Las estatuas también mueren

Les Statues Meurent Aussi
Alain Resnais y Chris Marker, 1953
30 minutos

“Cuando los hombres mueren, se vuelven historia. Cuando las estatuas mueren, se vuelven arte. Esta botánica de la muerte es lo que llamamos cultura.”

Impresionante, bellísima colaboración entre unos primerizos Resnais y Marker fechada en 1953, cuando la nouvelle vague no era siquiera un esbozo; muchos años antes de “Hiroshima, mon amour” o de “La jetée”.

El texto, magnífico, de Marker comienza como un estudio sobre el arte primitivo africano, ilustrado por preciosas estatuas del Museo del Hombre (París), el British Museum (Londres) o el Museo del Congo Belga (Bruselas). La hermosura de las imágenes y el beligerante texto que carga contra el paternalismo con el que Occidente contempla este arte se combinan de forma tan efectiva como arrolladora.

“El arte negro. Lo miramos como si su razón de existir fuera el placer que nos da. La intenciones del negro que lo creó, las emociones del negro que lo mira, todo eso nos es ajeno”.

Me maravilla la forma en que Marker describe la degradación de estos objetos religiosos o fúnebres, que la demanda del mercado termina convirtiendo en baratijas fabricadas a gran escala:

“Se fabrican réplicas cada vez más degradadas de las hermosas imágenes inventadas por la cultura africana. (...) En el país donde cada forma tenía un significado, donde la gracia de una curva era una declaración de amor al mundo, uno se acostumbra al arte del bazar. Las joyas falsas que los exploradores ofrecían a los salvajes para satisfacerlos terminan siendo devueltas a nosotros por los negros. La belleza particular del arte negro es reemplazada por una fealdad general. Un arte donde los objetos se vuelven decorativos, un arte cosmopolita, un arte del florero, del pisa-papeles.”

El arte le sirve a Marker de hilo conductor para terminar atacando con saña el colonialismo europeo, tema supongo que muy arriesgado para la época y por el que esta película estuvo prohibida en Francia durante los diez años siguientes a su realización.

El único defecto que le encuentro a “Las estatuas también mueren” es que en ocasiones intenta contar y enseñar demasiadas cosas al mismo tiempo, con un ritmo que me resulta un poco acelerado. No es un gran problema; más bien es la excusa perfecta para revisitar esta obra maestra una y otra vez.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés)

subtítulos en castellano

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Cheburashka

Roman Kachanov, 1971 - 1983
66 minutos

Colección de cuatro cortos de este popular personaje de la animación rusa. Me resultaba ligeramente familiar, así que puede que alguna vez se hayan pasado por la televisión española. En todo caso, no en los últimos veinticinco años.

El protagonista es una extraña mezcla de ratón y mono, tiene un amigo cocodrilo que toca el acordeón, y también una enemiga: una señora mayor cuyo lema es: "La gente no pasa a la historia por sus buenas acciones" y que, por alguna razón, lleva en su bolso a una rata llamada Lariska.

Como veis, la sugerencia de esta semana no es exactamente "El eclipse" de Antonioni, pero tampoco le hace falta porque las animaciones rusas y checoslovacas me parecen lo más bonito del mundo, punto. Y ver un corto de Cheburashka como prólogo a una película de Jan Nemec o Andrej Wajda es el colmo de las delicatessen. Probadlo.

Por desgracia, los subtítulos están en inglés, ¡aunque casi me parece un milagro que haya subtítulos en algún idioma! Eso sí, he encontrado el primer episodio en youtube subtitulado en castellano.





enlaces de descarga aquí (versión original en ruso con subtítulos en inglés)

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El sanatorio de la clepsidra

Sanatorium pod klepsydra
Wojciech Has, 1973
124 minutos

Volvemos a Polonia. De Wojciech Has intenté ver hace tiempo su “Manuscrito encontrado en Zaragoza”, pero sus tres horas de metraje fueron más fuertes que yo. Tampoco es que “El sanatorio de la clepsidra” sea plato de fácil digestión; de hecho, diría que es una de las películas más extrañas que he visto nunca.

Está inspirada en el relato del mismo título del también polaco Bruno Schulz, en el que un hombre llamado Józef (interpretado por Jan Nowicki, protagonista también de “La barrera” de Jerzy Skolimowski), acude a una misteriosa clínica a visitar a su moribundo padre. La clínica resulta ser un mausoleo gótico cubierto de telarañas, en un aparente estado de abandono total. El director del centro revela sus métodos médicos a Jósef: ha conseguido “ralentizar el tiempo” para así alargar artificialmente la vida de sus pacientes. Y a partir de ese momento comienza una larga serie de imágenes oníricas en las que Jósef revive momentos clave de su pasado y se reencuentra con su padre y con distintos personajes históricos en distintos escenarios comunicados entre sí por sinuosos y estrechos túneles.


Insisto en que “El sanatorio de la clepsidra” es una película complicada, y en varios momentos estuve tentado de dejar de verla y pasar a otra cosa. Pero a la vez tiene algo muy seductor; probablemente sus imágenes rebosantes de color e imaginación, a la altura del Fellini más disparatado, fueron lo que me mantuvo pegado a la pantalla hasta el final. Aunque en varios momentos no entendiese demasiado bien su alambicada trama.

Espero que esta reseña un tanto tibia no os eche atrás y os animéis a ver esta película. Yo tengo claro que algún día le daré otra oportunidad, porque creo que tengo la sensación de haberme quedado en su superficie y que esconde mucho más de lo que he podido apreciar y disfrutar.

enlaces de descarga aquí (versión original en polaco con subtítulos en castellano y otros idiomas)

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Trish Keenan

“En Moseley hay un videoclub genial. Lo llevan unos amigos y nos dejan sacar las películas gratis. Está especializado en cine de culto, tiene una sección estupenda de películas de Europa del Este, cine experimental, animación... Me llevo unos cuantos vídeos, los copio y me los pongo cuando me apetece ver la tele pero no quiero tragarme Gran Hermano y cosas así... Prefiero ver “Las margaritas” o “Valerie”... y además escucho sus bandas sonoras. (...) Las películas nos inspiran para casi todo: para hacer música, ideas para fotos y vídeos, letras de canciones...”
Trish Keenan, (2003) (entrevista completa en inglés)

En sedmikrasky estamos desolados porque ha fallecido una persona a la que admirábamos mucho: Trish Keenan, vocalista del grupo británico Broadcast. Alguien muy joven y con mucho talento. Además de ser grandes admiradores de su música, compartíamos con Trish su afición por el cine europeo de los sesenta y setenta, muy especialmente el checo. Trish escribió sendas notas en las reediciones de las bandas sonoras de "Las margaritas" y “Valerie y la semana de los milagros”. Una canción de su álbum “Ha, ha sound” titulada “Valerie”, se inspiraba en la segunda. El mismo álbum incluía otro tema, “Man is not a bird”, que comparte título con una bonita película del yugoslavo Dusan Makavejev, suponemos que no por azar.

Descanse en paz.





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el álbum "Tender Buttons" en spotify

Sangre sabia

Wise blood
John Huston, 1979
108 minutos

Adaptación cinematográfica de la novela más famosa de Flannery O’Connor, dirigida por John Huston. Aunque en esta ocasión firma como Jhon: para darle un toque infantil a los créditos de la cinta, se decidió que fuese un niño de verdad el que los crease y se conservó la errata para que no perdiesen autenticidad.

De una novela excelente no siempre surge una película excelente. Por ejemplo, me viene a la mente “El mago” de Guy Green: un reparto de lo más interesante -Michael Caine, Anthony Quinn, Candice Bergen y Anna Karina- pero una versión un tanto aguada de la misteriosa novela de John Fowles.

Me esperaba algo parecido de “Sangre sabia”, que en su día fue un fracaso de taquilla y suele aparecer entre la lista de obras “malditas” de Huston. Pero nunca hay que fiarse de las apariencias: es una película estupenda. Por algo el autor de “El tesoro de Sierra Madre” o “La reina de África” la incluía entre sus favoritas.

Huston recrea con precisión esa América profunda de la novela: toda una galería de fanáticos religiosos, estafadores y tarados, en la que hasta el más disparatado de los personajes acaba resultando simpático gracias al cariño que su autora ponía en todas sus criaturas. En eso me recuerda un poco a John Waters (gran admirador de O’Connor), que siempre retrata a sus monstruos con más ternura que desprecio.

Un personaje tan excéntrico y alucinado como el predicador Hazel Motes requería un actor excepcional, y Brad Dourif da la talla en todo momento. Increíble que Dourif no sea más conocido; trágico que su trabajo más famoso sea... poner voz a Chucky , el muñeco asesino.

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés con subtítulos en castellano)

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Josef Kilián

Postava k podpírání
Pavel Jurácek y Jan Schmidt, 1963
38 minutos

O “Estructura hecha para ser sostenida”. Un relato breve y kafkiano (el título es un guiño al Josef K de “El proceso”), sobre un personaje atrapado en una desesperante trama a causa de algo tan inofensivo y cotidiano como un gato... de alquiler.

Una crítica elegante pero feroz a la burocracia y al ambiente opresivo y asfixiante (¡esa ventana vallada!) de los regímenes comunistas; sorprende que Jurácek (guionista de "Las margaritas") y Schmidt obtuvieran permiso en su día para rodar “Josef Kilián”. Y también sorprende que hoy en día sea tan desconocida y que no esté publicada en DVD.

enlaces de descarga aquí (versión original en checo)

subtítulos en castellano

imdb

Cerca de Orouët

Du côté d'Orouët
Jacques Rozier, 1973
150 minutos

Once largos años transcurrieron entre "Adiós, filipinas", el primer largometraje de Jacques Rozier, y el segundo, “Cerca de Orouët”. Una larga espera, en la que Rozier se dedicó a trabajar para la televisión o a dirigir cortometrajes como “Paparazzi” o “Bardot et Godard”, ambos realizados durante el rodaje de “El desprecio” de Jean-Luc Godard.

Seguramente el fracaso comercial de “Adiós, filipinas” tuvo mucho que ver en este impasse. O puede que Rozier se viese obligado a esperar hasta que se diesen las condiciones adecuadas para rodar una película tan poco comercial como “Cerca de Orouët”. Curiosamente, no es una película difícil por oscura sino por todo lo contrario: es tan transparente, tan aparentemente sencilla, que termina resultando complicada.

Como en “Adiós, filipinas”, las protagonistas son chicas jóvenes, en este caso tres amigas que deciden pasar juntas unos días de septiembre en un pueblo de la costa francesa. Allí las acompañaremos mientras comen crepes, toman el sol, nadan, van en barco o montan a caballo, todo ello sin parar de reír ni un instante. No hay más argumento, los personajes no experimentan ningún tipo de evolución ni ocurre nada extraordinario que trastoque la quietud de las vacaciones. Todo se cuenta de forma tan diáfana que por momentos creemos estar viendo una home movie (técnicamente impecable) rodada por unos familiares durante el verano pasado. Las interpretaciones también rebosan naturalidad: las actrices no parecen estar actuando, y digo esto como el mejor de los cumplidos.

El mayor pero que se le puede poner a “Cerca de Orouët” es su duración: la combinación entre ese ritmo tan pausado y sus dos horas y media de metraje puede poner a prueba nuestra paciencia por momentos. Pero cuando se acerca el final y las chicas comienzan a hacer las maletas y a cerrar las ventanas de la casa, la sensación de fin del verano (aunque en realidad estemos en pleno invierno) y de despedida es tremendamente real. De pronto nos damos cuenta de que no vamos a volver a ver a nuestras risueñas amigas, y entonces todo cobra sentido.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés con subtítulos en inglés; el archivo es incompatible con los reproductores de sobremesa, o al menos con el mío)

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Madre Juana de los Ángeles

Matka Joanna od Aniolów
Jerzy Kawalerowicz, 1961
110 minutos

Otra joya del cine polaco de los sesenta. Parece ser que se basa en hechos reales que tuvieron lugar en el siglo XVII: un clérigo viaja hasta un apartado convento para exorcizar a las monjas que lo habitan. Tarea ardua e incluso peligrosa: el último sacerdote que intentó llevarla a cabo terminó en la hoguera, acusado de brujería por las mismas religiosas. Una de ellas, Madre Juana, es la que padece el cuadro más agudo de posesión: nada menos que ocho demonios se han adueñado de ella.

“Madre Juana de los Ángeles” podría parecer el extremo opuesto de “El exorcista” de William Friedkin. En muchos aspectos lo es, aunque lo cierto es que cuenta una historia muy parecida. Pero evidentemente el tono de esta cinta es mucho más contemplativo y serio, por no hablar de su impecable estética, con esas escenas en las que los hábitos blancos de las monjas resaltan poderosamente sobre los grisáceos escenarios para crear impresionantes contrastes. También son muy destacables las interpretaciones de la pareja protagonista, con esa nada disimulada tensión sexual que se crea entre ambos. Como dato curioso, Ken Russell se inspiraría en los mismos hechos para rodar años después “Los demonios”. “Madre Juana de los Ángeles” obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1961.

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subtítulos en español

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Confidencias

Gruppo di famiglia in un interno/Conversation Piece
Luchino Visconti, 1974
120 minutos

No soy un apasionado de Visconti. Vi no hace demasiado tiempo dos de sus películas más famosas, “La caída de los dioses” y “Rocco y sus hermanos” y me gustaron, pero no me dejaron mucha huella. Hasta el punto de que casi dudaría de que las he visto sino fuera porque tengo ambas en DVD. Me vienen recuerdos de algún lejanísimo pase televisivo de “Muerte en Venecia”; tendría que repescarla. La que me encanta es “Bellísima”: Anna Magnani removiendo cielo y tierra para convertir a su hija en niña prodigio. Maravillosa.

“Confidencias” fue la penúltima película de Visconti. Dos años antes, mientras rodaba “Ludwig”, sufrió un ataque al corazón que lo dejó postrado en una silla de ruedas hasta su muerte, pocos años después. Quizás por ello, “Confidencias” deja un regusto triste, a despedida.

Un apacible coleccionista de arte se ve prácticamente obligado a alquilar el lujoso piso de arriba de su mansión a una familia de indeseables, capitaneada por una histérica marquesa y su apuesto (pero no menos histérico) gigoló. Dos mundos se estrellan: uno culto y exquisito, en vías de extinción; el otro zafio y vulgar, arrasando con todo lo que se encuentra a su paso.

Los papeles del coleccionista y la marquesa estaban destinados a Laurence Olivier y Audrey Hepburn, pero finalmente se los agenciaron Burt Lancaster y Silvana Mangano. Afortunadamente, porque ambos están esplendorosos.

"Confidencias" es mucho más conocida que las películas que suelen aparecer en este blog. Pero, por alguna razón, no es nada fácil de encontrar en internet, en buena calidad, en su versión original (en inglés, no en italiano) y con subtítulos en español. Aquí está. Disfrutadla, que es una joya.

enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Todo a la venta

Wszystko na sprzedaz
Andrzej Wajda, 1969
105 minutos

En nuestro periplo por los cines del este, antes o después teníamos que encontrarnos con el polaco Andrzej Wajda.

Había que escoger una película de su extensa filmografía como punto de partida. Lo lógico sería empezar por “Cenizas y diamantes” o “El hombre de mármol”, sus películas más conocidas. O por “Katyn”, una de sus últimas y más premiadas obras.

Pero este blog se rige por el azar (o el capricho) antes que por la lógica.

Así que la elegida fue “Todo a la venta”. ¿Por qué? El argumento parecía interesante. El cine dentro del cine, como en “Atención a esa prostituta tan querida” de Fassbinder, o “La noche americana” de Truffaut (o “El desprecio” de Godard, sí; pero esta no me gusta). Un actor que se ausenta de un rodaje. Dos mujeres que lo buscan. La frontera entre la realidad y el cine, lo natural y lo artificioso, y -una vez que se descubre el destino del actor- el homenaje sincero o la explotación pura y dura.

Una de esas películas que abre puertas: en este caso, no solo a otras obras de Wajda (que a buen seguro pronto se volverá a pasar por sedmikrásky) sino también a otro artista que desconocía: Andrzej Wrobelwski, malogrado pintor polaco que perdió la vida con tan solo 30 años.

El paquete incluye subtítulos en varios idiomas, incluido el español. Pero estos últimos parecen redactados por un robot polaco. Si podéis, usad los ingleses.

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(vía Cinema of the World)

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Los mártires del amor

Mucedníci lásky
Jan Nemec, 1967
71 minutos

Gracias al hallazgo de blogs como Cinema of the World (¡impresionante!), sedmikrásky vive una segunda juventud. Hace meses me las veía y deseaba para encontrar algo que reseñar en este blog, y de ahí su periodicidad más bien raquítica. Pero ahora es todo lo contrario: se me acumulan las películas para comentar. Me gusta escribir sobre una película justo después de verla (antes de que se me olvide todo; no tengo memoria), pero solo en esta semana he disfrutado de tantas maravillas que no sé por dónde empezar. Es un sin parar de descubrimientos, un festín de auténticas “perlitas sumergidas en el fondo del mar”, parafraseando la película colectiva en la que cinco cineastas checos ponían imágenes a sendos relatos del escritor Bohumil Hrabal.

Entre estos directores estaba Jan Nemec, el autor de “Los mártires del amor”. Hace unas semanas intenté crear una entrada sobre “Diamantes de la noche”, su primer largo. Pero cuando me enfrento a películas tan perfectas y tan emocionantes, me quedo bloqueado y soy incapaz de escribir una palabra. Me pasa con todas mis películas favoritas. Buscadla, es fácil de encontrar. Es increíble.

La carga política de su segunda obra, “La fiesta y los invitados” -prohibida “de por vida” por las autoridades soviéticas- provocó la fuga de Nemec a Estados Unidos y la interrupción durante varias décadas de su carrera como cineasta. Pero antes del exilio consiguió terminar “Los mártires del amor”, la película más ligera y divertida de su trilogía pre-Primavera de Praga. Se compone de tres historias ensoñadoras, sin apenas diálogos, con guiños tanto al cine mudo y a las primeras películas surrealistas (“Entreacto” de René Clair, por ejemplo) como a los hallazgos de sus compatriotas contemporáneos: no os perdáis el cameo, fugaz pero absolutamente adorable, de mis queridísimas musas.


“Los mártires del amor” es una delicia en blanco y negro que sin embargo derrocha color en cada fotograma. Un precioso canto a la libertad y a la imaginación, de la mano de un director que seguramente nos habría dejado muchas más obras maestras de no haberse enfrentado a circunstancias tan adversas.

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(versión original en checo)

subtítulos en inglés

(vía Cinema of the World)

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7362

7362
Pat O'Neill, 1967
10 minutos

Sombras chinescas digitales.
Fantasías caleidoscópicas de 1967, aunque parezcan mucho más recientes.

La sala de estar con cama

The Bed Sitting Room
Richard Lester, 1969
90 minutos

Otra película imposible de conseguir durante mucho tiempo. Sigue siendo difícil encontrarla en internet en buena calidad y con subtítulos, pero se acaba de publicar en DVD en España. El director es Richard Lester, famoso por las películas de los Beatles y varias entregas de la saga Superman, pero que yo siempre recordaré por la loquísima “El knack y cómo conseguirlo”.

Estamos en la ciudad de Londres, o más bien lo poco que ha quedado de ella tras la tercera guerra mundial y la bomba atómica. Aunque los supervivientes jamás pronuncian las palabras “bomba” o “guerra”: como son tan ingleses, prefieren expresiones más elegantes como “desgraciado incidente” o “malentendido”.

Para sobrevivir, nada mejor que el humor más absurdo y pasado de rosca. Y eso que las consecuencias de la radiactividad no son nada divertidas. O sí: embarazos que duran años, señoras que se convierten en armarios, señores que se convierten en loros... Una fotografía realmente preciosa (¡esos apocalípticos cielos rojos!), el debut en cine de Marty Feldman (y uno de las primeros papeles de Dudley Moore) y la siempre estupenda Rita Tushingham (“El knack...”, “Un sabor a miel”). Muy recomendable aunque, lo dicho, de momento no hay enlace.

Actualización: ¡sí hay! (sin subtítulos en español)

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés)

subtítulos en inglés

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Deep End (Zona profunda)

Deep End
Jerzy Skolimowski, 1971
88 minutos

Por fin podemos tacharla de la lista de películas imposibles de conseguir. Parece ser que "Deep End" no se ha publicado nunca en DVD (algo ciertamente extraño), pero sí que se pasa regularmente por las televisiones de algunos países. Y gracias a un telespectador italiano podemos disfrutar de esta maravillosa película; no es la mejor copia posible (la calidad de la imagen es simplemente aceptable, la mosca de la RAI incordia un poco y además lleva subtítulos italianos incrustados), pero creo que esta es la mejor versión que circula por Internet a fecha de hoy.

Por alguna razón asocio esta película a "If" de Lindsay Anderson, quizás porque muchos años después de haber visto ambas en televisión, todavía recordaba sus escenas más impactantes. En el caso de "Deep End", el paseo nocturno del protagonista por las calles de Londres al son del "Mother sky" del grupo alemán Can (en la banda sonora también hay canciones de Cat Stevens), el accidentado viaje en metro o el maravilloso final de la piscina. Escenas clave del cine más pop de los sesenta, algo que también emparenta esta película con "Blow up". Aunque "Deep End" es muchísimo más accesible y diáfana que el clásico de Antonioni, y tampoco le busca los cinco pies al gato como hacía "La barrera", otra obra anterior de Skolimowski que reseñamos hace bien poco.

Eso sí, conserva toda esa magia y excentricidad tan propias de los cines del este, a pesar de estar rodada en Londres y con actores ingleses: la estupenda pareja formada por Jane Asher (ex-novia de Paul MacCartney; más pop no se puede ser) y el teenager John Moulder-Brown (poco antes había protagonizado... "La residencia" de Narciso Ibáñez-Serrador).

Sin más, os invito a disfrutar de esta auténtica joya del cine europeo de los 60-70, un clásico pop que no puede caer en el olvido.



película en descarga directa (versión original en inglés con subtítulos en italiano)

subtítulos en español

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Withnail y yo

Withnail and I
Bruce Robinson, 1987
107 minutos

No recuerdo cómo llegué hasta esta película, pero estoy encantado de haberlo hecho. En Inglaterra está considerada obra de culto (triunfa especialmente entre los estudiantes) y en España parece que también tiene sus fans, aunque sospecho que es bastante más desconocida.

Antes de ponerse detrás de la cámara, Robinson comenzó su carrera como actor. Terminó dejándolo, harto de penurias económicas y papeles de poca monta, aunque muy mal tampoco le fue: llegó a protagonizar "El diario íntimo de Adele H." de Truffaut (¡y “Los viajes escolares” de Jaime Chávarri!). Posteriormente comenzó a escribir guiones y triunfó con el de “Los gritos del silencio”. Y finalmente, en 1987 se animó a dirigir esta maravilla.

Robinson rebusca en sus recuerdos para llevarnos al Londres de finales de los 60 y presentarnos a Withnail y a Marwood, dos actores en paro que (sobre)viven en un insalubre cuchitril de Candem. Withnail es un tipo engolado y de verbo florido, muy seguro de su talento, bastante intratable pero indudablemente simpático. Marwood (alter ego del propio Robinson) es su contrapunto: mucho más inseguro, nervioso y guapo.

Monty, adinerado tío de Withnail, les prestará su casa en la campiña de Cumbria para que les dé un poco el aire; pero la casa está muy lejos de ser una mansión, y las relaciones de los recién llegados con sus nuevos vecinos tampoco van a ser muy satisfactorias. Las cosas empeorarán cuando el propio Monty haga acto de presencia para dedicarse a tirarle los tejos a Marwood. Por lo visto, Franco Zefirelli sometió a un acoso parecido a Robinson durante el rodaje de “Romeo y Julieta” y de ahí sacó la inspiración (y frases tan gloriosas como "¿Eres una piedra o una esponja?").

Todo está contado con un sentido del humor delirante e histérico pero sin perder jamás la elegancia. El guión es maravilloso y está lleno de momentos desternillantes, tanto como el estreno real de la película: la primera proyección fue acogida con un silencio de lo más gélido y descorazonador. Afortunadamente, el público se componía exclusivamente de turistas alemanes que se alojaban en un hotel cercano al cine y que no entendieron nada de los diálogos. “Withnail y yo” terminaría siendo considerada una de las mejores comedias británicas de todos los tiempos; méritos no le faltan.

Cambios importantes en este blog: la mula se jubila.
Me resistía a incluir enlaces de descarga directa porque suelen caducar demasiado rápido, pero también es cierto que ya no tiene ningún sentido esperar días (o semanas, en el caso de las películas con menos fuentes) para descargar algo que hoy por hoy puede obtenerse en pocas horas por medio de rapidshares y similares (el descubrimiento del maravilloso Jdownloader también ha pesado en esta decisión). Para rematar, he encontrado varios blogs y foros de descarga directa rebosantes de joyas imposibles de localizar en emule. Así que, por fin, este blog se moderniza. Espero que el cambio sea para bien, ya me contaréis.

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subtítulos en español

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La madriguera

Carlos Saura, 1969
77 minutos

Teresa y Pedro son un matrimonio de clase alta que vive en un ultramoderno chalet de las afueras. Aparentemente llevan una vida envidiable, pero su relación está tocando fondo y a duras penas se soportan. La única salida es interpretar papeles constantemente; volver a la infancia de Teresa, al comienzo de su noviazgo o incluso escenificar su futura separación; todo vale para combatir el aburrimiento. Pero sus teatrillos van subiendo de tono hasta que el ambiente del domicilio conyugal se vuelve del todo irrespirable.

"La madriguera" es de las películas menos recordadas de Carlos Saura, y no es casualidad. Es bastante fallida, tiene momentos realmente insoportables y ridículos, y entiendo perfectamente que Iván Zulueta la parodiase ("La marrullera") en un episodio de "Último grito".

La lástima es que podría haber sido una película estupenda. El guión, escrito entre Saura, Rafael Azcona y Geraldine Chaplin, es ambicioso pero está muy conseguido, y además es valiente: increíble que algunas de sus escenas pasasen la censura de la época. ¿Qué falla? Los actores. Al protagonista, el sueco Per Oscarsson, le han puesto el típico doblaje acartonado que te saca de la película a cada frase. Y luego está el expediente Geraldine Chaplin.

Cuando yo era pequeño, por la tele pasaban películas de Saura con cierta frecuencia. Ver a Geraldine, con ese físico, esa voz y ese acento tan distintos a los de las actrices al uso, era algo muy impactante para un niño; casi como ver a un extraterrestre. Creo que toda mi generación le tenía pavor a Geraldine, aunque muchos terminamos descubriendo lo maravillosa que es.

En este caso, Geraldine no está especialmente acertada; puede que la culpa sea también del doblaje (aunque afortunadamente, se dobla a ella misma) o simplemente no estaba a la altura de un papel tan complicado. En pocos años, Geraldine mejoraría horrores: en "Cría cuervos" (o, en un registro totalmente distinto, en "Nashville" de Robert Altman) está impecable.

Creo que "La madriguera" tiene más interés por lo que podría haber sido que por lo que es. Quizás si se hubiese rodado con otros actores y en otro país ahora estaríamos hablando de un clásico. También es interesante para imaginar cómo recibiría la España de los 60 una película tan excéntrica y poco convencional.

Elink

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Gran reseña de la revista Quo... plagiada de este blog

Bueno, gran, gran... Al menos interesante. Podéis hacer clic en la foto para leerla. El artículo está aquí (es la imagen 11). Se publicó en la web de la revista Quo hace dos meses.

Firmada por un tal Vicente Fernández. Firmada pero no escrita. Porque el autor soy yo:

la reseña original, publicada en este blog hace un par de años.

Hay que reconocerle una cosa a Vicente Fernández: podía haber usado también la misma captura de imagen que yo, y no. En un alarde de creatividad y de profesionalidad, ha escogido otra, muy parecida pero otra. E incluso ha cambiado un poquitín el texto. Vicente Fernández se lo curra. Y como se lo curra, se saca unos euros sin dar golpe, a costa de gente que hace las cosas por amor al arte. ¡Muy bonito, Vicente Fernández de Quo!

Vamos a suponer que el resto de reseñas del artículo sí que están escritas por Vicente. Vamos a suponer que el resto de artículos de la revista son propios y no están fusilados de otras webs por un becario que tenía prisa por irse de la ofi el viernes por la tarde.

Para colmo, no es la primera vez que me pasa algo así. Y no me tiréis de la lengua sobre unos subtítulos de una colección de DVDs de Fassbinder porque la podemos tener muy gorda.

Actualización un día después: el director de la revista me ha escrito disculpándose, y ahora en la web se cita este blog como fuente del artículo.

Este tipo de plagios se da con muchísima frecuencia. Hay gente que se piensa que lo que está en internet no tiene dueño y es de todos, pero no es así. Ni siquiera es necesario especificar un copyright para que cualquier obra que publiques en internet te pertenezca legalmente. Así que creo que es importante protestar en estos casos.

Actualización dos días después: finalmente han borrado la entrada de "Cielo líquido". Conservo la captura de pantalla para dejar constancia de que todo lo que cuento aquí es cierto.

La barrera

Bariera
Jerzy Skolimowski, 1966
77 minutos

Misteriosa película de Jerzy Skolimowski, uno de los nombres más importantes de la nueva ola polaca junto con Roman Polanski. Ambos colaboraron en el guión de "El cuchillo en el agua", el primer largo del segundo.

En el libreto del DVD se compara a esta película con "Las margaritas" de Vera Chytilová o "El Knack y cómo conseguirlo" de Richard Lester. Y algo hay en "La barrera" del espíritu iconoclasta y alocado de dichos filmes, tan representativos de la vertiente más surrealista de los nuevos cines de los sesenta.

Sin embargo, creo que "La barrera" se queda un peldaño por detrás de ese par de obras maestras, quizás porque me resulta demasiado críptica por momentos. Es como admirar una obra de arte visualmente muy atractiva pero a la vez incomprensible. Quizás me hacen falta más referencias para entenderla del todo, puede que el lenguaje que maneja sea menos universal que el de sus ya mencionadas coetáneas. En todo caso, mantiene en todo momento el interés gracias a sus sorprendentes giros y a sus hallazgos visuales y sonoros, como la intrigante banda sonora de Krzysztof Komeda, también habitual del Polanski de aquellos días.

Skolimowski sigue en mi lista de directores a los que tengo que investigar más. Hace años vi la interesante "El grito" (de su época estadounidense), y tengo el recuerdo de haber alucinado de pequeño con un pase televisivo de "Zona profunda", otra de sus obras más famosas.

Por una vez, no incluyo elink porque creo que esta película no está disponible en Emule (al menos con subtítulos en castellano o inglés). Pero sí se ha publicado en DVD en España, en una muy bonita edición de Notrofilms/Versus Entertainment.



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Alice o la última fuga

Alice ou la dernière fugue
Claude Chabrol, 1977
93 minutos

Un pequeño homenaje al recientemente desaparecido Claude Chabrol por medio de una de sus películas menos conocidas y más alejadas de su estilo habitual, pero no por ello menos brillante. Aquí no hay crímenes pasionales ni crueles retratos de la clase alta francesa. Es más bien una antiaventura experimental que parece tener a Lewis Carroll como punto de partida, y que persigue un objetivo cercano al del cine y las novelas de Alain Robbe-Grillet.

Una avería obliga a Alice a interrumpir su viaje y hacer noche en una misteriosa mansión campestre, habitada por unos misteriosos personajes a los que no se puede hacer preguntas. Poco a poco, Alice irá descubriendo que la casa es más bien una cárcel en la que el tiempo se ha detenido. ¿O quizás es que se ha adentrado en una dimensión paralela? ¿O puede que...?

Para reforzar aún más la singularidad de la cinta, su protagonista es Sylvia Kristel: una estrella del cine erótico en pleno auge gracias a la saga “Emmanuelle”. “Alice” no llega a revelar del todo si Kristel era buena actriz o no porque su personaje no requería un gran despliegue interpretativo (la película se apoya más en los ambientes que en los diálogos), pero deja claro que vestida también podía enamorar a la cámara.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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El rojo en los labios

Les lèvres rouges
(estrenada en España como "Criaturas de la noche")
Harry Kümel, 1971
100 minutos

Qué bien pintaba sobre el papel: ¡Delphine Seyrig dando vida a Elizabeth Báthory! Sí, la legendaria condesa húngara que se bañaba en sangre de virginales jóvenes para conservar su belleza, interpretada por la estrella más glamurosa y seductora que produjo la nouvelle vague, con el permiso de Stéphane Audran.

Para colmo, las reseñas eran de lo más entusiastas, insistiendo siempre en la elegante factura de la película: ¡nada que ver con las vulgares vampiresas serie Z de Jess Franco! Que si estaba mucho más cercana al arte y ensayo que al terror propiamente dicho, que si la escenografía estaba tan cuidada que casi se daba un aire a “El año pasado en Marienbad”...

Pero las reseñas no hablaban (bueno, sí lo hacían pero yo me empeñaba en hacer caso omiso) de un reparto calamitoso: la acartonada pareja protagonista se hace odiar desde el minuto uno, hasta el punto que todas sus desgracias terminan pareciéndonos pocas. Tampoco ayuda un guión a rebosar de momentos incoherentes y absurdos, con algunas de las muertes más estúpidas de la historia del celuloide.

Lo que es innegable es que Delphine Seyrig está impresionante. Levanta ella sola la película, hasta el punto que cada vez que está fuera de plano, todo se viene abajo de forma estrepitosa. Pero cuando la cámara la enfoca, realmente está tan radiante y seductora como imaginamos a su personaje. Especialmente memorables son sus escenas con Andrea Rau, una belleza procedente del porno con un estilo de actuación más bien... robótico, pero que casa a la perfección con su papel y su físico.

Curiosidades, cortesía de la imdb: Harry Kumel quería darle el papel protagonista a Malcolm McDowell, después de haberlo visto brillar en “If”. Malcolm le tiró, literalmente, el guión a la cara por encontrarlo excesivamente zafio. No le faltaba razón, aunque el actor británico protagonizaría años más tarde “Calígula” de Tinto Brass, que no suele figurar entre las películas más elegantes de la historia.

Delphine Seyrig también se mostraba reticente a participar; fue el director Alain Resnais, gran amante de las novelas gráficas, quien la animó a aceptar el papel. Y creo haber leído que años más tarde los dos coincidían en calificar a “El rojo en los labios” como la mejor interpretación de Delphine. Podría ser. Su magnética actuación casi hace olvidar el desastre casi absoluto que la rodea.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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