Náufragos Lifeboat Alfred Hitchcock, 1944 96 minutos
Impresionante y claustrofóbica historia escrita por John Steinbeck. Seis hombres, dos mujeres y un único escenario: una balsa a la deriva tras un naufragio en plena segunda guerra mundial. ¿Para qué más? Me marean las películas con cientos de decorados y personajes.
Brilla con luz propia Tallulah Bankhead, una diva atómica, escandalosa y excesiva que en su día fue tan famosa como la Crawford o la Davis; hoy está casi olvidada, probablemente porque se prodigó mucho más en el teatro que en el cine. Éste fue su papel más exitoso y da gloria verla.
“Náufragos” lo tiene todo: suspense (¿qué trama el soldado alemán?), drama y sexualidad a borbotones (la escena en la que la Bankhead acaricia el cuerpo tatuado de uno de sus compañeros de viaje es de órdago). Casi al final, se produce una catarsis tan histérica y violenta que hay que verla para creerla.
No entiendo por qué “Náufragos” no está entre las películas más populares de Hitchcock. Yo conozco pocas obras suyas tan redondas como ésta y la prefiero infinitas veces a, por ejemplo, “Rebeca”.
Vieja amistad Old acquaintance Vincent Sherman, 1943 110 minutos
Recital interpretativo de Bette Davis: está estupenda. Le da la réplica su muy odiada Miriam Hopkins, que para mi gusto está un poco sobreactuada, aunque muy divertida. Dos escritoras amigas de la infancia: una tiene el prestigio, la otra el éxito comercial. Enredo sentimental de por medio. Cuando la cosa vira hacia el melodrama, se vuelve un poco ñoña y aburrida, pero tiene momentos bastante buenos. George Cukor dirigió un remake en 1981, “Ricas y famosas”, con Candice Bergen y Jacqueline Bisset. Hay quien opina que la de Cukor es superior al original; yo no me pronuncio, todavía no la he visto.
Paciencia con el elink, hay muy pocas fuentes. Pero merece la pena: no está publicada en DVD en España.
Esos tres These three William Wyler, 1936 “La calumnia” (1961) de William Wyler no es una película de terror, pero casi. Cuenta la historia de dos profesoras (interpretadas por Shirley MacLaine y Audrey Hepburn) que se ven obligadas a cerrar su colegio femenino (y, ya de paso, a enfrentarse al ostracismo más feroz) cuando comienza a correr el rumor de que mantienen una relación sentimental. La película se basaba en la polémica obra de teatro “La hora de los niños” (1934) de Lillian Hellman.
Curiosamente, Wyler ya había rodado una adaptación de dicha obra en 1936, bajo el título de “Esos tres”. Pero que una película apenas apuntase que entre dos mujeres podía haber algo más que una amistad era algo impensable en aquellos tiempos. Para que la cinta luciese el sello de aprobación del comité de censura de Will Hays -o lo que es lo mismo, para que tuviese una difusión y distribución decente- fue necesario hacer un “pequeño cambio” en la trama: por arte de birlibirloque, la relación lésbica quedaba convertida en un triángulo heterosexual corriente y moliente.
Hellman no le dio demasiada importancia al tijeretazo porque consideraba que la fuerza de la historia estaba en las trágicas consecuencias del rumor más que en el rumor propiamente dicho. Y salvo por ese pequeño detalle, la película era extremadamente fiel a la obra de teatro, hasta el punto de que gran parte de los diálogos son idénticos a los de la versión de 1961.
Conociendo la historia, resulta divertido comparar las dos versiones. Aunque la primera tiene un final excesivamente edulcorado (que contrasta con el de 1961, brutal y tristísimo), la verdad es que “Esos tres” resulta casi tan memorable como “La calumnia”. Aquí las protagonistas son Merle Oberon y Miriam Hopkins, esta última enemiga número dos de Bette Davis (¿hace falta decir quién era la number one?). Hopkins también aparece en “La calumnia” haciendo el papel de la tía loca del personaje de MacLaine. Oberon podría haber acompañado a Hopkins en esta segunda versión, pero se negó a interpretar a la abuela de Mary Tilford, la niña malvada que difunde el rumor.
“Esos tres” es una buena película y la Hopkins me encanta, pero yo desde luego os recomiendo que veáis primero “La calumnia” y os dejéis encandilar por la mejor interpretación que he visto de Shirley MacLaine.
No me consta que “Esos tres” esté publicada en DVD en España. En emule está en versión original sin subtítulos o en una versión doblada tomada de un VHS.
Más allá del bosque Beyond the forest King Vidor, 1949
Rosa Moline vive en Loyalton, un pueblecito apacible que detesta con todas sus fuerzas (“la única persona buena de este lugar es el sepulturero”). A ella lo que le gustaría es mudarse a Chicago, alojarse en lujosos hoteles y estar todo el día de compras. Se siente atrapada en su matrimonio con el médico del pueblo, odia a todo el mundo (especialmente a su sirvienta cherokee) y está a dispuesta a lo que sea (LO QUE SEA) con tal que las cosas cambien.
Rosa Moline es un personaje tan oscuro y negativo que los productores de la película vieron conveniente justificar su presencia en una introducción que ya nos prepara para lo peor: “Esta es una historia sobre el mal. El mal es testarudo, está henchido de soberbia. Por el bien de nuestras almas es necesario que lo contemplemos en su repugnante desnudez”.
Quién mejor para interpretar a Rosa Moline que Bette Davis, actriz de personalidad volcánica, ojos gigantescos y una colección de citas célebres de lo más apañada (mi favorita: “El rodaje va bien salvo por un detalle: hay una zorra en el reparto”). Por desgracia, la película obtuvo unas críticas desastrosas que hicieron especial hincapié en que quizás Bette estaba un poco mayor para interpretar a la Moline. “Más allá del bosque” ha quedado para la historia como uno de los grandes fracasos de la actriz, del que se resarciría ipso facto cambiando de estudio y triunfando por todo lo alto con “Eva al desnudo”.
Salvo por alguna incoherencia del guión, no entiendo el aura de película desastrosa y camp (“tan mala que es buena”) que arrastra “Más allá del bosque”. Puede que el quid de la cuestión esté en diferencias culturales que se me escapan, las mismas que hacen de “El valle de las muñecas” una película divertidísima para un angloparlante y una memez sin la más mínima gracia para el resto de los mortales. Por ejemplo, aquí hay una escena en la que Bette dice “¡Qué basurero!” al entrar en una habitación un tanto desordenada. ¿Os parece gracioso? Pues la frase se hizo tan popular que incluso Edward Albee se burló de ella en los diálogos de “¿Quién teme a Virginia Woolf?”.
En fin, a mí me parece una película estupenda que sorprende por ese tono negro-negrísimo nada habitual para su época, y por dejarnos para la posteridad a uno de los personajes más delirantemente venenosos de la historia del cine.
Y de lo más moderno a lo más clásico. Aunque los diálogos de “Damas del teatro” (afilados, crueles, divertidísimos) también derrochan modernidad y atrevimiento.
La pasaron por Televisión Española en junio de 2003, con motivo del fallecimiento de Katharine Hepburn, su protagonista. No soy un gran seguidor de las comedias clásicas, pero me bastaron cinco minutos para quedarme prendado de la película, sobre todo por ese humor deslenguado (“Bonito abrigo de conejo. ¡Qué desprendidas son esas criaturas! Mira que dar su vida para abrigar a otros animales.”) y por lo bien que están la Hepburn y Ginger Rogers, esta vez dejando a un lado sus zapatos de baile para regalarnos su irresistible vis cómica.
La película es de Gregory La Cava, director especializado en comedias como “Lecho de rosas” o “Al servicio de las damas”. Es una de las comedias más divertidas que he visto, aunque también tiene momentos muy dramáticos. Una delicia.
Veinticuatro ojos Nijushi no hitomi Keisuke Kinoshita, 1954
Un clásico del cine japonés, no demasiado conocido entre nosotros; ojalá la excelente edición en DVD de Versus Entertainment consiga hacerla más popular por estos lares. Está considerada "una de las diez mejores películas del cine japonés de todos los tiempos", aunque no sé si es una afirmación un tanto exagerada. De todas formas, es muy bonita y recomendable, si bien sus casi tres horas de metraje se me hacen un poco excesivas.
Los "ojos" del título pertenecen a los doce alumnos de Hisaki Oishi, una maestra joven y de ideas progresistas que comienza a impartir clase en una pequeña aldea a comienzos del siglo XX. La acción se desarrolla durante varias décadas, y lo que comienza como una historia intrascendente y alegre termina ensombreciéndose por culpa de la guerra, que echará por tierra las ilusiones y proyectos de maestra y alumnos. Los varones terminarán siendo soldados, y los destinos de los niñas tampoco serán especialmente halagüeños en su mayoría.
Tras los alucinantes números musicales de “La calle 42” y “Vampiresas 1933”, el público pensaba que Busby Berkeley había alcanzado su cima creativa y que no podría sorprender de nuevo. ¡Ja! Entonces llegó “Dames”, y el número de “I only have eyes for you”. De nuevo: ¿qué se sentirá al ver esto en pantalla grande?
Sedmikrasky se adentra en las procelosas aguas del camp. Hablo de esas películas "tan malas que resultan ser buenas" y que, en la mayor parte de los casos, son… malas sin más. En fin, que no soy muy fan del “género”, si es que se le puede llamar así. Con “Queridísima mamá” me pasa algo curioso: confieso que me pareció muy disfrutable, entretenida y -por momentos- tronchante. Pero en cierta forma me ha decepcionado un poco: no es tan mala como esperaba. Curioso esto de que una película te decepcione “para bien”.
“Queridísima mamá” es un biopic sobre Joan Crawford, femme fatale bigger-than-life que nos dejó para la posteridad interpretaciones inolvidables en “Johnny Guitar”, “Alma en suplicio” o “¿Qué fue de Baby Jane?”. Pero también se labró una fama de personalidad intratable y volcánica fuera de la pantalla, algo a lo que sin duda ayudó mucho la biografía de su hija adoptiva Christina Crawford, en la que se basa esta película.
Si tenemos que creer lo que se cuenta en “Queridísima mamá” (y, para que nos vamos a engañar, QUEREMOS creerlo), la Crawford era una persona insoportable, caprichosa, competitiva hasta extremos enfermizos, maniática de la limpieza y con un mal café de no te menees. Para colmo, la infancia de Christinita coincidió con el comienzo del declive de la estrella, motivo por el que mamá solía llegar a casa bastante… alterada, y la niña terminaba pagando el pato.
La protagonista es Faye Dunaway, que, la mayor parte del tiempo, está inconmensurable. No es que interprete a la Crawford. Es que, en ocasiones, ES la Crawford. Por desgracia, las críticas de la época no lo supieron ver así, y fueron tan feroces que casi acaban con la carrera de Faye (que, años más tarde, lamentaría profundamente haber aceptado el papel). Es cierto que hay escenas un poco… “over-the-top”, pero en todo caso la culpa habría que echársela a los guionistas: la Dunaway lo único que hace es lanzarse sobre el papel con una voracidad y una entrega admirables.
Y sí, por momentos te partes de risa, algo que ha convertido a “Queridísima mamá” en objeto de culto en Estados Unidos. Una de las escenas más celebradas tiene que ver con el descubrimiento por parte de la Crawford de que su hija cuelga sus vestiditos en perchas de alambre, objeto prohibídisimo en casa de la diva (por lo visto, la ropa hay que colgarla en perchas de madera). La estampa de la Dunaway fuera de sí (y con la cara cubierta por una mascarilla hidratante, para potenciar el efecto cómico-terrorífico) gritando “Noooooo wireeeee hangeeeeeeers!” es, efectivamente, de antología. Y la escena continúa en el baño, alcanzando unos extremos de delirio muy notables.
Sí que tiene que ser popular la escenita, porque en youtube circulan varias parodias de la misma. En general, las parodias no me suelen hacer nada de gracia, pero ésta es muy disfrutable (siempre que hayáis visto la escena original, claro). Por alguna razón, los protagonistas de la parodia son niños. ¡Menudos padres tendrán!
Os recomiendo esta película bajo vuestra cuenta y riesgo. Insisto en que no es ni tan mala ni tan divertida. Por momentos se parece más a un telefilme que al tipo de cine que suele aparecer en este blog; pero los admiradores de la Crawford y los que gusten del humor salvaje á la John Waters (que, por cierto, realiza un audiocomentario en el DVD americano de la película) seguro que se lo pasan en grande con alguna de sus escenas. Eso sí, esta vez no hay elink (solo la he encontrado en versión original sin subtítulos) pero está publicada en DVD en España.
(De "Hollywood Babilonia", Kenneth Anger) "Busby Berkeley fue el indiscutido Genio Número Uno del musical de Hollywood. Es el único director de Hollywood cuyo nombre figura en un diccionario. Tenía la imaginación más audaz de la historia de Tinseltown. Antes de que apareciera en el mundo del cine, los musicales era comedias teatrales filmadas. Berkeley eliminó el arco del escenario. Colocaba su cámara en el techo (a veces más allá del techo) y luego la bajaba con una grúa hasta dejarla a cinco centímetros del ojo de una hermosa muchacha. Mucho más que rutinarios números de baile y canciones, sus creaciones acabaron con el tiempo y el espacio. Hizo fantasías musicales surrealistas, voyeurísticas, eróticas y oníricas que hacían brillar los ojos y excitar los ánimos de medio mundo. Durante la Depresión salvó a la Warner Brothers de la quiebra y convirtió en arte la geometría de las piernas femeninas".
A las nueve cada noche Our mother's house Jack Clayton, 1967
Maravillosa película que recordaba haber visto de pequeño en la tele, cuando en la tele ponían películas a horas decentes, y no solo de Jackie Chan. Sí, fue hace bastante.
Es una producción inglesa dirigida por Jack Clayton (del que quiero ver "Los inocentes", una de sus películas más famosas) y protagonizada por seis niños que se quedan huérfanos de madre repentinamente. Para no terminar en un orfelinato, deciden no contarle a nadie que su madre ha fallecido y aparentar que todo sigue como antes. El título (español) de la cinta se debe a que, tras la muerte de la madre, los hermanos se reunen todas las noches a esa hora para contactar con la madre por medio de sesiones de espiritismo.
Las cosas van de mal en peor hasta que aparece su padre, que les había abandonado de pequeños. El personaje está interpretado por Dirk Bogarde, guapísimo actor de presencia magnética y gusto por los papeles un tanto turbios, como éste. También aparece Yootha Joyce, la inolvidable Mildred de la serie de la BBC "Los Roper".
Por alguna razón desconocida, "A las nueve cada noche" no está editada en DVD en ningún país (creo). Hasta hace poco, la única copia que circulaba por internet procedía de una copia de VHS; para colmo de males, estaba doblada al castellano con no demasiada fortuna: los niños estában doblados por abuelitas y sus voces crispaban de lo lindo. Afortunadamente, ha aparecido una copia mucho más digna y en versión original.
El musical de los musicales. Aunque en realidad el grueso de la película lo ocupan los preparativos del musical; solo en la última media hora llegamos a ver el (maravilloso) resultado.
La película en sí está bien sin más: una comedia clásica/romántica/simpática con todo el encanto y la ingenuidad del cine de los años 30, ansioso por hacer olvidar al público el desastre reciente de Wall Street. Pero esos treinta minutos finales rozan lo sublime: coreografía geométrica del genial Busby Berkeley, y un dibujo animado con forma de chica (Ruby Keeler) que canta y baila el tema central de la película... Arte.
Deliciosa comedia de George Cukor, basada en una obra de teatro de Clare Boothe Luce. Está íntegramente interpretada por mujeres: hasta los animales y mascotas que aparecen en la película son del género femenino.
Una mujer de clase alta vive una vida aparentemente perfecta, hasta que descubre que su marido la está engañando con una dependienta de cosméticos. La noticia le llega de boca de sus “amigas”, unas cotorras malísimas que disfrutan una barbaridad con las desgracias ajenas. Destrozada, la mujer decide irse a Reno, Nevada, a formalizar los papeles del divorcio, y allí conocerá a otras mujeres en su misma situación.
La protagonista es Norma Shearer, pero las que verdaderamente brillan son Rosalind Russell (interpretando a Sylvia, la amiga enredante y venenosa) y la inigualable Joan Crawford, en un papel secundario pero central en la trama y perfecto para ella: el de la amante descocada e insolente.
La Crawford había tenido varios fracasos en taquilla y aceptó el papel a pesar de no ser la protagonista. Tuvo sus más y sus menos con la Shearer: en la imdb cuentan que en la escena principal que comparten ambas, Cukor la expulsó del plató porque se dedicaba a “hacer mucho ruido con sus agujas de tejer” mientras se filmaban los primeros planos de la Shearer. Tremenda.
Curiosidad: en 1977 Fassbinder filmó una versión de la obra de teatro en la que se basa esta película. Por desgracia, es una película para televisión que probablemente nunca se edite en DVD. Lástima, porque me encantaría ver a sus actrices habituales (Margit Carstensen, Irm Hermann) encarnando a estos personajes.
Horreur: se está preparando un remake de Las mujeres; peor aún, en el reparto se baraja el nombre de... Meg Ryan.
Había colgado una secuencia de la película, pero Warner Bros se ha quejado a Youtube y la han borrado. En fin, espero que esto no se convierta en la tónica general de aquí en adelante. Y espero que a alguno de vosotros le haya dado tiempo a ver la secuencia.
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