telón rojo abierto en mitad de una playa que aparece una y otra vez en la pantalla.

“La bella cautiva”, además de ser de la mejor película que he visto de Robbe-Grillet, creo que también es la más accesible, así que funciona estupendamente como introducción a su obra. Por desgracia, los subtítulos que enlazo están en inglés. En emule circulan unos en español pero la traducción es bastante pésima: ya es complicado moverse por las películas de Robbe-Grillet como para, solo un ejemplo, encontrarse “That rings a bell” traducido como “Suena una campanita”. Gracias por el esfuerzo, pero traducir tan mal acaba siendo un fastidio más que una ayuda y puede convertir el visionado de una película en un verdadero suplicio.

Elink (versión original en francés)

English subtitles

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Philippe Garrel, retrato de un artista

2010-02-16T10:48:00.010+01:00

Philippe Garrel, Portrait d'un artiste
Françoise Etchegaray, 1998
48 minutos

En esta entrevista para televisión de la serie “Cinema de notre temps”, Philippe Garrel habla de su trayectoria, de los motivos que le impulsan a dirigir películas, de los numerosos contratiempos que se ha encontrado para sacarlas adelante, de su relación con sus musas Nico y Jean Seberg (en concreto, del rodaje de “Las altas soledades”)... Me esperaba a un Garrel engolado e ininteligible, pero es justo lo contrario: se muestra muy humilde y se explica con claridad. La charla se ilustra con muchas imágenes de sus películas: atención a las deslumbrantes imágenes de “Athanor”, film muy difícil de encontrar. Además, los subtítulos en español son impecables. Un documental imprescindible para los fans de Garrel y una estupenda introducción para el que sienta curiosidad pero todavía no se haya atrevido con uno de los realizadores más personales e insobornablemente independientes del siglo XX.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

imdb

2010-02-14T10:34:00.001+01:00

En memoria de... Iván Zulueta

Toda la banda está aquí

2010-01-24T00:05:00.009+01:00

The gang's all here
Busby Berkeley, 1943
103 minutos

Otra colección de impactantes y maravillosos números musicales de Busby Berkeley: de ésos que comienzan tímidamente en un pequeño escenario y van creciendo en tamaño e ingenio (creando formas geométricas con los cuerpos de cientos de chicas y todo tipo de recursos visuales) hasta convertirse en algo tan desmesurado que ni el teatro más gigantesco del mundo podría albergarlos.

En esta ocasión, el mismo Berkeley no se limitó a crear las coreografías y también figura como director. El guión -sin ser un derroche de imaginación- tiene varios momentos de lo más divertido, y los actores (especialmente la surreal Carmen Miranda y la estupenda Charlotte Greenwood) están fenomenales. Aunque no pueden hacerle sombra a los auténticos protagonistas: delirios caleidoscópicos como “La dama del sombrero tutti-frutti”, esta vez en rabioso tecnicolor.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Adiós, filipinas

2010-01-16T01:25:00.010+01:00

Adieu Philippine
Jacques Rozier, 1962
106 minutos

Llevaba muchos años detrás de “Adiós, filipinas”. Me la perdí en la estupenda y extensísima retrospectiva de la nouvelle vague que la Filmoteca y el Festival de cine de Gijón prepararon hace unos años (¡era imposible verlo todo, aunque lo intenté!). Había leído mucho sobre ella, porque no hay artículo o libro sobre el cine francés de los sesenta que no la coloque entre las mejores de su época. Pero no había forma de encontrarla por emule. Y al fin ha aparecido una copia tomada de un pase televisivo, con sus correspondientes subtítulos (de momento, solo en inglés). La copia no es de alta calidad: ojalá alguien ripee el DVD francés que se publicó hace un par de años, pero de momento aquí la tenemos. Por fin.

Rozier no tuvo suerte con su debut: “Adiós, filipinas” fue tal fracaso de taquilla que su director tardó más de una década en firmar su segundo largo, "Cerca de Orouët". Y hasta cierto punto es lógico que pasase desapercibida en un momento en el que cine francés no dejaba de entregarnos obras maestras, sorprendentes e inmaculadas como “El año pasado en Marienbad” (Resnais), “Vivir su vida” (Godard), “Cleo de 5 a 7” (Varda), “Jules y Jim” (Truffaut)... A su lado, la cinta de Rozier se queda un poco pequeña. Pero también se merece todos los halagos que ha recibido de la crítica.

El argumento: Michel, un joven cámara de televisión, pasa sus últimos días antes de que le llamen a filas (la guerra de Argelia, tema candente en la época: también aparece en “El soldadito” de Godard y en la ya mentada “Cleo”) tonteando con sus amigas Juliette y Liliane, sin acabar de decidirse por ninguna. La acción comienza en la ciudad, entre platós, salones de baile y cafeterías, para trasladarse a las playas de Córcega, donde los tres amigos deciden tomarse unas vacaciones.

Los actores son amateurs, el montaje es un poco atropellado, algunos tiempos muertos son ligeramente plomizos... Pero sí, “Adiós, filipinas” tiene algo especial: el contraste entre la intrascendencia de su historia y el sombrío futuro que espera a Michel a la vuelta de sus vacaciones, la frescura y timidez con que se retrata la sensualidad adolescente de sus personajes... Mejor me paro aquí. Acabo de recordar unas notas de Truffaut sobre la película que describen todo esto tan bien que casi mejor callarse:

“La nouvelle vague debería existir aunque solo fuera por esto: para poder filmar a personajes de quince o veinte años con un diferencia de solo diez años, justo la necesaria para distanciarse sin perder de vista el tono adecuado. ’Adiós, filipinas’ tiene algo de genial en el equilibrio entre la insignificancia de los acontecimientos filmados y la densa realidad, lo que confiere a la película un interés que basta para apasionarnos.”

Y yo, con mi simpleza habitual, concluyo: es muy bonita.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en inglés

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Grey Gardens

2010-01-10T20:16:00.006+01:00

Albert Maysles, David Maysles, 1975
100 minutos

En 1974, los hermanos Albert y David Maysles planeaban rodar un documental sobre Lee Radziwill, hermana de Jacqueline Kennedy. Pero en su camino se cruzaron otros dos miembros del rutilante clan: Edith Bouvier y su hija Edith (Little Edie). Los Maysles quedaron tan fascinados con la historia y la excentricidad de las Bouvier que finalmente fueron ellas las protagonistas de su siguiente proyecto.

Edith Bouvier, tía de Jacqueline, era una aristócrata que terminó abandonada por su marido y perdiendo toda su fortuna; tan solo conservó Grey Gardens, su impresionante mansión de 28 habitaciones de East Hampton (Long Island, Nueva York). Su hija, la pequeña Edie, lo tenía todo para convertirse en modelo o estrella de cine, o al menos para cazar un marido de la alta sociedad, pero optó por quedarse en Grey Gardens cuidando de su madre... para reprochárselo el resto de su vida.

En el momento de rodar el documental, las Bouvier vivían casi en la miseria y a la casa poco le quedaba de fastuosa: estaba en tal estado de abandono que las autoridades de East Hampton amenazaron con expulsar a las Bouvier de Grey Gardens. Pero madre e hija consiguieron sobrevivir en un entorno irreal, completamente aisladas del mundo exterior y con la única compañía de sus gatos, varios mapaches salvajes y las esporádicas visitas de un joven e imposible vecino, bautizado por Little Edie como “El fauno de mármol” (como la novela de Nathaniel Hawthorne).

Los Maysles lo tenían fácil para crear una obra maestra: no había más que encender la cámara y dejar que las Bouvier se pusiesen a rememorar la carrera de cantante de la madre, a rebuscar en sus álbumes de fotos o a discutir sobre los motivos por los que la hija seguía soltera; todo ello interrumpiéndose constantemente, en muchos casos sin escucharse entre ellas. Son dos personajes congelados en el tiempo (Edie llega a confesar que no tiene reloj y nunca sabe qué hora es), maravillosamente anacrónicos y exhibicionistas. Dos seres tan interesantes y mágicos que siguen enamorando a nuevas generaciones varias décadas después: en los últimos años se ha rodado un remake (¡sí, un remake de un documental!) con Jessica Lange y Drew Barrymore como protagonistas, los Maysles han publicado una colección de descartes de la primera versión, ¡e incluso se hizo un musical de Broadway sobre las Bouvier! A buen seguro que, de seguir en este mundo (Edith falleció pocos años después del estreno de "Grey Gardens"; Little Edie lo haría en 2002), madre e hija estarían encantadas de ser el centro de tanta atención.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Érase una vez un mirlo cantor

2010-01-05T22:11:00.009+01:00

Iko shashvi mgalobeli
Otar Iosseliani, 1970
85 minutos

Gia Agladze toca los timbales en una orquesta, pero tiene la fastidiosa manía de llegar tarde a ensayos y conciertos: ¡siempre aparece escasos segundos antes de su intervención! Gia se niega a estar esperando sin hacer nada, sentado entre el resto de músicos, a que llegue el momento de aporrear los parches: prefiere invertir este tiempo en ligar con chicas que se encuentra por la calle, aunque tampoco es que en este campo las cosas le vayan especialmente bien.

Mentiría si dijese que me vuelve loco esta película de Otar Iosseliani, director ruso posteriormente afincado en Francia: es simpática, bonita, entretenida, con ese encanto propio de los cines del este de los sesenta y setenta. Pero quizás le falte algo de substancia, y su final deja un regusto moralista que echa un poco por tierra su frescura inicial. Los subtítulos están bien traducidos pero (como ocurre con muchas películas checoslovacas o rusas) solo recogen un 70% de los diálogos y dejan sin traducir las frases menos relevantes para la trama. Algo que molesta pero que no impide seguir la película perfectamente.

Elink (versión original en ruso)

subtítulos en español

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Arrebatos

2009-11-19T15:03:00.007+01:00

Arrebatos
Jesús Mora, 1998
55 minutos

Un documental sobre el rodaje de "Arrebato” de Iván Zulueta. Se incluye en la nueva edición en DVD de la película, junto con “Iván Z”, una curiosa y reveladora entrevista al cineasta en su exilio donostiarra.

Jaime Chávarri recuerda que “Iván vivía en Nueva York desde Plaza de España” y nos muestra imágenes de su corto “Ginebra en los infiernos”, en el que aparece Iván. El añorado Antonio Gasset comenta su pequeño papel en la película. Varios miembros del equipo técnico confiesan no haber entendido absolutamente nada de la cinta, ni entonces ni ahora. Will More no recuerda si era suyo el álbum de cromos de Las minas del Rey Salomón. Augusto Martínez Torres, productor, carga contra Almodóvar sin miramientos. Marta Fernández Muro aporta su simpatía arrolladora y una anécdota preciosa sobre Iván. Y Cecilia Roth rememora emocionada el rodaje de esta escena, que quizás sea mi favorita de toda la historia del cine. Entiendo que esta afirmación parezca un sinsentido, yo mismo no puedo explicarlo. Pero es así.

Elink

P.D: Chao, Iván...

El espantapájaros

2009-11-07T18:28:00.009+01:00

The Scarecrow
Jerry Schatzberg, 1973
112 minutos

Jerry Schatzberg dirige a Gene Hackman y a Al Pacino (con el que ya había trabajado en la también recomendable “Pánico en Needle Park”) en otro ejemplo de la libertad con la que se movían algunos directores americanos por el mainstream de los setenta.

Dos personajes se conocen haciendo autostop en mitad de una carretera desierta y polvorienta: uno acaba de salir de la prisión de San Quintín, le gusta meterse en peleas y llevar capas y capas de ropa para protegerse del frío. El otro es un ingenuo marinero que quiere viajar a Detroit para reunirse con su mujer, a la que abandonó cinco años antes cuando ésta estaba a punto de dar a luz. Deciden viajar juntos para visitar a sus familias y montar un taller de autolavado.

“El espantapájaros” tiene algo (o mucho) de “Cowboy de medianoche”: la amistad entre dos seres antagónicos y solitarios que se apoyan el uno en el otro para sobrevivir a un entorno hostil, mientras va desfilando ante nuestros ojos una entrañable colección de personajes estupendamente interpretados. Una película extraña que sorprende, desconcierta, conmueve y finalmente entusiasma, todo en uno.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas

2009-08-03T17:16:00.003+02:00

The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds
Paul Newman, 1972
101 minutos

Tercera película dirigida por Paul Newman, basada en una obra de teatro de Paul Zindel con un estilo cercano al de Tennessee Williams. El personaje principal fue interpretado en los escenarios por, entre otras, Shelley Winters o Joan Blondell; aquí lo encarna Joanne Woodward, esposa del recientemente fallecido director/actor. Por momentos, el estilo de la Woodward es un poco irritante y chillón, quizás porque así lo exigía su personaje, una mujer separada con problemas económicos y dos hijas que son como la noche y el día: la mayor es una cheerleader que va por el camino de heredar el carácter amargo y vitriólico de su madre, y la pequeña (interpretada por la hija del matrimonio Newman) es una tímida estudiante que encuentra en la ciencia la fascinante válvula de escape para abstraerse del sombrío panorama que reina en su hogar.

Una bonita historia que empieza de forma algo anodina pero que va creciendo poco a poco para culminar en una media hora final gloriosa que combina humor y drama a partes iguales.

Elink (versión original en inglés con subtítulos en español incrustados)

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A Decade Under the Influence

2009-07-30T16:17:00.012+02:00

Ted Demme, Richard LaGravenese, 2003
138 minutos
Un documental en tres partes sobre el cine americano de los setenta, el complemento perfecto para el libro “Moteros tranquilos, toros salvajes” de Peter Biskind. Entrevistas a Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Dennis Hopper, Paul Schrader, Milos Forman, Sydney Pollack y muchos más. Toda una generación influida por el cine de autor europeo contemporáneo y por pioneros como Cassavetes (homenajeado en el título del documental), que a finales de los sesenta se esforzó por insuflar nuevos aires a un Hollywood un tanto estancado; y todo ello contando con el apoyo de los estudios y del público, cosa inaudita.

No soy un fanático de esta época (aunque me rindo ante cosas tan bonitas como “La última película” de Peter Bogdanovich) y, aunque reconozco la valentía de todos estos directores, creo que sus logros no supusieron una ruptura tan importante como, por ejemplo, la nouvelle vague con respecto a sus predecesores. Pero el documental es muy entretenido, sirve para descubrir joyitas poco conocidas u olvidadas y es un gusto ver y escuchar a gente tan interesante. Mención especial para las heroínas de la época: Ellen Burstyn, Sissy Spacek, Julie Christie o Pam Grier.

Un dato: “Tiburón” y “La guerra de las galaxias” pusieron fin a esta euforia innovadora. Los productores descubrieron que donde esté una buena película de explotación (y los pingües beneficios del merchandising correspondiente), que se quiten los experimentos. Alguien comenta: “los directores se olvidaron de crear ambientes de forma gradual y empezaron a hacer películas compuestas únicamente por momentos culminantes”. Curioso que Harmony Korine comentase recientemente que justamente eso es lo que intenta hacer con sus películas... aunque le salgan un poco diferentes a Spiderman 2.

Elink1 Elink2 Elink3 (versión original en inglés, no hay subtítulos en ningún idioma)

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Música: Der Abendstern de Ingrid Caven

2009-07-26T01:39:00.007+02:00

Der Abendstern
Ingrid Caven, 1979

1 Der Abendstern (instrumental)/Der Ozelot
2 Das Kleine Hotel
3 Nachmittag Mit Wolken
4 In 10 Sekunden Ist Alles Vorbei
5 Bundeswalzer
6 Die Großen Weißen Vögel
7 Die Frau In Schwarz
8 Der Andere
9 Zimmer In Paris
10 Ich Bin Was Du Vergessen Hast
11 Die Männer Mit Den Hellen Hüten
12 Kinderlied/Der Abendstern

Ingrid Caven fue esposa fugaz y actriz fetiche de Fassbinder (inolvidables sus interpretaciones en “En un año con trece lunas” o “El viaje a la felicidad de mamá Kuster”), musa de Yves Saint-Laurent, también trabajó con directores de la talla de André Téchiné, Jean Eustache o Claire Denis e incluso ha servido de inspiración y le ha dado nombre a una novela de Jean-Jacques Schuhl que se convirtió en todo un best-seller en Francia. Pero además Ingrid Caven es una cantante excepcional, que a finales de los setenta grabó varios discos casi imposibles de encontrar hoy en día con canciones escritas por Peer Raben, el compositor de casi todas las bandas sonoras de Fassbinder. “Der Abendstern” es uno de los discos que escucho sin parar este verano, gracias a momentos como la imponente “Der Ocelot”, la tensión de “In 10 Sekunden Ist Alles Vorbei” (En 10 segundos se termina todo) o la preciosísima “Die Frau In Schwarz” (La mujer de negro). Alguien la describió como una mezcla entre Marlene Dietrich y Edith Piaf. Yo no sabría describir muy bien esta música: me costó bastante entrar en ella, pero ahora no puedo (ni quiero) salir.

descargar Der Abendstern

"Liebe Kommt" de otro disco de Ingrid Caven, el no menos maravilloso "Au Pigall's". Si usáis Spotify, lo podéis escuchar aquí.

ingrid caven imdb rym

El punk de 1978 en TVE

2009-05-07T00:35:00.012+02:00

Habréis notado que últimamente no me prodigo mucho por aquí. Estoy viendo menos cine que antes (quizás estoy un poco saturado), y no recuerdo nada que me haya emocionado especialmente en los últimos meses. Estuve a punto de escribir sobre "Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles" de Chantal Akerman, pero no tengo mucho que decir. Salvo que si os apetece pasar tres horas viendo a Delphine Seyrig abriendo y cerrando armarios y embetunando zapatos, os vais a quedar más que satisfechos.

Como en el blog se ha tratado el tema musical de vez en cuando, espero que no quede muy fuera de lugar este documental de 1978 sobre el punk realizado por TVE (¿quizás para el programa "Informe Semanal"?). Un intrépido reportero se lanza a las calles de Londres a preguntar todo lo preguntable (política, sexo, música, moda) a cualquiera con pelo de pincho ("Hey, punk lady") que se cruce en su camino. Como no podía ser de otra forma, el tono está más cerca del National Geographic ("Punks bailando", dice un rótulo) que a un enfoque serio del asunto, pero sorprende que TVE dedicase treinta minutos de su programación a un tema musical minoritario, y más en aquella época. Hoy no lo harían.

Hay aportaciones desde ambos lados de la barrera: observando todo desde la distancia, el escritor cubano afincado en Londres Guilllermo Cabrera Infante (bastante puesto en el tema) y Bill Grundy, otro gran conocedor, aunque muy a su pesar. En el bando contrario, dos españoles que tuvieron la suerte de vivir el fenómeno en primera fila: Jordi Valls de Vagina Dentata Organ y una simpatiquísima Palmolive de las geniales The Slits ("batería de Las Rajitas", nos avisa otro rótulo) con un imposible deje inglés-malagueño.

Romance sentimentale

2009-04-13T02:14:00.009+02:00

Sergei Eisenstein y Grigori Alexandroff, 1930
20 minutos

"Otoño. Tristeza. La muerte del amor. De todo ello habla esta vieja canción rusa".

La había visto hace muchos años, pero no recordaba ni el título ni el director. Y resulta que era Eisenstein, nada menos.

Por cierto, impresionante esta página, especialmente su sección de vanguardia. A este paso, el emule se va a quedar obsoleto.

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En el curso del tiempo

2009-03-16T18:44:00.020+01:00

Im Lauf der Zeit
Wim Wenders, 1976
175 minutos
Bruno se dedica a reparar proyectores de cine, y para ello recorre pueblecitos de Alemania en su camión. Un día -de la forma más extraña- se topa con Robert, un hombre que acaba de separarse de su mujer y que se encuentra un tanto perdido. Deciden viajar juntos. Por el camino escucharán singles de vinilo de rock de los cincuenta, se encontrarán con un hombre que acaba de perder a su familia en un accidente o a un viejo proyeccionista que piensa que el cine ha muerto. Robert le hará una visita a su padre para ajustar cuentas con el pasado, mientras que Bruno vivirá una curiosa aventura con una taquillera de cine.

Wenders, como sus personajes, no tiene ninguna prisa por llegar a su destino, así que el viaje puede tornarse exasperante por momentos; ya comenté en una entrada anterior mi encontronazo inicial con esta cinta. Y es que es vital enfrentarse a “En el curso del tiempo” con la predisposición adecuada: la de contemplar una auténtica obra de arte, con actores de verdad (admirables Rüdiger Vogler y Hanns Zischler), sin diálogos estúpidos ni más música de la estrictamente necesaria; y no la sucesión habitual de clichés y estereotipos que nos suelen vender como cine y que en realidad poco tienen que ver con éste. Una película con su propio ritmo, pausado y contemplativo, con el que sin duda cuesta conectar; pero si se consigue, deja la sensación de que no existía mejor forma de invertir las tres horas que dura su metraje.

Qué bien expresa todo esto el ya mencionado ex-proyeccionista, desengañado con la vacuidad del cine contemporáneo (bien podría estar hablando del de nuestros días):
“El cine es... el arte de ver, decía mi padre. Por esto no puedo pasar estas películas que sólo explotan aquello que es explotable en la cabeza y en los ojos de la gente. No me obligarán a proyectar películas de las que la gente sale endurecida y embrutecida por la estupidez. Películas que destruyen cualquier alegría de vivir y anulan cualquier sentimiento hacia el mundo y hacia ellos mismos...”

“En el curso del tiempo” tiene muchas escenas inolvidables. En mi favorita, los protagonistas llegan a una sala de cine abarrotada de niños que esperan ansiosos a que comience la proyección. Tras la pantalla, Bruno y Robert comienzan a reparar el proyector, pero terminan escenificando una improvisada pantomima de sombras chinescas.

Elink (versión original en alemán)

subtítulos en español

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El nadador

2009-02-22T15:38:00.007+01:00

El nadador
The swimmer
Frank Perry, 1969
95 minutos

Ned Merrill aparenta tenerlo todo en la vida: una carrera exitosa en el cine y un matrimonio que es la envidia de sus adinerados vecinos. Un buen día decide recorrer todo el condado nadando por las lujosas piscinas de la zona, trazando un recorrido que finalmente lo llevará a su casa. En su camino se topará con una ex-amante despechada, varias fiestas multitudinarias en las que será recibido de distintas maneras o una antigua niñera de sus hijos. Estos encuentros van aportando piezas al puzle, y poco a poco iremos descubriendo que el presente de Merrill no es tan idílico como parecía en un principio.

Un punto de partida fascinante para una película aparentemente convencional, que comienza como un optimista canto a la vida y al “carpe diem” pero que, a medida que Merrill se acerca a su destino, se va tornando en algo bastante más lúgubre y amargo.

El protagonista es Burt Lancaster, que no me gusta especialmente pero que sin duda luce un físico envidiable para sus 53 años, algo fundamental para el papel: se pasa toda la película en bañador.

Curiosidades varias: el director, Frank Perry, también fue el responsable de esa joya kitsch llamada “Queridísima mamá”. Pero en esta ocasión abandonó el rodaje, cansado del exceso de control del estudio: la película tardó tres años en estrenarse, y fue víctima de la censura en varios países. Sidney Pollack fue el encargado de terminarla. El papel de Janice Rule era en principio para Barbara Loden (esposa de Elia Kazan y directora de la extrañísima “Wanda”) e incluso llegó a rodar la escena. Parece ser que lo hizo demasiado bien, hasta el punto de ensombrecer a Burt Lancaster, motivo por el que éste exigió que fuese sustituida por Janice Rule (la tercera en discordia en “3 mujeres”). ¡No me quiero imaginar cómo sería la interpretación de Barbara Loden, porque la de Rule es impresionante!

Elink (versión dual español/inglés)

subtítulos en español

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La revolución es sólo el principio. Continuemos la lucha

2009-02-16T22:36:00.015+01:00

La revolución es sólo el principio. Continuemos la lucha
La révolution n'est qu'un début. Continuons le combat
Pierre Clementi, 1968
23 minutos

Pierre Clementi, icono de la contracultura en los sesenta y uno de los actores más ubicuos de su generación (trabajó con Buñuel, Pasolini, Garrel, Bertolucci o Rivette, aunque me encanta especialmente en la loquísima “Sweet Movie” de Dusan Makavejev) también hizo sus pinitos detrás de la cámara. Esta pequeña joyita permaneció en paradero desconocido durante muchos años hasta que alguien la encontró en un sótano en 1999, el año en que falleció Clementi. Es preciosa, rebosa color y emoción (incluye imágenes de mayo del 68). Me emociona pensar que estuvimos a punto de no verla nunca jamás. A disfrutarla inmediatamente, antes de que se vuelva a esfumar.

Elink (muda)

También se puede ver online aquí (cortesía de El príncipe y la ballena)

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Robbe-Grillet en la Filmoteca

2009-02-01T15:43:00.007+01:00

Durante los meses de febrero y marzo, la Filmoteca de Madrid dedica un ciclo al recientemente fallecido Alain Robbe-Grillet, un director del que apenas he visto dos películas pero que me tiene bastante intrigado. Una cita de lo más interesante, porque prácticamente toda su filmografía está inédita en DVD. Corto y pego sinopsis y fechas del programa de la Filmoteca.

La inmortal. Int.: Françoise Brion, Jacques Doniol-Valcroze, Guido Celano. Francia. VOSI/E*. 101'
"La primera película dirigida por el escritor Robbe-Grillet es un romance misterioso fragmentado de forma característica y ambientado en Estambul. La narración irrita en ocasiones y se podría decir que las imágenes de la huidiza mujer con la lencería y amarrada son misóginas, pero no se puede negar la extraordinaria recreación de la atmósfera inquietante que uno encuentra en una ciudad extranjera y laberíntica" (Geoff Andrews).
10 y 21 de febrero

Trans-Europ-Express (1966). Int.: Jean-Louis Trintignant, Marie-France Pisier, Daniel Emilfork. Francia/Checoslovaquia. VOSE*. 105'
Un guionista (el propio Alain Robbe-Grillet), un productor y su secretaria toman el Trans-Europ-Express en dirección a Anvers. El ambiente del tren, el encanto de la conversación y el encuentro casual con Jean-Louis Trintignant les inspira un guión policíaco.
11 y 28 de febrero

El hombre que miente (1967). Int.: Jean-Louis Trintignant, Sylvie Bréal, Dominique Prado. Francia/Checoslovaquia. VOSE*. 95'
En una pequeña ciudad de una región montañosa aún temblorosa por los recuerdos de la guerra y la Resistencia, un joven se codea con los habituales de una taberna que recuerda la desaparición de un tal Jean en una misión peligrosa.
13 de febrero

El Edén y después. Int.: Catherine Jourdan, Pierre Zimmer, Richard Leduc. Francia/Checoslovaquia. VOSI/E*. 93'
En un café que parece un laberinto se reúnen unos estudiantes para imaginar una realidad más allá de su tedio cotidiano. Una noche llega un extraño que se mezcla enseguida en sus parodias ceremoniosas y les da un giro más inquietante, más insólito. Les narra las aventuras del sol, la arena y el sueño de África.
15 y 26 de febrero

Deslizamientos progresivos del placer (1974). Int.: Jean-Louis Trintignant, Anicée Alvina, Olga Georges-Picot. Francia. VOSE. 105'
Alice está encerrada en un reformatorio gestionado por monjas, acusada de haber matado a su amiga Nora, a la que encontraron atada a su cama con el corazón atravesado por unas tijeras. Empieza el interrogatorio en su celda, cuya arquitectura cúbica y la luz recuerdan al lugar del crimen.
19 de febrero

Náufragos

2009-01-29T16:00:00.008+01:00

Náufragos
Lifeboat
Alfred Hitchcock, 1944
96 minutos

Impresionante y claustrofóbica historia escrita por John Steinbeck. Seis hombres, dos mujeres y un único escenario: una balsa a la deriva tras un naufragio en plena segunda guerra mundial. ¿Para qué más? Me marean las películas con cientos de decorados y personajes.

Brilla con luz propia Tallulah Bankhead, una diva atómica, escandalosa y excesiva que en su día fue tan famosa como la Crawford o la Davis; hoy está casi olvidada, probablemente porque se prodigó mucho más en el teatro que en el cine. Éste fue su papel más exitoso y da gloria verla.

“Náufragos” lo tiene todo: suspense (¿qué trama el soldado alemán?), drama y sexualidad a borbotones (la escena en la que la Bankhead acaricia el cuerpo tatuado de uno de sus compañeros de viaje es de órdago). Casi al final, se produce una catarsis tan histérica y violenta que hay que verla para creerla.

No entiendo por qué “Náufragos” no está entre las películas más populares de Hitchcock. Yo conozco pocas obras suyas tan redondas como ésta y la prefiero infinitas veces a, por ejemplo, “Rebeca”.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Vieja amistad

2009-01-13T00:07:00.008+01:00

Vieja amistad
Old acquaintance
Vincent Sherman, 1943
110 minutos

Recital interpretativo de Bette Davis: está estupenda. Le da la réplica su muy odiada Miriam Hopkins, que para mi gusto está un poco sobreactuada, aunque muy divertida. Dos escritoras amigas de la infancia: una tiene el prestigio, la otra el éxito comercial. Enredo sentimental de por medio. Cuando la cosa vira hacia el melodrama, se vuelve un poco ñoña y aburrida, pero tiene momentos bastante buenos. George Cukor dirigió un remake en 1981, “Ricas y famosas”, con Candice Bergen y Jacqueline Bisset. Hay quien opina que la de Cukor es superior al original; yo no me pronuncio, todavía no la he visto.

Paciencia con el elink, hay muy pocas fuentes. Pero merece la pena: no está publicada en DVD en España.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Las altas soledades

2009-01-05T00:50:00.015+01:00

Las altas soledades
Les hautes solitudes
Philippe Garrel, 1974
80 minutos

Todo acaba apareciendo en emule: incluso las películas más recónditas de Philippe Garrel. “Las altas soledades” (maravilloso título) pertenece a la cosecha pre-“El hijo secreto” del cineasta francés, al igual que “La cuna de cristal”, ya comentada en este blog. De nuevo, la copia disponible está muy lejos de ser perfecta... pero también es la única opción de poder ver esta película, salvo en algún pase muy esporádico de la Filmoteca o un festival de cine.

“Las altas soledades” es un retrato de Jean Seberg, uno de los rostros más bellos del séptimo arte, convertido en icono inmortal gracias a Godard y su “Al final de la escapada”. Desafortunadamente, fue uno de los pocos éxitos que Jean cosechó en la gran pantalla. A comienzos de los 70, se vio envuelta en una truculenta historia que ni el mejor de los guionistas podría haber imaginado: el apoyo que la actriz prestó al movimiento político afroamericano Panteras Negras tuvo como consecuencia que el FBI difundiese un malévolo rumor: el hijo que estaba esperando Jean Seberg era de uno de los líderes de los Panteras Negras. Tras sufrir un aborto, Jean decidió despejar toda duda en una rueda de prensa, exhibiendo el cadáver del bebé (blanco) en un ataúd de cristal. La pérdida de este bebé la sumió en una larga depresión: intentó suicidarse varias veces, y finalmente lo consiguió en 1979.

¿Dónde reside la magia de “Las altas soledades”? Es muda (por lo visto, así lo quiso la propia Jean), en blanco y negro, sin argumento, casi exclusivamente compuesta a partir de primeros planos de la actriz sonriendo, probándose un sombrero, durmiendo, llorando desesperadamente...

No lo sé. Supongo que en la tristeza salvaje de Jean Seberg, en sus mohines, alternando sonrisas sinceras y muecas de resignación; a veces mira a la cámara de una forma tan desapasionada, transmite tanto cansancio por la vida, que asusta. Y lo peor es que, probablemente, en esta ocasión no estaba interpretando ningún papel.

También podemos admirar el rostro anguloso de Laurent Terzieff, habitual de la primera época de Garrel, que compaginaba con el cine comercial (por ejemplo, protagonizó “La prisionera” de Henri-Georges Clouzot) o la mirada vampírica de Tina Aumont, otra actriz de vida desgraciada y final prematuro, figura de culto para los amantes del giallo y el cine erótico de los setenta. Y por supuesto, también está Nico, musa y compañera de Garrel: las imágenes de la cubierta de su álbum “The end” son fotogramas de esta película.

Elink

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Robert Mulligan

2008-12-22T22:41:00.005+01:00

Robert Mulligan
1925-2008
Gracias por "Matar un ruiseñor",
por "El otro"
y por las que me quedan por ver.
Este cartel estuvo muchos años pegado
en una pared de mi casa.

obituario
imdb

Correré hasta el fin del mundo

2008-12-19T01:05:00.023+01:00

Correré hasta el fin del mundo
A pobezim az na kraj sveta
Peter Solan, 1979
74 minutos

Una película checa de la que hay poquísima información en internet, al menos en inglés (en español ni la busquéis, directamente). Creo que es la primera película que comento aquí cuya ficha de la imdb está limpia como una patena. Ni un solo comment. Pero en este blog lo checo siempre es muy bien recibido, como ya sabéis.

Aparentemente está dirigida al público infantil, aunque no sé muy bien dónde encajaría en el mundo de hoy, en el que los niños ven series de adultos y los adultos ven películas de superhéroes y leen novelas para niños. Bueno, sí que lo sé...

Cuenta la historia de Majka, una niña que vive en un pueblecito con su familia; su principal afición es coleccionar servilletas de distintos lugares del mundo. Nació con los pies un poco torcidos, motivo por el que sus compañeros de colegio (¡los niños, siempre tan comprensivos con los diferentes!) la han bautizado como “La Pato”. Sus padres le han prohibido verse con su mejor (y única) amiga, y el chico que le gusta no le hace demasiado caso.

En sus ratos libres, Majka juega con los animalitos de la granja, pero la matanza está a la vuelta de la esquina. Y de todas formas, Majka apenas tiene ratos libres porque tiene que ayudar en las tareas de la casa. En fin, que Majka vive en un sinvivir. Pero gracias a su imaginación, a las esperanzas que tiene puestas en el futuro y a pequeños detalles cotidianos, el día a día se le hace más llevadero.

“Correré hasta el fin del mundo” es una película aparentemente ingenua y fácil, pero se va volviendo más y más triste para terminar conmoviendo a niños y grandes que alguna vez se hayan sentido como su protagonista: “la última letra del alfabeto”.

No es una gran película. Es pequeña, pero bien bonita.

Elink

enlaces de descarga directa

subtítulos en castellano

English subtitles

imdb

Esos tres

2008-12-03T23:57:00.012+01:00

Esos tres
These three
William Wyler, 1936
“La calumnia” (1961) de William Wyler no es una película de terror, pero casi. Cuenta la historia de dos profesoras (interpretadas por Shirley MacLaine y Audrey Hepburn) que se ven obligadas a cerrar su colegio femenino (y, ya de paso, a enfrentarse al ostracismo más feroz) cuando comienza a correr el rumor de que mantienen una relación sentimental. La película se basaba en la polémica obra de teatro “La hora de los niños” (1934) de Lillian Hellman.

Curiosamente, Wyler ya había rodado una adaptación de dicha obra en 1936, bajo el título de “Esos tres”. Pero que una película apenas apuntase que entre dos mujeres podía haber algo más que una amistad era algo impensable en aquellos tiempos. Para que la cinta luciese el sello de aprobación del comité de censura de Will Hays -o lo que es lo mismo, para que tuviese una difusión y distribución decente- fue necesario hacer un “pequeño cambio” en la trama: por arte de birlibirloque, la relación lésbica quedaba convertida en un triángulo heterosexual corriente y moliente.

Hellman no le dio demasiada importancia al tijeretazo porque consideraba que la fuerza de la historia estaba en las trágicas consecuencias del rumor más que en el rumor propiamente dicho. Y salvo por ese pequeño detalle, la película era extremadamente fiel a la obra de teatro, hasta el punto de que gran parte de los diálogos son idénticos a los de la versión de 1961.

Conociendo la historia, resulta divertido comparar las dos versiones. Aunque la primera tiene un final excesivamente edulcorado (que contrasta con el de 1961, brutal y tristísimo), la verdad es que “Esos tres” resulta casi tan memorable como “La calumnia”. Aquí las protagonistas son Merle Oberon y Miriam Hopkins, esta última enemiga número dos de Bette Davis (¿hace falta decir quién era la number one?). Hopkins también aparece en “La calumnia” haciendo el papel de la tía loca del personaje de MacLaine. Oberon podría haber acompañado a Hopkins en esta segunda versión, pero se negó a interpretar a la abuela de Mary Tilford, la niña malvada que difunde el rumor.

“Esos tres” es una buena película y la Hopkins me encanta, pero yo desde luego os recomiendo que veáis primero “La calumnia” y os dejéis encandilar por la mejor interpretación que he visto de Shirley MacLaine.

No me consta que “Esos tres” esté publicada en DVD en España. En emule está en versión original sin subtítulos o en una versión doblada tomada de un VHS.

Elink (versión doblada al castellano)

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Bette

2008-11-28T00:31:00.002+01:00

"Me gusta esperar a la puerta por la persona que llega, para que no se encuentre con una puerta cerrada."

"La razón por la que mucha gente recuerda su infancia como el mejor momento de su vida es porque una página en blanco es más bonita que otra llena de deseos incumplidos."

"Un ataque de histeria es como un orgasmo, es bueno para la salud."

"Nunca me sobrepuse a mis divorcios. Para mí no hay nada más solitario que un asiento de retrete siempre bajado."

"Nunca he querido ser un hombre. Siempre me he sentido una mujer y he querido triunfar como tal, en lo personal y en lo profesional. Hay quien ha dicho que siento envidia de pene; en todo caso, admiración de pene."

Las citas son de "The Girl Who Walked Home Alone", de Charlotte Chandler

Un lugar en la cumbre

2008-11-15T23:14:00.009+01:00

Un lugar en la cumbre
Room at the top
Jack Clayton, 1959
Reconozco que la belleza me puede: un factor determinante para que me guste una película es que sus protagonistas me parezcan guapos o sexys. Obviamente no es el único criterio que manejo, pero admito que pesa bastante. Supongo que sonará un poco frívolo (me han dejado algún comentario criticándome por ello) pero es lo que hay. Si alguien se siente ofendido, le invito a que deje de leer inmediatamente y visite otra página de cine más rigurosa. ¡Será por blogs!

En fin, este buscador de la belleza se topó un buen día con “Un lugar en la cumbre” y sus expectativas quedaron más que cubiertas: Laurence Harvey está cañón; resplandece tanto que casi hay que ponerse gafas de sol para mirar a la pantalla. Y qué decir de la fascinante Simone Signoret: interpreta a una mujer madura pero cualquiera puede entender que el personaje de Harvey se cuele hasta los huesos por ella y no por la otra fémina del elenco (Heather Seathers), mucho más joven pero bastante sosa.

Pero la belleza de sus actores es solo la guinda del pastel: es una película maravillosa. Una historia de ambición, de choques de clases sociales, de arrebatados encuentros a escondidas. Signoret ganó un muy merecido Óscar por su interpretación, y la película cosechó un gran éxito en Estados Unidos. El director es el británico Jack Clayton: su mayor éxito fue “Los inocentes”, aunque mi favorita suya es la deliciosa “A las nueve cada noche”.

En resumen, que "Un lugar en la cumbre" me gusta tanto que le daría un diez aunque sus protagonistas tuviesen un ojo colgando.

Elink cd1 Elink cd2 (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Mister Lonely

2008-10-30T13:12:00.013+01:00

Mister Lonely
Harmony Korine, 2007
“Un día pensé: ¿Por qué no hacer películas compuestas únicamente por escenas geniales? Casi siempre desperdicias 45 minutos en llegar a un punto realmente interesante, y después pierdes otros 30 minutos en abandonar ese punto. Todo se centra en llegar a ese momento. ¿Por qué no hacer películas solo con momentos así?” Harmony Korine (entrevista)

Harmony Korine hace películas así: llenas de grandes momentos. A veces el argumento parece solo una excusa sobre la que montar secuencias que no aportan prácticamente nada a la trama, pero que casi siempre resultan preciosas, divertidas, o ambas cosas a la vez.

Para mí, que detesto el “cine indie americano” (cansino, repelente, con pretensiones de transgredir pero tan obvio que a la postre resulta casi más inofensivo que el mainstream), fue toda una sorpresa encontrarme a finales de los noventa con “Gummo” y “Julien Donkey Boy”, las dos primeras obras de Korine: dos maravillosos desaguisados en los que lo grotesco y lo hermoso convivían con total naturalidad. Sí, en ocasiones Korine puede acercarse a sus compañeros de generación y regocijarse en el feísmo más desagradable (á la Todd Solondz), pero inmediatamente corrige su trayectoria para mostrar auténticos festivales de pura poesía visual y sonora: por ejemplo, los últimos veinte minutos de “Julien Donkey Boy” los recuerdo como todo un deleite para los sentidos. En mi opinión, Korine es uno de los mejores cineastas contemporáneos (junto con Quentin Tarantino y Tsai-Ming Liang), y creo que si sigue así terminarán comparándolo con Fellini y no con Solondz.

Tras un largo parón de casi una década, Korine volvió a colocarse tras la cámara y el resultado es “Mister Lonely”, una película con una factura técnica muy superior a sus anteriores obras y una estructura algo más coherente, pero sin perder un ápice de ese “algo” que lo hace tan especial y diferente a los demás.

El argumento, la “excusa” que sirve de punto de partida, es un auténtico bombón: un imitador de Michael Jackson que se gana la vida bailando en las calles de París conoce a una imitadora de Marilyn Monroe, y lo invita a vivir en una comuna de imitadores: allí conocerá a los dobles de Charlie Chaplin, Shirley Temple, Abraham Lincoln, el Papa o la Reina de Inglaterra (¡interpretada por Anita Pallenberg!).

Y a partir de aquí, numerosas secuencias breves, sketches, apuntes de los personajes discutiendo, hablando, cantando, paseando. Son escenas que parecen no conducir a nada, pero que poco a poco van formando un collage agridulce, cercano a lo hipnótico. Los retratos están más cerca de la ternura que de lo grotesco: destaca especialmente el creado por Samantha Morton, una Marilyn casi más sexy y vulnerable que la original. Además, hay una historia paralela absolutamente preciosa de la que prefiero no desvelar nada (aunque el youtube os puede dar una pista), salvo que la protagoniza el gran Werner Herzog. También tiene un papelito Leos Carax; y es que Korine, además de ser genial, tiene muy buen gusto.

enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

Elink (versión original en inglés con subtítulos en español)

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¿Qué fue de Tía Alice?

2008-10-17T00:43:00.009+02:00

¿Qué fue de Tía Alice?
What Ever Happened to Aunt Alice?
Lee H. Katzin, 1969

“¿Qué fue de Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), una de las películas más terroríficas, claustrofóbicas y angustiosas de la historia, nos permitió presenciar, con todo lujo de detalles, la espectacular colisión entre dos divas del celuloide: Joan Crawford y Bette Davis, odiándose en la pantalla (casi) tanto como lo hacían fuera de ella. La película no pretendía ser más que una serie B para rescatar del olvido a las dos viejas glorias hollywoodienses, pero su éxito fue tal que pronto surgieron numerosas imitaciones. Ninguna rezumaba tanto veneno ni tanta histeria como la original, pero la mayoría resultaron ser bastante disfrutables.

El mismo Aldrich repitió la fórmula en 1964 con “Canción de cuna para un cadáver”. Otra historia tenebrosa con el tándem volcánico Davis-Crawford de protagonistas, aunque la segunda dijo “Hasta aquí hemos llegado” y fue sustituida por otra grande en decadencia: Olivia De Havilland, que ese mismo año protagonizaría la no menos siniestra “Una mujer atrapada” (Walter Grauman).

Aunque es unos años posterior, “¿Qué fue de Tía Alice?”, con Geraldine Page en el papel estelar, pertenece claramente a este género “post-Baby Jane”: el título es más que elocuente al respecto. Pero hay una gran diferencia: Davis, Crawford y De Havilland estaban finalizando sus carreras cuando se prestaron a rodar estas truculencias, mientras que a Page (bastante más joven que las ya mentadas) todavía le quedaba mucha vida cinematográfica por delante: aún estaban por llegar interpretaciones tan notables como las que nos dejó en “Septiembre” (Woody Allen) o “Regreso a Bountiful” (Peter Masterson).

No me atrevo a decir que “¿Qué fue de Tía Alice?” sea una gran película: puede que hasta resulte demasiado sosita y previsible para ser una buena obra de suspense/terror, pero la Page está colosal y aporta tensión con solo una mirada; para colmo, la réplica se la da Ruth Gordon, la “dulce” abuelita de “La semilla del diablo” o “Harold y Maude”. Solo por ver juntas a estas dos fabulosas actrices ya merece la pena.

El enlace es un dual español/inglés. Por desgracia, no hay subtítulos: creo que el DVD español no los incluye.

Elink (dual español/inglés)

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Eaux d'artifice

2008-10-07T01:28:00.015+02:00

Eaux d'artifice
Kenneth Anger, 1953

Un film D'Anger.

Belleza pura.

Elink

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Jubilee

2008-09-26T22:33:00.008+02:00

Jubilee
Derek Jarman, 1977

Jubilee es una de mis películas favoritas, aunque Derek Jarman me resulta un director ligeramente espeso y nunca he conseguido ver entero ningún otro título suyo.

Jubilee pretendía ser un documento del movimiento punk que acababa de nacer en las Islas Británicas, o al menos del movimiento punk que el director tenía en su cabeza: Jarman no pertenecía a esa generación y puede que la mirase un poco por encima del hombro y con cierto desdén. Como resultado, en la época la película no gustó ni a la clase política conservadora (por considerarla excesivamente amoral) ni a muchos de los integrantes del punk, que la veían como algo completamente fantasioso y alejado de la realidad.

Irreal o no, Jubilee ha terminado convertida en uno de los mejores retratos del punk del 77: por su inmediatez (muestra algo que se estaba produciendo justo entonces y no tres años antes) y porque cuesta encontrar otra película con tantas figuras del movimiento en su reparto, bien en papeles estelares (Jordan, Adam Ant, Toyah Wilcox) o en fugaces cameos (Siouxsie, The Slits, Wayne County).

Pero Jubilee es bastante más que un catálogo de rostros famosos del punk y creo que puede resultar muy disfrutable incluso para los que no tengan especial interés en la música de esa época. Partiendo de una idea de lo más rocambolesca (la Reina Isabel I viaja en el tiempo para conocer la Inglaterra del siglo XX), Jarman nos traslada a un Londres post-nuclear sumido en el caos y la violencia; un mundo en el que “la realidad ha sustituido a la fantasía y el arte; si conviertes tus sueños en realidad, ya no son necesarias las películas, los cuadros o los libros”. Las calles están tomadas por excéntricos pandilleros que roban y asesinan por puro placer, un poco como los drugos de “La naranja mecánica”, película con la que Jubilee tiene mucho en común.

Atención a Jenny Runacre, que está fantástica en su doble papel de reina Isabel y cabecilla de los rebeldes (ha trabajado con directores tan renombrados como Cassavetes y Antonioni). También me gusta mucho Toyah Wilcox: aunque sospecho que su relación con el punk fue más bien anecdótico y que parece una trepa de cuidado (escogió su papel únicamente porque era el que más líneas tenía), está muy convincente haciendo de pirómana enloquecida.

Jubilee es una fantasía caótica, violenta y polisexual, para los que pensaban que ya lo habían visto todo.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Alto, bajo y frágil

2008-09-21T21:28:00.010+02:00

Alto, bajo y frágil
Haut bas fragile
Jacques Rivette, 1995

De nuevo Jacques Rivette en Sedmikrasky; sí, el de las películas de tres horas o más. Esta vez con una de sus mejores obras, inédita en DVD en España.

El creador de Celine y Julie se vuelve a lucir con sus retratos femeninos: una bibliotecaria obsesionada con una canción que le recuerda a los padres que no conoció, una rica heredera que se recupera de un coma de cinco años y una repartidora de paquetes muy bailona y muy amiga de lo ajeno. Personajes que, más que demodé, resultan casi extraterrestres (chicas jóvenes que no tienen televisor en casa; prefieren... ir a clubs de bailes de salón) pero, quizás por ello, son de lo más arrebatador.

También hay documentos comprometedores, timbas clandestinas, guardaespaldas torpes y enamoradizos y mucha música, la principal novedad de “Alto, bajo y frágil”: en determinados momentos, los protagonistas se ponen a cantar y a bailar. Pero no es una película musical, de la misma forma que “Pierrot el loco” no es una road-movie (por cierto, Anna Karina tiene un papelito aquí). Es tan solo un delicioso ingrediente más. En fin, que las tres horas pasan volando.

El único problema que le encuentro a “Alto, bajo y frágil” (y a casi todo lo que he visto de este director) es que, tras esas -dichosas- tres horas de intrigas, enredos y personajes encantadores, el regreso a la rutina puede hacerse un poquito duro. Dan ganas de quedarse a vivir dentro de las películas de Rivette.

Elink (versión original en francés)

subtítulos (impecables) en español

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Doble programa de Iván Zulueta

2008-09-13T17:18:00.009+02:00

Párpados (1989)
Último grito (1970)
Iván Zulueta

Programa doble de nuestro director español favorito. Ya solo por “Arrebato” se merecería ese título. Pero además están sus carteles de cine, sus cortos experimentales, su sentido del humor, su devoción por el Hollywood de los musicales y las starlettes, sus polaroids... Todo lo que ha hecho Zulueta nos gusta. Y si se produce el milagro y sigue haciendo cosas, seguro que también nos gustarán porque lo adoramos.

Por un lado, “Párpados” (o “Par pá dos”), su contribución a la serie de televisión “Delirios de amor” (1989). Casi una década en silencio tras “Arrebato”, pero a Iván todavía le quedaban fuerzas (y sentido del humor, imaginación, y...) para regalarnos esta media hora de juegos sobre dobles, gemelos y mellizos, para acabar de una vez por todas por el rumor de que Eusebio Poncela y Marisa Paredes son la misma persona, para jugar con la letra de “Para ti” de Paraíso, para enamorarnos de los áticos de la Gran Vía, para devolvernos a una Marta Fernández Muro tan parlanchina y encantadora como siempre y para presentarnos a Txupa Mella y Viola Mella, hermanas.

Por otro lado un “Último grito”, el programa que dirigió para el segundo canal de TVE entre 1969 y 1970. La música más avanzada del momento, parodias de películas, encuestas a pie de calle, protovideoclips, el glamour de Hollywood y el underground del momento, todo bien revuelto. Un cóctel inusual para la televisión de entonces, y directamente imposible para la de ahora. Por si esto fuera poco, el programa incluye el corto “La cerillera huerfanita contra Papá Noel”, con Carmen Santonja de Vainica Doble (para comérsela) en el papel estelar de huerfanita sin recursos que decide convertirse en estrella pop para vencer a Santa Claus en popularidad.

Último grito (Elink)

Párpados (descarga directa)

www.ivanzulueta.com

Más allá del bosque

2008-09-04T14:44:00.006+02:00

Más allá del bosque
Beyond the forest
King Vidor, 1949

Rosa Moline vive en Loyalton, un pueblecito apacible que detesta con todas sus fuerzas (“la única persona buena de este lugar es el sepulturero”). A ella lo que le gustaría es mudarse a Chicago, alojarse en lujosos hoteles y estar todo el día de compras. Se siente atrapada en su matrimonio con el médico del pueblo, odia a todo el mundo (especialmente a su sirvienta cherokee) y está a dispuesta a lo que sea (LO QUE SEA) con tal que las cosas cambien.

Rosa Moline es un personaje tan oscuro y negativo que los productores de la película vieron conveniente justificar su presencia en una introducción que ya nos prepara para lo peor: “Esta es una historia sobre el mal. El mal es testarudo, está henchido de soberbia. Por el bien de nuestras almas es necesario que lo contemplemos en su repugnante desnudez”.

Quién mejor para interpretar a Rosa Moline que Bette Davis, actriz de personalidad volcánica, ojos gigantescos y una colección de citas célebres de lo más apañada (mi favorita: “El rodaje va bien salvo por un detalle: hay una zorra en el reparto”). Por desgracia, la película obtuvo unas críticas desastrosas que hicieron especial hincapié en que quizás Bette estaba un poco mayor para interpretar a la Moline. “Más allá del bosque” ha quedado para la historia como uno de los grandes fracasos de la actriz, del que se resarciría ipso facto cambiando de estudio y triunfando por todo lo alto con “Eva al desnudo”.

Salvo por alguna incoherencia del guión, no entiendo el aura de película desastrosa y camp (“tan mala que es buena”) que arrastra “Más allá del bosque”. Puede que el quid de la cuestión esté en diferencias culturales que se me escapan, las mismas que hacen de “El valle de las muñecas” una película divertidísima para un angloparlante y una memez sin la más mínima gracia para el resto de los mortales. Por ejemplo, aquí hay una escena en la que Bette dice “¡Qué basurero!” al entrar en una habitación un tanto desordenada. ¿Os parece gracioso? Pues la frase se hizo tan popular que incluso Edward Albee se burló de ella en los diálogos de “¿Quién teme a Virginia Woolf?”.

En fin, a mí me parece una película estupenda que sorprende por ese tono negro-negrísimo nada habitual para su época, y por dejarnos para la posteridad a uno de los personajes más delirantemente venenosos de la historia del cine.

Elink (versión dual inglés/español)

subtítulos en español

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Damas del teatro

2008-08-26T22:39:00.013+02:00

Damas del teatro
Stage door
Gregory La Cava, 1937

Y de lo más moderno a lo más clásico. Aunque los diálogos de “Damas del teatro” (afilados, crueles, divertidísimos) también derrochan modernidad y atrevimiento.

La pasaron por Televisión Española en junio de 2003, con motivo del fallecimiento de Katharine Hepburn, su protagonista. No soy un gran seguidor de las comedias clásicas, pero me bastaron cinco minutos para quedarme prendado de la película, sobre todo por ese humor deslenguado (“Bonito abrigo de conejo. ¡Qué desprendidas son esas criaturas! Mira que dar su vida para abrigar a otros animales.”) y por lo bien que están la Hepburn y Ginger Rogers, esta vez dejando a un lado sus zapatos de baile para regalarnos su irresistible vis cómica.

La película es de Gregory La Cava, director especializado en comedias como “Lecho de rosas” o “Al servicio de las damas”. Es una de las comedias más divertidas que he visto, aunque también tiene momentos muy dramáticos. Una delicia.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Cielo líquido

2008-08-18T10:58:00.013+02:00

Cielo líquido
Liquid Sky
Slava Tsukerman, 1982

Para algunos es una de las peores películas de la historia.

Para otros, una Experiencia.

Comparable a ver por primera vez Pink Flamingos, Arrebato, Eraserhead o Freaks. Una de esas rarezas (una entre un millón) en las que todo parece estar en su contra (presupuesto escaso+guión ambicioso+actores poco dotados+diálogos imposibles) y, milagrosamente, el resultado es excepcional: te deja literalmente pegado en la butaca/sofá con esta estética de flúor, esa música inquietante y extrañísima (pensaba yo que iba a ser tecno-pop ochentero, pero es... otra cosa, sin duda), ese montaje psicotrópico, esa historia de extraterrestres que se alimentan del placer humano... “Cielo líquido” tenía todas las papeletas para ser poco más que un chiste pasado de moda, una serie Z de usar y tirar. Y no: es una maravilla.

Elink cd1 Elink cd2 (versión original en inglés) (vía Iveldie)

subtítulos en español

B.S.O. (vía Darksynthesia)

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Patriotismo, rito de amor y muerte

2008-08-10T19:48:00.007+02:00

Patriotismo, rito de amor y muerte
Yûkoku
Yukio Mishima, 1966

Cortometraje escrito, dirigido y protagonizado por el afamado escritor japonés Yukio Mishima. No dirigió nada más, aunque si protagonizó alguna que otra película como la interesante "Afraid to die" de Yasuzo Masumura.

"Patriotismo", retrato del suicidio de un militar y de su esposa siguiendo el rito del Harakiri, puede sobrecoger si pensamos que el propio Mishima se suicidaría de idéntica forma pocos años después; puede valorarse como un capricho cinematográfico de un genio de la literatura, o como una simple rareza casi imposible de encontrar, porque tras la muerte de Mishima su mujer ordenó destruir todas las copias de la película.

Pero es TAN BONITA que todo lo anterior sobra.

A la altura de "Un perro andaluz" de Luis Buñuel, "Meshes of the afternoon" de Maya Deren o "Un chant d'amour" de Jean Genet.

(el resto de la película tambíen está en youtube)

Elink (versión original muda con intertítulos en inglés)

subtítulos en español

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Sombre

2008-07-07T02:20:00.006+02:00

Sombre
Philippe Grandieux, 1998
“Sombre” llevaba varios meses cogiendo polvo (virtual) en mi carpeta de películas pendientes. Creo que en el fondo le estaba dando largas porque el cine de las últimas décadas casi siempre me deja un mal sabor de boca y la sensación de haber perdido dos (¡o más!) horas de mi precioso tiempo. Pero, por una vez y sin que sirva de excepción, el debut de Philippe Grandieux sí está a la altura de todas las maravillas que se han dicho sobre ella. Es una película especial, única.

Si llama la atención no es tanto por lo que cuenta (un psicópata que se dedica a asesinar mujeres), sino por cómo lo cuenta: tiene un aspecto aparentemente descuidado, en el que abundan las imágenes desenfocadas, temblorosas o (intencionadamente) mal iluminadas. Casi toda la película transcurre en penumbras, creando un ambiente tenebroso y asfixiante, violento, sensualmente enfermizo y, sobre todo, muy original. Tanto que no se me ocurren muchos puntos de referencia. Quizás hay algo de David Lynch, pero creo que cualquier comparación sería hacerle un flaco favor a la inventiva de Grandieux.

Además, el atractivo de “Sombre” no se reduce a su estética: los actores están estupendos (sobre todo Elina Löwensohn; ¡maravillosa!), algo que no suele ser muy habitual en las películas que parecen dar más importancia a la forma que al fondo. Y tiene algunos momentos inolvidables, como una de las escenas de amor (o algo parecido) menos previsibles y más conmovedoras que he visto nunca.

Philippe Grandieux solo ha dirigido dos películas: “Sombre” y “La vie nouvelle” (2002), que también ha recibido excelentes críticas. ¿Será tan buena como “Sombre”?

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Alemania en otoño

2008-06-26T00:49:00.009+02:00

Alemania en otoño
Deutschland im Herbst
Rainer Werner Fassbinder y otros directores, 1978

“Alemania en otoño” es una película colectiva, firmada por un total de once directores (entre otros, Alexander Kluge o Volker Schlöndorff), estructurada en episodios independientes. Confieso que he visto poco más aparte del episodio de Fassbinder (que, afortunadamente, es el primero). Intenté ir un poco más allá pero creo que para seguir la película hay que tener bastante información (o interés/ganas para buscarla) sobre la época y los hechos que retrata esta película. Y no estoy por la labor, sorry.

¿Y de qué hechos hablamos? De la crisis política que sufrió Alemania a finales de los setenta: la Fracción del Ejército Rojo (RAF), Andreas Baader, Ulrike Meinhof, secuestros, atentados, asesinatos, suicidios (¿o ejecuciones?), crispación política máxima. Fassbinder ya había mostrado interés por hablar de la realidad política de su país (y de paso repartir estopa tanto a la izquierda como a la derecha) en la estupenda “Viaje a la felicidad de mamá Küsters” y volvería a hacerlo en “La tercera generación”, película que aún no he podido ver en condiciones.

Lo curioso del episodio de “Alemania en otoño” de Fassbinder es que sus personajes son el propio director, su guapísimo novio (Armin Meier, cuya vida sí que fue una película; una bien triste) y su madre (Lilo Pempeit, que tiene pequeños papeles en numerosas obras de su hijo). Podría parecer un documental, si no fuese porque todo está claramente interpretado y escenificado, aunque seguramente se basa en situaciones reales.

El hecho que sirve de fondo a la historia (el secuestro de un avión por parte de un grupo terrorista simpatizante de la RAF) parece casi una excusa para que Fassbinder se autorretrate como lo que -probablemente- era: un tirano insoportable y neurótico con un genio de armas tomar. En “Atención a esa prostituta tan querida” ya se pinta un retrato parecido, pero en este caso es el director el que se interpreta a sí mismo y el resultado es más impactante si cabe.

En tan solo media hora Fassbinder encarga cocaína por teléfono, vomita, pega a su novio, discute a gritos con su madre, tira la cocaína por el inodoro por miedo a una redada, le dan unos diez ataques de histeria y aún le queda tiempo para trabajar en el guión de “Berlín Alexanderplatz”. Me impresiona que alguien tenga el valor de mostrar un retrato de sí mismo tan crudo y desfavorecedor, que parece regocijarse en mostrar lo peor de sí mismo. En una escena, Fassbinder aparece desnudo, tocándose sus partes mientras habla por teléfono sobre el secuestro del avión. ¿Qué otro director podría mostrarse en pantalla de esta manera?

“Alemania en otoño” (insisto, no hablo de la película sino únicamente del episodio firmado por Fassbinder), sin ser de lo mejor del director, es una buena forma de hacerse una idea de cómo se las gastaba en la intimidad el genio alemán, y una muestra más de su arrebatadora singularidad como creador.

Elink (versión original en alemán)

subtítulos en español

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Música: L'Intégrale de Zouzou

2008-05-09T14:08:00.011+02:00

L'Intégrale
Zouzou
Modelo, actriz, cantante, novia de Brian Jones de los Rolling Stones... La vida de Zouzou parece sacada de un hipotético manual de “Cómo convertirse en un icono de los sesenta” al estilo Eddie Sedgwick. Su vida está repleta de luces y sombras, de subidas y bajadas vertiginosas: pasó de ser fotografiada por Helmut Newton o Richard Avedon o de codearse con Dylan y Warhol a vender el equivalente francés de “La farola” en el metro parisino. Pero al menos consiguió sobrevivir, y en esta última década ha vuelto a la actualidad por medio de autobiografías, documentales sobre su vida y recopilaciones de sus canciones.

Seguramente el punto álgido de la carrera cinematográfica de Zouzou es “El amor después del mediodía” de Eric Rohmer, donde tiene uno de los papeles protagonistas. Pero tampoco hay que olvidar sus escarceos con el underground: fue la musa pre-Nico de Philippe Garrel (Marie pour la memoire, El lecho de la virgen, La concentración).

Zouzou también hizo sus pinitos como cantante. Creo que nunca llegó a grabar un álbum entero; tan solo una serie de EPs dispersos en los que la arroparon Jacques Dutronc y Donovan entre otros y que se recopilan en este álbum.

- el álbum en spotify

- mi canción favorita: Puisque tu es revenu

Zouzou

La cuna de cristal

2008-05-03T22:55:00.013+02:00

La cuna de cristal
Le berceau de cristal
Philippe Garrel, 1976

“Para mí, un plató ideal estaría simplemente formado por artistas: actores y un cineasta (...). Puedo hacer un film mudo enteramente solo. Godard dice que siempre es el productor el que hace estupideces, pero yo digo que siempre son los técnicos” (Philippe Garrel, 1978. Extraído del libro “Philippe Garrel: el cine revelado”, coordinado por Quim Casas).

“La cuna de cristal” pertenece a la época más oscura de Garrel, en la que rodaba con unos medios paupérrimos (con cinta caducada y sin ningún tipo de ayuda: tan solo él, los actores y una cámara). Normalmente, dichos actores eran familiares, amigos y su compañera sentimental durante casi toda la década de los setenta: Nico, la gélida musa de Warhol, que tras su paso fugaz por The Velvet Underground inició una carrera como cantante solista de una belleza críptica y solemne; la banda sonora perfecta para las películas de Garrel.

En “La cuna de cristal” no hay argumento, no hay diálogos, tan solo la música psicodélica y ululante del grupo alemán Ash Ra Tempel, que en ocasiones deja paso a la voz desnuda de Nico, recitando letras de canciones que publicaría varios años después en su álbum “Drama of exile”. Y, lo más impresionante, hay silencios que ponen la piel de gallina, ensuciados por las rayaduras y el mal estado de la banda sonora, acompañando a la perfección a las lúgubres imágenes.

Son imágenes estáticas, oscuras (Garrel utilizó velas como única iluminación en varias secuencias), vampíricas: es la clase de película que Will More filmaba en “Arrebato”, sustituyendo las secuencias a cámara rápida por la lentitud más exasperante pero también la más bella: en ocasiones parece que estamos viendo cuadros vivientes más que una película.

Con la estupenda "El hijo secreto" (1982) Garrel comenzaría una nueva etapa de su carrera mucho más convencional (aunque conservando en gran parte la austeridad y el ritmo pausado de sus películas anteriores). Así, Garrel obtendría por fin el reconocimiento merecido, pero no siempre consiguió superar el magnetismo salvaje de estas joyas de sus comienzos.

La copia que ha aparecido en emule procede de un vhs antediluviano (incluso aparece un molesto contador en la parte inferior de la pantalla durante toda la película), pero hoy por hoy es la única de forma de verla (salvo en ciclos especiales como los que el festival de San Sebastián o la Filmoteca de Madrid dedicaron a Garrel hace unos años).

Elink
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Amenaza en la sombra

2008-05-02T21:07:00.008+02:00

Amenaza en la sombra
Don't look now
Nicolas Roeg, 1973

El género fantástico siempre tendrá un pequeño hueco en este blog, con la condición de que se aleje de los clichés de la serie B/Z, no contenga demasiada casquería y no trate al espectador como a un memo redomado.

No sé mucho de Nicolas Roeg, pero al repasar la filmografía de este director británico en la imdb, veo que tenía una querencia especial por poner a estrellas del rock (Mick Jagger, Art Garfunkel, David Bowie) de protagonistas en sus películas. Aunque en “Amenaza en la sombra” los roles estelares son para Donald Sutherland y Julie Christie.

Con el tiempo, “Amenaza en la sombra” se ha ganado una aureola de culto parecida a la de "El hombre de mimbre". Ambas juegan con el suspense y el terror pero de una forma bastante más sutil que la mayor parte de películas de este género, dejando a un lado los golpes de efecto más fáciles para ir construyendo lentamente un ambiente de tensión que termina por aturdir los sentidos, en el buen sentido de la expresión. Puede recordar al Polanski de “La semilla del diablo” o “El quimérico inquilino”, pero sin llegar a sus niveles de histeria ni a ofrecer un resultado tan apabullante.

No está a la altura de las películas citadas, pero yo he pasado un buen rato con esta historia de médiums y premoniciones en torno a una niña que parece volver del más allá para avisar a sus padres de un peligro inminente, todo ello ambientado en una Venecia invernal y fantasmagórica. Pongamos unas velitas para que en Hollywood tarden bastantes años en rodar el (inevitable) remake.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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¿Y si nos comemos a Raoul?

2008-04-07T01:03:00.010+02:00

¿Y si nos comemos a Raoul?
Eating Raoul
Paul Bartel, 1982

El término “comedia negra” parece ir siempre asociado a la película que nos ocupa. Casi tanto como a “Harold y Maude” (Hal Ashby, 1971), obra que por desgracia no consiguió hacerme sonreír en ningún momento. “¿Y si nos comemos a Raoul?”, sin ser una obra maestra, al menos provocó en mí lo que solo algunas películas consiguen: que la votase con más de un 6 en FilmAffinity y que me apeteciese escribir sobre ella en este vuestro blog.

Los Bland (en castellano soso, rancio) sería el matrimonio más feliz de Los Ángeles sino fuese porque tiene serias dificultades para llegar a fin de mes. Por si esto fuera poco, su ciudad se ha visto invadida por una ola de libertinaje y desenfreno que pone un poco de los nervios a nuestros protagonistas, muy recatados ellos.

A partir de un desgraciado incidente, a los Bland se les ocurre que la solución más simple para poner fin a todos sus problemas consiste en anunciar en la prensa los servicios sexuales de la Sra. Bland, cargarse a sus clientes (a sartenazos) y quedarse con su dinero. Sorprendentemente, todo marcha bien hasta que entra en sus vidas Raoul, un cerrajero de métodos un tanto dudosos que dará un vuelco considerable al plan y a sus vidas...

“¿Y si nos comemos a Raoul?” se gana a pulso su estatus de película de culto gracias a su peculiar humor, un poco crudo pero al mismo tiempo amable (provoca más sonrisas que carcajadas) y, sobre todo, al encanto de la pareja protagonista: Paul Bartel (que también dirigió y escribió el guión) y Mary Woronov, actriz que debutó como chica para todo en la Factory de Andy Warhol: lo mismo aparecía en cintas como “The Chelsea Girls” que bailando la danza del látigo en los conciertos de la Velvet Underground. Aquí está sencillamente divina en su papel de asesina mojigata pero encantadora.

Otro aliciente de la película es que contiene la muerte colectiva más graciosa de la historia del cine, ¡y sin derramar una gota de sangre!

Elink (versión original en inglés)
subtítulos en castellano
imdb

La inmortal

2008-03-28T01:29:00.007+01:00

La inmortal
L’immortelle
Alain Robbe-Grillet, 1963

"La inmortal" (¡qué título tan bonito!) fue el debut de Robbe-Grillet como director, dos años después de haber escrito el guión de “El año pasado en Marienbad” de Alan Resnais. Como todo lo de Robbe-Grillet (lo que he visto; poco), un elegante trampantojo en el que nunca sabemos dónde termina lo vivido y dónde empieza lo soñado. Un exquisito catálogo de espejismos ambientado en Estambul e inmejorablemente descrito en la sinopsis oficial: “Un hombre triste conoce a una bella y enigmática mujer que puede estar implicada en una red de trata de blancas… o no”.

La copia no es muy buena, y no hay subtítulos en español. De nuevo tendréis que decidir entre verla así, o esperar a… a no sé muy bien qué, las películas de Robbe-Grillet son difíciles de conseguir hasta en Francia. Esperemos que, con motivo de su reciente fallecimiento, las cosas cambien.

Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés incrustados)

imdb

El empleo

2008-03-22T02:21:00.009+01:00

El empleo
Il posto
Ermanno Olmi, 1961

Un director italiano que no conocía, Ermanno Olmi, al que tengo que investigar a fondo. Un protagonista (Sandro Panseri, una suerte de Antonie Doinel con timidez crónica: encantador) que apenas volvió a asomarse a la gran pantalla. Un joven que solicita un puesto en una gran empresa. En las pruebas de selección conoce a la chica de sus sueños. Ambos son contratados, pero en distintos departamentos, y lo tendrán difícil para volver a verse. Preciosa película.

Elink (versión original en italiano)

subtítulos en español

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Nunca pasa nada

2008-03-17T02:36:00.006+01:00

Nunca pasa nada
Juan Antonio Bardem, 1963

Una película de Juan Antonio Bardem bastante olvidada; el hecho de que no esté disponible en DVD supongo que no ayuda mucho. Cualquier bodrio español de reciente factura se puede encontrar sin problemas en tiendas y videoclubs, mientras que películas verdaderamente interesantes (y para colmo, de un director tan prestigioso dentro y fuera de nuestras fronteras como Bardem) permanecen inéditas. País.

Sorpresa: la protagonista es Corinne Marchand, la guapísima “Cleo de 5 a 7” (Agnes Varda); uno de los rostros más radiantes del cine francés. La música viene firmada por otro nombre para siempre ligado a la nouvelle vague: Georges Delerue (“El desprecio”, “Hiroshima mon amour”). El reparto se completa con grandes damas de nuestro cine (Julia Gutiérrez Caba, Maria Luisa Ponte), un actor francés (Jean-Pierre Cassel) y otro español: Antonio Casas, bastante excesivo y desafortunado; por desgracia, es el protagonista masculino.

La historia: una vedette francesa sufre un ataque de apendicitis durante un viaje y se ve obligada a pasar unos días en un tranquilo (léase aburridísimo, rancio y apolillado) pueblo castellano, en el que, como bien dice el título, “nunca pasa nada”. El comportamiento moderno y desinhibido de la bella extranjera supondrá toda una revolución en el pueblo; y es que a comienzos de los sesenta, el contraste entre las culturas española y francesa era poco menos que brutal, algo que queda plasmado en la película de forma inmejorable.

La copia de la película que ha aparecido en emule deja un poco que desear en cuanto a imagen y sonido. Pero gracias a ella podemos disfrutar de una de las mejores -pero más desconocidas-películas de Juan Antonio Bardem.

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un estudio universitario, muy interesante e informativo, que compara esta película con la obra cumbre de Bardem, “Calle Mayor”.

Happy End

2008-03-07T19:55:00.008+01:00

Happy End
Oldrich Lipský, 1966

Un hombre se casa con una mujer. La mujer le es infiel. El hombre asesina a la mujer y a su amante. El hombre es condenado a muerte por su crimen.

A primera vista, el argumento no parece nada del otro mundo.

Pero, mmm… ¿Y si la película estuviera rodada… al revés? ¿Es decir, si el comienzo fuese el final ("konec"), y el final el comienzo? ¿Si todos los personajes caminasen al revés, y los diálogos se leyesen en sentido inverso? Sí, es una completa locura. Pero en el cine de los sesenta, todo era posible. Y más en el checoslovaco.

“Happy End” podría quedarse en tan solo una mera ocurrencia ingeniosa. Pero es que además está impecablemente realizada, cuenta con una fotografía muy llamativa en tonos sepia y con un guión excelente. Un detalle genial es que la voz en off del protagonista va narrando la historia tal y cómo la estamos viendo (a la inversa), dándole un nuevo sentido a todo. De esta forma, una boda se convierte en un divorcio, una muerte en un nacimiento, y un espectáculo de striptease en algo mucho más…experimental.

Una película muy divertida, muy inteligente, y muy cortita: poco más de una hora de duración.

Elink (versión original en checo)

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Ginger y Fred

2008-03-02T15:03:00.005+01:00

Ginger y Fred
Ginger e Fred
Federico Fellini, 1986

Una importante cadena de televisión italiana pretende dar la campanada con su especial de Nochevieja, reuniendo a toda clase de fenómenos y personajes extraños; entre otros, un cura que afirma poder levitar, un grupo de enanos, una mujer que graba psicofonías… y una pareja de bailarines que en los años cuarenta emulaba a Ginger Rogers y Fred Astaire por los escenarios de toda Europa.

“Ginger y Fred” es sorprendentemente buena. Para mí está (casi) a la altura del mejor Fellini (el de los 50 y los 60). El leitmotiv de la película no es tanto la nostalgia -que también- sino una crítica feroz a la televisión, que en los ochenta ya comenzaba a convertirse en ese despreciable espectáculo en el que todo vale con tal de mantener al espectador pegado a la pequeña pantalla.

Fue prácticamente la despedida de la gran pantalla de Giulietta Masina, que en algunas escenas parece la hermana gemela de una conocida corresponsal de TVE en el Vaticano. Tanto ella como Marcello Mastroianni ofrecen unas interpretaciones impecables, a medio camino entre la ternura y la autoparodia.

“Ginger y Fred” contiene algunos gags tan absurdos que provocan no ya la risa sino la carcajada (un efecto que pocas películas me producen, os lo aseguro), y a la vez resulta muy emotivo ver a estos dos personajes completamente perdidos en un mundo que hace muchos años que ha dejado de ser el suyo: especialmente tiernas son las escenas de la Masina haciendo zapping en la habitación de su hotel, desconcertada ante tantos anuncios de señoritas sexys que anuncian mortadela o susurran recetas de cocina de la forma más voluptuosa posible.

Ahora que Fellini ya no está, ¿quién va a hacer películas así?

Elink (versión original en italiano)

subtítulos en español

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Valerie y la semana de los milagros

2008-02-25T13:53:00.014+01:00

Valerie y la semana de los milagros
Valerie a týden divu
Jaromil Jires, 1970

Hay películas que resultan accesibles desde el primer visionado, y otras que se muestran más esquivas, como “Valerie y la semana de los milagros”; por más veces que intentas verla, más enigmática parece. Y esto, lejos de ser un inconveniente, se convierte en su valor más destacable.

Todo en “Valerie y la semana de los milagros” (también existe la traducción alternativa de “Valeria y la semana de las maravillas”; de todas formas, no estoy muy seguro de que se haya estrenado oficialmente en España) tiene un aire de cuento de hadas un tanto perverso que combina terror y sensualidad, pero sin tener absolutamente nada que ver con el típico producto setentero de serie Z. Todo lo contrario, esta cinta checoslovaca es un prodigio de elegancia y preciosismo, e incluso se atreve a mostrar unos tímidos desnudos de su protagonista (que solo tenía catorce años cuando se rodó la película) sin que parezcan vulgares o gratuitos.

La historia habla de vampiros que buscan la juventud eterna, de pendientes mágicos que protegen del mal a su portadora, de demonios que se transforman en comadrejas, de madrastras malvadas y misioneros lujuriosos. Toda ello fotografiado en colores brumosos y pálidos, para acentuar la sensación de ensueño … o de pesadilla. La preciosísima música también es digna de mención: su hipnótico tema principal inspiró al grupo Broadcast para crear la canción "Valerie", incluida en su álbum “The Ha Ha Sound”.

Se dice que fue la principal fuente de inspiración de “En compañía de lobos” de Neil Jordan, pero no puedo opinar al respecto porque no la he visto. En todo caso, no conozco ninguna película que se parezca a “Valerie”, ni remotamente. Y eso la convierte en una obra si no excepcional (la narración es un poco confusa por momentos), al menos muy especial, de ésas a las que se regresa una y otra vez para intentar -en vano- desentrañar todos sus secretos.

Elink (versión original en checo)

subtítulos en español

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Alain Robbe-Grillet

2008-02-19T11:12:00.004+01:00

Alain Robbe-Grillet
1922-2008
obituario
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el edén y después

Música: Drácula I love you, de Tuca

2008-02-12T00:16:00.003+01:00

Dracula I love you
Tuca, 1974
01 - Girl
02 - Lastima
03 - Pra Voce com Amor
04 - Sorvete
05 - Oui, Je Suis Hereuse
06 - Dracula I Love You
07 - Ilha do Quartzo Azul
08 - Teia Viva
09 - 827
10 - Tempo Glacial
11 - O Canto do Cisne Negro

El lector, confundido: ¿Pero esto no era un blog de cine?
Sedmikrasky: Sí. Y mayormente lo seguirá siendo. Pero estoy atravesando una fase no demasiado cinéfila, y sin embargo estoy escuchando mucha música. Así que pensé que podría aprovechar este blog para hablar de algún disco interesante de vez en cuando. O mejor aún: colgarlo para que lo podáis escuchar.

La elegida para estrenar esta sección es Tuca, uno de los secretos mejor guardados de la música popular brasileña.

Hay poquísima información sobre ella. Publicó tres discos, que no tuvieron ningún éxito y que no se han reeditado nunca en CD. Su verdadero nombre era Valeniza Zagni Da Silva. Vivió varios años en París, donde trabajó como compositora y arreglista de "La question", mi disco favorito de Françoise Hardy. Un disco sexy, atmosférico, radicalmente distinto a cualquier cosa publicada por la célebre chanteuse. Uno de mis discos favoritos.

Poco antes de regresar a su país, Tuca grabó en la ciudad de la luz su tercer y último álbum: “Dracula I love you” (¡qué título!). Su voz recuerda a veces la de Maria Bethania. Su estilo, un poquito a los tropicalistas o a Milton Nascimento… pero yo la encuentro muy original y es una pena que esté tan olvidada.

Y en fin, ¿para qué perder el tiempo describiendo su música? Escuchadla:

- el álbum completo para descargar

- tres canciones para escuchar:

(El disco lo encontré en Loronix, un estupendo blog especializado en rarezas brasileñas)

No quiero dormir solo

2008-02-06T15:11:00.001+01:00

No quiero dormir solo
Hei yan quan
Tsai Ming Liang, 2006

El nuevo Tsai Ming Liang. Una nueva ración de silencios, canciones tontas, deseos reprimidos, catástrofes naturales; todo ello ambientado esta vez en Malasia, país del que procede el director. Son los ingredientes de todas sus películas (y pocos más los usan: si te ha gustado “No quiero dormir solo”, la imdb te recomienda… otras de Tsai Ming Liang). Pero vuelve a conseguirlo: primero interesar y finalmente emocionar. Y eso que la empecé a ver un tanto desganado.

Todos los que piensen que el cine tiene que ser por narices diversión y entretenimiento, que ni se acerquen a esta película. O a mí.

Elink (versión original con subtítulos incrustados en inglés)

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Esas mujeres

2008-01-28T13:40:00.001+01:00

Esas mujeres
För att inte tala om alla dessa kvinnor
Ingmar Bergman, 1964

A veces se llega a una película de una forma poco convencional. En mi caso, me fijé en “Esas mujeres” a partir de un fotograma que estaba expuesto en la Filmoteca. Creo que la estaban pasando este mes, pero yo elegí (con bastante mala fortuna) “En el curso del tiempo” de Wim Wenders. Una pena, porque me habría encantado disfrutar de “Esas mujeres” en pantalla grande.

Buscando información en la imdb, me sorprende que no tiene ni una sola crítica favorable, algo bastante extraño tratándose de una obra del intocable Bergman. ¿El motivo? Que es una comedia disparatada y excéntrica; en otras palabras, el opuesto exacto de lo que uno quiere ver cuando se acerca al mundo de este cineasta. Aunque Bergman ya había demostrado en “Sonrisas de una noche de verano” que la comedia ligera no se le daba nada mal, en esta ocasión el cambio de registro fue tan exagerado que dejó estupefactos a crítica y público. Algo parecido le sucedería años más tarde a Woody Allen al abandonar su humor habitual para sacarse de la manga la sombría (y muy bergmaniana) “Interiores”; una película fantástica pero que sigue considerándose de lo peor del neoyorquino.

¿Es “Esas mujeres” una película mediocre? Si la comparamos con “Persona” (rodada un par de años después), probablemente. Pero seguro que de venir firmada por un director desconocido estaría muchísimo mejor considerada. El aspecto más destacable de la cinta es su fotografía: fue la primera película de Bergman en color, y se le saca el mayor partido posible. El resultado es todo un festín visual, elegantísimo y sorprendente. De hecho, tras verla es inevitable pensar por qué las películas de hoy en día, sean independientes o de grandes estudios, tienen unos colores tan feos.

En cuanto al humor de la cinta (con guiños al cine mudo y al slapstick), a mí me resulta bastante agradable. Comprendo que ver a Bibi Andersson y a otros habituales de Bergman corriendo alocadamente al compás de un charlestón puede ser un shock; pero una vez superado, es muy fácil dejarse llevar y disfrutar de su absurdo argumento. Y los actores están tan estupendos como en el más acongojante de los dramas.

“Esas mujeres” es una rareza, sí. Pero de las que merece la pena descubrir.

Elink (versión original en sueco)

subtítulos en español

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¡Multiple Maniacs con subtítulos en castellano!

2008-01-17T19:12:00.011+01:00

Multiple Maniacs
John Waters, 1970

“Mi generación fue muy afortunada. Robar era políticamente correcto, los disturbios eran una forma genial de conocer gente, la peor enfermedad sexual que existía era la sarna y ser pobre era algo elegante. Nadie trabajaba en exceso, hacer autostop era muy fácil, y podías hacer una película por cuatro duros con tus amigos de protagonistas, promocionándola con el boca a boca.” John Waters, Shock Value.

“Multiple Maniacs”, el segundo largometraje de John Waters y el primero con diálogos (la banda sonora de su primer largo, “Mondo Trasho”, se componía únicamente de música), es una película muy difícil de encontrar. Nunca se ha publicado en DVD en Estados Unidos; ni mucho menos en España, donde las obras maestras de este director (“Pink Flamingos”, “Female Trouble”) continúan inéditas en este formato.

Puede que esto se deba al salvajísimo anticlericalismo que destila la cinta. Contiene algunas de las imágenes más sacrílegas y ofensivas que jamás haya rodado el cineasta, y eso es mucho decir teniendo en cuenta de quién estamos hablando. Puede epatar incluso a un no-cristiano no-practicante como yo, así que avisados quedáis.

El argumento: Lady Divine y su novio, el Sr. David, dirigen un espectáculo llamado “La cabalgata de la perversión”: un freak-show en el que se muestran toda clase de excesos contranatura, pero que en realidad es un señuelo para atracar y asesinar a sus visitantes. El Sr. David, harto del mal genio de Lady Divine, planea asesinarla con la ayuda de su amante. Pero Lady Divine, tras una indescriptible experiencia religiosa, se entera del complot y decide pasar a la acción…

A destacar el genial trabajo de algunos de los actores (los habituales de la primera época de Waters). Aparte de Divine (que, como no podía ser de otra forma, está colosal) siento especial predilección por el personaje de Mary Vivian Pierce, la Jean Harlow de Dreamland: una “coprófaga gerontofílica que practica el autoerotismo”, obsesionada con “hacer el acto” con el Sr. David. Además, en "Multiple Maniacs" debutaron Edith Massey (haciendo, entre otras cosas, de... ¡la Virgen María!) y la simpatiquísima Cookie Mueller (futura camella de Fassbinder, ahí es ná).

“Multiple Maniacs” está muy lejos de ser una película perfecta. Además de contar con una paupérrima factura técnica (aunque el uso del blanco y negro puede darle un toque casi “arty” en ocasiones), algunas escenas se alargan en exceso y los diálogos no son tan ingeniosos como en posteriores obras de Waters. Con todo, es estupenda y merece ser mucho más conocida.

Por eso me he animado a crear unos subtítulos para la versión en divx que viene circulando por emule desde hace años. Primero creé unos subtítulos en inglés (a partir de la versión impresa del guión, publicada en el libro de la editorial Thunder’s Mouth Press), y luego los traduje intentando preservar el humor irreverente y deslenguado del original. Un indigesto pero divertidísimo cóctel en el que conviven Sharon Tate, Jesucristo, los Weathermen, el Santo Niño de Praga y Lobstora, la langosta gigante.

enlaces de descarga directa (incluye subtítulos en castellano)

Elink

subtítulos en castellano English subtitles

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The Weather Underground

2008-01-11T15:35:00.001+01:00

The Weather Underground
Sam Green & Bill Siegel, 2002

(Corto y pego la sinopsis, porque me veo incapaz de mejorarla)

Documental histórico que surge oportunamente en los momentos en que en las grandes ciudades de los Estados Unidos, al igual que en los años 60s´ y principios de los 70s´, se reúnen grandes cantidades de personas para protestar por la inexplicable guerra en un país lejano y el presidente que los condujo allí.

Interesantísimo documental sobre la lucha armada revolucionaria en los Estados Unidos de los años 60. Weathermen Underground fue una organización de jóvenes estudiantes blancos y de clase media que cansados de la situación en la que se veía inmersa su país (guerra de Vietnam, falta de derechos civiles) decidieron abandonar la lucha pacífica y tomar las armas para derrocar a su propio gobierno. Con su lema "Bring the war home" y sus violentos y enfurecidos "Days of rage" (días de rabia) sacudieron en mayor o menor medida muchos pilares de la sociedad de la época y establecieron, junto a otros grupos coetáneos como los Black Panthers, un antes y un después en la historia de la desobediencia civil norteamericana.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Messidor

2007-12-16T00:46:00.001+01:00

Messidor
Alain Tanner, 1979

Cuando hace unos meses me quejaba de lo mucho que me había desagradado "La salamandra", un lector me recomendó que le diese una oportunidad a esta otra película de Alain Tanner. Y me alegro de que haya sido así, porque "Messidor" sí que me ha gustado.

Y es que las películas protagonizadas por dos chicas son muy bien recibidas en este blog. No solo por la que le da título; también me vienen a la mente las fantasiosas "Celine y Julie" de Rivette.

En este caso se trata de dos jovencitas que, aburridas de la vida, se dedican a hacer autostop y a viajar por esos mundos de Dios sin un franco en el bolsillo. Todo empieza como un juego bastante inocente; pero, inevitablemente, las cosas se enredan y enredan...

No es la película de mi vida, pero se deja ver y desde luego es muy especial, motivo suficiente para recomendarla por aquí. Más alicientes: no está publicada en España, y los subtítulos (lógicamente traducidos por un aficionado) no tienen ni una sola falta de ortografía, ni una sola frase chirriante. Cosa no muy frecuente en lo que se refiere a subtítulos de divx.

¿Me atreveré algún día con "Jonás...", el título más famoso de Tanner?

Elink cd 1

Elink cd 2
(versión original en francés)

subtítulos en español

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Diario de un ladrón de Shinjuku

2007-11-05T11:54:00.001+01:00

Diario de un ladrón de Shinjuku
Shinjuku dorobo nikki
Nagisa Oshima, 1968

Nagisa Oshima se dio a conocer fuera de su Japón natal en 1976 con “El imperio de los sentidos”, pero llevaba dirigiendo películas desde finales de los 50. Junto a Shohei Imamura, fue uno de los principales integrantes de la “Nuberu Bagu” (… sí, la “nouvelle vague” nipona), y durante los sesenta rodó numerosas películas de temática y estética rupturista (como "Koshikei"), rechazando el clasicismo de Ozu o Kurosawa. Se le atribuye una frase -ignoro a qué época pertenece- bastante rotunda: “¿Qué odio del cine japonés? Absolutamente todo”.

“Diario de un ladrón de Shinjuku” cuenta la historia de Birdey Hilltop (bueno, así lo bautizaron en la traducción americana, claro), un joven inconformista que obtiene placer sexual únicamente cuando roba libros (entre ellos, el “Diario de un ladrón” de Jean Genet). La dependienta de una librería del barrio de Shinjuku lo pilla in fraganti y lo denuncia, pero a su vez comienza una relación con él.

La película comienza fantásticamente, pero (para mi gusto) va embrollándose de forma innecesaria, convirtiéndose en un collage un poco torpe que seguramente en su época resultaría impactante pero que, visto hoy, se queda en algo que no termina de funcionar ni en lo escandaloso (hay varias discusiones sobre sexo tan vacuas e interminables que parecen pensadas para poner a prueba la paciencia del espectador, más que para romper con los tabús de la época), ni en lo narrativo (realmente, no entiendo prácticamente nada de lo que pasa en la última media hora de la cinta).

Con todo, tiene momentos muy interesantes, una fotografía preciosa, un montaje muy godardiano y, sobre todo, me ha despertado la curiosidad por seguir buscando cosas del Oshima de los sesenta. Afortunadamente, hay muchas pululando por Internet, aunque solo con subtítulos en inglés.

Elink (versión original en japonés)

subtítulos en inglés

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Deborah Kerr

2007-10-19T07:09:00.002+02:00

Deborah Kerr (1921-2007)

No estaba entre mis actrices preferidas. No he visto "De aquí a la eternidad" (o quizás sí, de pequeño). No me gustó en "Suspense", ni mucho menos en "Buenos días, tristeza". Pero siempre la tendré presente por su participación en "La noche de la iguana" (John Huston,1964), dando vida a Hannah Jelkes, uno de los personajes más complejos, atípicos y fascinantes de todos los creados por el gran Tennessee Williams.

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Veinticuatro ojos

2007-10-14T23:32:00.001+02:00

Veinticuatro ojos
Nijushi no hitomi
Keisuke Kinoshita, 1954

Un clásico del cine japonés, no demasiado conocido entre nosotros; ojalá la excelente edición en DVD de Versus Entertainment consiga hacerla más popular por estos lares. Está considerada "una de las diez mejores películas del cine japonés de todos los tiempos", aunque no sé si es una afirmación un tanto exagerada. De todas formas, es muy bonita y recomendable, si bien sus casi tres horas de metraje se me hacen un poco excesivas.

Los "ojos" del título pertenecen a los doce alumnos de Hisaki Oishi, una maestra joven y de ideas progresistas que comienza a impartir clase en una pequeña aldea a comienzos del siglo XX. La acción se desarrolla durante varias décadas, y lo que comienza como una historia intrascendente y alegre termina ensombreciéndose por culpa de la guerra, que echará por tierra las ilusiones y proyectos de maestra y alumnos. Los varones terminarán siendo soldados, y los destinos de los niñas tampoco serán especialmente halagüeños en su mayoría.

Elink (versión original en japonés)

subtítulos en castellano

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3 mujeres, por fin en DVD (pero ya les vale)

2007-09-24T22:45:00.003+02:00

Un amigo cinéfilo me avisa de que por fin se publica en DVD en España una de mis películas favoritas de todos los tiempos: "3 mujeres" de Robert Altman. Una cinta críptica y desconcertante, pero absolutamente mágica, que en su día supuso un tremendo fracaso al no conseguir conectar ni con la crítica ni con el público. Tras su estreno (fugaz) en 1977, se mantuvo varias décadas en el olvido más absoluto (creo haber leído que nunca se publicó en VHS) hasta que la prestigiosa colección de DVDs Criterion la rescató del olvido en 2004.

¿Que no os gusta especialmente Robert Altman? No hay problema, a mí tampoco me mata (salvo "Nashville"). Tengo la sensación de que "3 mujeres" es una anomalía total en la carrera de Altman, y que no es demasiado apreciada por los fans de este director (nunca aparece entre sus películas más destacables o recomendadas). Personalmente, no entiendo cómo alguien puede preferir algo tan soso como "Vidas cruzadas" a esta arrolladora exhibición de singularidad y de magnetismo. Pero bueno, los gustos, ya se sabe.

Pues eso, que Millie Lammoreaux (Shelley Duvall) y Pinky Rose (Sissy Spacek) os esperan para contaros una historia en la que la realidad y los sueños se entrecruzan hasta límites insospechables. Un cruce imposible entre "Persona" y "Mullholland Drive" que ojalá consiga un día el estátus que se merece.

Actualización: acabo de comprarme el DVD. En la contraportada viene una sinopsis breve, DIRECTAMENTE COPIADA Y PEGADA de la entrada original de la película que escribí para este blog. La ley del mínimo esfuerzo, se llama eso.

El rodaje de "Nathalie Granger"

2007-09-16T14:19:00.004+02:00

Un extracto de las memorias de Lucía Bosé, recordando el rodaje de "Nathalie Granger", de Marguerite Duras. La protagonizaron Lucía Bosé y Jeanne Moreau.

"Marguerite Duras es todo un personaje, una de las personas más surrealistas que he conocido. Empezamos a rodar la película en su casa, en un pueblo a las afueras de París, y aquel rodaje resultó una experiencia única. Vivíamos allí, en una casa que era de labranza, y no había un solo vaso que no estuviera roto o una taza que tuviera asa. Pero en aquella casa vivíamos nosotras y también todos aquellos que colaborábamos en la película. el asistente, el ayudante, el montador.

Jeanne y yo solíamos preguntarnos si, de verdad, la Duras tendría un guíon o si, por el contrario, iría día a día improvisándolo. En una ocasión se nos ocurrió preguntarle si tenía un productor. ¡Por supuesto! Nos dijo que era el carbonero que vívia debajo de su casa. Siempre sentimos, Jeanne y yo, el no poder grabar una película de aquella película porque veíamos a una gente tan estrambótica y el ambiente era tan increíble que, si lo hubiéramos filmado, al menos nos habríamos hecho con un Oscar.

(...) La película no tuvo ningún éxito. Un amigo mío que la vio dijo que era aburrídisima, un verdadero coñazo. Eso sí, fue de festival en festival. Nosotras, por fin, no cobramos porque, simplemente, el carbonero no tenía dinero como para hacer excesos de ningún tipo."

Begoña Aranguren, "Lucía Bosé. Diva, Divina".

Las buenas mujeres

2007-09-08T15:07:00.003+02:00

Las buenas mujeres
Les bonnes femmes
Claude Chabrol, 1960

“Las buenas mujeres” no es uno de los títulos más conocidos de Chabrol. Tampoco me atrevería a decir que es de los más redondos (como “El carnicero” o “La ceremonia”, que cuentan con un acabado muy superior). Es una película un tanto torpe e indecisa, en la que no queda del todo claro qué es lo que se quiere contar, a qué género pertenece o quién es el personaje principal. Pero quizás esa indefinición la convierte en algo muy especial, que brilla con luz propia entre todo el material rodado por Chabrol y por sus compañeros de la nouvelle vague.

Sin duda, gran parte de la magia de esta cinta reside en sus protagonistas, cuatro chicas que se aburren mortalmente en su trabajo: una tienda de electrodomésticos en la que no entra ni un solo cliente durante toda la película. Jane (Bernadette Lafont, uno de los tres fascinantes vértices de “La mamá y la puta” de Jean Eustache) se pasa las noches de juerga y buena parte de su jornada laboral dormida sobre un mostrador. Ginette (Stéphane Audran, futura mujer del director y protagonista de sus películas más famosas) es una chica misteriosa que oculta un secreto a sus amigas. Rita (Lucile Saint-Simon) tiene un novio de familia un tanto snob, y Jacqueline (Clotilde Joano) es un frágil personajillo que se ha enamorado de un hombre que todas las tardes pasa por delante de la tienda montado en su moto.

Chabrol retrata con su cámara a las cuatro heroínas –en el trabajo, la piscina, el zoo, el teatro- con un distanciamiento más propio de un documental, sin dejar que ninguna destaque en exceso por encima de las demás. Todo transcurre de forma apacible y anodina, pero hay pequeños detalles (el siniestro "fetiche" de la cajera de la tienda, la música inquietante) que van enturbiando la trama poco a poco...

Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés)

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Vuelve la Busbymanía

2007-09-02T22:06:00.001+02:00

Tras los alucinantes números musicales de “La calle 42” y “Vampiresas 1933”, el público pensaba que Busby Berkeley había alcanzado su cima creativa y que no podría sorprender de nuevo. ¡Ja! Entonces llegó “Dames”, y el número de “I only have eyes for you”. De nuevo: ¿qué se sentirá al ver esto en pantalla grande?