Absolutamente fabulosas Absolutely fabulous Jennifer Saunders y Dawn French, 1992-2005
Como prometí, sigo traduciendo al español los subtítulos de mi serie de humor favorita. Empecé por la segunda temporada, y ahora os dejo la primera. Que la disfrutéis.
A las nueve cada noche Our mother's house Jack Clayton, 1967
Maravillosa película que recordaba haber visto de pequeño en la tele, cuando en la tele ponían películas a horas decentes, y no solo de Jackie Chan. Sí, fue hace bastante.
Es una producción inglesa dirigida por Jack Clayton (del que quiero ver "Los inocentes", una de sus películas más famosas) y protagonizada por seis niños que se quedan huérfanos de madre repentinamente. Para no terminar en un orfelinato, deciden no contarle a nadie que su madre ha fallecido y aparentar que todo sigue como antes. El título (español) de la cinta se debe a que, tras la muerte de la madre, los hermanos se reunen todas las noches a esa hora para contactar con la madre por medio de sesiones de espiritismo.
Las cosas van de mal en peor hasta que aparece su padre, que les había abandonado de pequeños. El personaje está interpretado por Dirk Bogarde, guapísimo actor de presencia magnética y gusto por los papeles un tanto turbios, como éste. También aparece Yootha Joyce, la inolvidable Mildred de la serie de la BBC "Los Roper".
Por alguna razón desconocida, "A las nueve cada noche" no está editada en DVD en ningún país (creo). Hasta hace poco, la única copia que circulaba por internet procedía de una copia de VHS; para colmo de males, estaba doblada al castellano con no demasiada fortuna: los niños estában doblados por abuelitas y sus voces crispaban de lo lindo. Afortunadamente, ha aparecido una copia mucho más digna y en versión original.
En el umbral de la vida Nära livet Ingmar Bergman, 1958
Descubrí esta película gracias a John Waters, que la cita entre sus favoritas en el capítulo "Placeres ocultos" de su libro "Majareta" (Crackpot). En él, Waters glosa sus películas favoritas de "arte y ensayo" (obras de Fassbinder, Pasolini, Bresson o cosas tan ignotas e interesantes como la "Mademoiselle" de Tony Richardson con guión de Marguerite Duras y Jean Genet); además, propone evitar el tono engolado, impenetrable y un tanto repelente que muchos críticos suelen utilizar para escribir sobre este tipo de cine; algo que yo sigo a pies juntillas, porque creo que ese estilo crítico solo sirve para hacer que estas películas parezcan mucho más inaccesibles de lo que en realidad son; y de todas formas, tampoco sé escribir de otra manera.
En fin, "En el umbral de la vida" no está entra las películas más recordadas de Bergman; quizás porque se rodó justo después de "El séptimo sello" y "Fresas salvajes", y es bastante más sencilla y minimalista que éstas, pero no por ello menos magistral. Vamos, que está bastante lejos de ser "un Bergman menor".
Toda la acción se desarrolla en un hospital, en el que varias mujeres están a punto de dar a luz. En la película se tratan de forma muy natural temas un tanto arriesgados para la época (¡1958!), como los embarazos no deseados, los abortos, las madres solteras... Suecia siempre ha sido un país muy avanzado para estas cosas, pero te entran escalofríos al comparar "En el umbral de la vida" con las películas españolas de esa misma época, en las que no se podía ni enseñar un tobillo.
En el reparto, dos actrices habituales de Bergman: Bibi Andersson (jovencísima) y la siempre enigmática Ingrid Thulin; ambas estupendas, como no podía ser de otra forma.
La copia de emule deja un poco que desear: un ripeado de un viejo vhs, con subtítulos en inglés y algo de ruido de fondo. Pero la película en sí (con esa sobriedad tan teatral y esas actrices tan maravillosas) merece muchísimo la pena; y además creo que no está publicada en DVD. Así que a por ella, bergmanófilos de pro.
Elink (versión original en sueco con subtítulos en inglés)
La música más triste del mundo The saddest music in the world Guy Maddin, 2003
Curiosa película del realizador canadiense Guy Maddin. Creo que no ha llegado a estrenarse en España, a pesar de que podría funcionar bastante bien en determinados círculos.
“La música mas triste del mundo” nos sitúa en la ciudad de Winnipeg durante la depresión de los años treinta. A una compañía cervecera no se le ocurre cosa mejor que convocar un concurso musical internacional para encontrar, sí, la música más triste del planeta.
Lo más destacable de la película es su fotografía en un granuloso blanco y negro, y su ambientación exquisita para hacernos creer que estamos viendo una cinta de los años 30, pero rodada en el interior de un pisapapeles en el que nieva sin parar. Todo está logradísimo y otorga a la cinta un encanto muy especial.
Tampoco se descuidan otros aspectos fundamentales como el guión o la interpretación. Especialmente destacables son las actuaciones del cuarteto protagonista. Isabella Rossellini está estupenda; sin conocer muy bien su carrera (“Terciopelo azul” aparte), seguro que pocas ocasiones le han brindado para lucirse de esta manera. Maria de Medeiros está, como siempre, encantadora. Y los protagonistas masculinos (Marc McKinney y David Fox) no se quedan atrás y también están fenomenales, recreando personajes caricaturescos que parecen sacados de un folletín o de un serial de cine mudo.
El resultado final es muy agradable. Quizás más cerca de lo efectista que de un cine realmente innovador y original, pero se deja ver y es bastante bonita.
El musical de los musicales. Aunque en realidad el grueso de la película lo ocupan los preparativos del musical; solo en la última media hora llegamos a ver el (maravilloso) resultado.
La película en sí está bien sin más: una comedia clásica/romántica/simpática con todo el encanto y la ingenuidad del cine de los años 30, ansioso por hacer olvidar al público el desastre reciente de Wall Street. Pero esos treinta minutos finales rozan lo sublime: coreografía geométrica del genial Busby Berkeley, y un dibujo animado con forma de chica (Ruby Keeler) que canta y baila el tema central de la película... Arte.
El sueño de una noche de verano Sen noci svatojanske Jirí Trnka, 1959
Una preciosidad total cortesía de Jirí Trnka, el mago de la animación con marionetas que tan buenos recuerdos nos trae a los de mi generación: en los 80 era muy normal que Televisión Española rellenase huecos de las tardes con obras de éste y otros animadores checos, y muchos niños de la época nos quedábamos hipnotizados ante el encanto y el misterio de sus obras, maravillosas de principio a "koniec" (fin).
La obra de William Shakespeare (un enredo amoroso múltiple en un bosque nocturno, con hadas y elfos haciendo de las suyas) ya es una delicia de por sí; pero si va acompañada de este despliegue de colorido, se convierte en algo sencillamente magistral. Impresiona el trabajo que tiene que haber detrás de tantas marionetas y escenarios, en aquellos tiempos tan pre-ordenador y pre-prácticamente todo.
Como a un niño de hoy en día es probable que le diese un infarto cerebral si le obligan a ver esto, vamos a disfrutarlo los adultos.
Elink (versión original en checo y subtítulos incrustados en castellano)
Nosotros no envejeceremos juntos Nous ne vieillirons pas ensemble Maurice Pialat, 1972
Tanto por su título (¡tremendo!) como por algunas reseñas, tenía las expectativas muy altas con respecto a esta película de Maurice Pialat. Y solo puedo decir que me ha maravillado, es de las que no se olvidan. En otras palabras, el reverso exacto de "La ciencia del sueño". Aquí no hace falta aplicar el cedazo porque todo es impecable: actores, argumento, diálogos, fotografía...
Imposible transmitir su genialidad con una simple descripción del argumento, pero allá vamos: se trata de la relación entre un hombre casado (Jean Yanne,un tipo desaliñado, malencarado y vulgar pero muy atractivo; ya me había encantado en "El carnicero" de Chabrol) y una mujer (Marlène Jobert, guapísima; sale en "Masculin, femenin" de Godard y tiene una elegancia que me recuerda a la de Stéphane Audran, musa de -de nuevo- Chabrol).
Llevan seis años juntos, se quieren pero no se aguantan y están todo el rato separándose y reconciliándose. Hasta que el amor se acaba por una de las dos partes y toca hacer borrón y cuenta nueva.
No está en emule (sí está, pero sin subtítulos), pero Intermedio la acaba de publicar en DVD en España. Intermedio no me paga comisión pero tras ver su plan de lanzamientos para el 2007 (Godard, Tsai Ming-Liang, ¡Marguerite Duras!) es muy probable que en este blog se vuelva a hablar de esta compañía.
Yo la he visto hoy en la filmoteca de Madrid, que está haciendo un ciclo de Pialat (junto a otros de Kim Ki Duk, Robert Altman y Daniel Schmid). Vuelven a pasarla el viernes que viene, por si a alguien le interesa.
La ciencia del sueño La science des rêves Michel Gondry, 2006
A favor:
-La imaginación. No se puede negar que “La ciencia del sueño” rebosa ingenio. Está plagada de detallitos, de giros ingeniosos en el guión y de cachivaches y gadgets que consiguen arrancarte una sonrisa (algo que no logran los diálogos, ver más abajo). -La frontera sueño/realidad. Un tema muy interesante y que está muy bien planteado en la película, que juega constantemente a confundirnos y a no tener del todo claro si lo que estamos viendo es una fantasía del protagonista o una escena de su vida real. Hay una ensoñación especialmente bonita, en la que Charlotte Gainsbourg le da consejos a Gael García Bernal sobre cómo conquistarla en la vida real. -Las animaciones. Muy, muy bonitas. Juegan un papel secundario (algo que me parece bien: más sería excesivo) pero son de lo mejor de la película. Tienen un toque casero y retro; en una escena, llegan a hablar de “usar papel plateado para imitar el agua, como en las animaciones rusas”. Por ahí van los tiros. También hay algo de estética del videoarte y el videoclip (mundo del que procede Gondry) y que en condiciones normales a mí me echaría un poco para atrás, pero en este caso está muy, muy bien.
En contra:
-Los actores. No me gusta nada Gael García Bernal. Tampoco es que me parezca mal actor (¿qué es un mal actor?), simplemente me provoca la indiferencia más absoluta, hasta el punto de que -fijaos lo que os digo- llegué a echar en falta a Jim Carrey en algún momento. Charlotte Gainsbourg me hace más gracia, sobre todo por la genética heredada de sus padres: el mismo pelo y exactamente la misma forma de la cara que Jane Birkin, la misma fealdad que Serge Gainsbourg. Aunque creo que aquí está un poco discretita, probablemente por... -Los idiomas. No es muy buena idea que todo el reparto se pase gran parte de la película hablando un idioma que no es el suyo. A García Bernal le veo encorsetadísimo hablando en inglés. La Gainsbourg lo lleva mejor (por algo su madre es inglesa) pero seguro que en francés estaría más cómoda y lo haría mejor. Quizás esta película se disfrute más viéndola doblada (no sé si en España la han estrenado así). -Los diálogos. Que sí, la historia es muy bonita, muy imaginativa y tal. Pero de poco sirve si luego la rellenas de diálogos estúpidos y de un sentido del humor que a mí me resulta insoportable. Acabas con la sensación de ver algo interesante pero recubierto de basura que tienes que ir apartando todo el rato, qué fatiga. -El compañero de trabajo del protagonista. He llegado a un punto en el que no quiero aguantar a alguien así, ni en mi vida ni en el cine. A mí alguien así me arruina una película por muy monas que sean luego las animaciones.
Balance final: Creo que mejor que “Olvídate de mí”; recalco lo de “creo” porque me tomé al pie de la letra el título y no recuerdo casi nada de ella. Deja a la altura del betún a muchas películas contemporáneas (¿no sería fantástico que “La ciencia del sueño” fuese el estándar del cine comercial de hoy en día?), pero contiene demasiadas cosas que no me gustan como para recordarla como algo verdaderamente grande. Es probable que esta película entusiasme a los que van diciendo por ahí esa pesadez de que “el cine ha muerto y lo que mola es ver series de la Fox”. Puede incluso que sorprenda a los más escépticos con el cine actual, porque insisto en que Gondry es bastante talentoso y está muy por encima de la media actual. Pero también creo que le sobra un puntito de vulgaridad, al menos en “La ciencia del sueño”.
El nacimiento del amor La naissance de l'amour Philippe Garrel, 2003
Philippe Garrel no es un cineasta “para todo el mundo”. Sus películas son lentas, silenciosas, a ratos muy exasperantes, otras veces terriblemente bonitas. Garrel pertenece a la generación “post-nouvelle vague”, llevando los postulados de sus mentores un paso (o varios) más allá. Puede presumir de tener una de las carreras cinematográficas más insobornablemente consecuentes y alejadas del cine estándar. En los 70 alcanzó cierta fama underground gracias a sus películas protagonizadas por Nico, pareja del director durante buena parte de dicha década y musa de Sedmikrasky (aunque no precisamente por sus dotes como actriz, porque era más bien terrible).
Tras películas tan crípticas e impenetrables como “El lecho de la virgen” o “La cicatriz interior” (siempre bordeando la peligrosa frontera entre lo ridículo y lo sublime), Garrel fue evolucionando hacia un cine más convencional, pero tampoco es que se convirtiese en Luc Besson precisamente. Creo que “El nacimiento del amor” es la más asequible de todas las obras que he visto de Garrel. El ritmo pausado, los silencios y la (preciosa) fotografía en blanco y negro siguen ahí, pero van acompañados de un argumento comprensible. Los personajes parecen personas de carne y hueso, y no fantasmas que vagan por la pantalla sin rumbo fijo.
Apartado de curiosidades: el protagonista de “El nacimiento del amor” es un demacrado Lou Castel, que tres décadas atrás estaba imponente interpretando a un director de cine al borde de un ataque de nervios en “Atención a esa prostituta tan querida” de Fassbinder; repasando su bio/filmografía en la imdb (cosa que me encanta hacer después de ver una película), descubro cosas tan asombrosas como que Castel nació en Bogotá o que interviene en... ¡“Cambio de sexo” de Vicente Aranda!
Algo que me ha llamado la atención es cómo puede verse alterada nuestra percepción de una película en función del estado de ánimo en el que la veamos. Había intentado ver “El nacimiento del amor” hace muchos meses, y la dejé a la mitad bastante aburrido. Hoy por la tarde me pareció buen momento para retomarla, y me encantó. Esto me ha pasado con muchas películas, y ya me hace dudar de si realmente las impresiones (positivas o negativas) que guardo de ellas tienen más que ver con las películas en sí o con mi disposición, humor, etc, en el momento de verlas. Quién sabe.
Lo nuevo del director coreano responsable de "Hierro 3", "La isla" o "Primavera, verano...". Esta vez todo gira en torno a la cirugía estética y a la necesidad que tenemos de complacer a los demás llevada a un extremo ("Perdón por tener la misma cara de siempre", le dice la protagonista a su novio). No es una película tan redonda como las tres citadas, pero desde luego es mucho mejor que las últimas cosas del Kimki ("El arco" o "Samaritan girl").
Deliciosa comedia de George Cukor, basada en una obra de teatro de Clare Boothe Luce. Está íntegramente interpretada por mujeres: hasta los animales y mascotas que aparecen en la película son del género femenino.
Una mujer de clase alta vive una vida aparentemente perfecta, hasta que descubre que su marido la está engañando con una dependienta de cosméticos. La noticia le llega de boca de sus “amigas”, unas cotorras malísimas que disfrutan una barbaridad con las desgracias ajenas. Destrozada, la mujer decide irse a Reno, Nevada, a formalizar los papeles del divorcio, y allí conocerá a otras mujeres en su misma situación.
La protagonista es Norma Shearer, pero las que verdaderamente brillan son Rosalind Russell (interpretando a Sylvia, la amiga enredante y venenosa) y la inigualable Joan Crawford, en un papel secundario pero central en la trama y perfecto para ella: el de la amante descocada e insolente.
La Crawford había tenido varios fracasos en taquilla y aceptó el papel a pesar de no ser la protagonista. Tuvo sus más y sus menos con la Shearer: en la imdb cuentan que en la escena principal que comparten ambas, Cukor la expulsó del plató porque se dedicaba a “hacer mucho ruido con sus agujas de tejer” mientras se filmaban los primeros planos de la Shearer. Tremenda.
Curiosidad: en 1977 Fassbinder filmó una versión de la obra de teatro en la que se basa esta película. Por desgracia, es una película para televisión que probablemente nunca se edite en DVD. Lástima, porque me encantaría ver a sus actrices habituales (Margit Carstensen, Irm Hermann) encarnando a estos personajes.
Horreur: se está preparando un remake de Las mujeres; peor aún, en el reparto se baraja el nombre de... Meg Ryan.
Había colgado una secuencia de la película, pero Warner Bros se ha quejado a Youtube y la han borrado. En fin, espero que esto no se convierta en la tónica general de aquí en adelante. Y espero que a alguno de vosotros le haya dado tiempo a ver la secuencia.
Un estupendo artículo publicado en Radar (suplemento cultural del periódico argentino Página 12) en el que nuestro manchego más internacional (bla, bla, bla) nos habla de sus películas favoritas y de cómo éstas han influido en su filmografía.
Esta entrada no es para celebrar la nominación de Pe (que en mi opinión, está horripilante en “Volver”, un refrito muy pobre de momentos pasados de la carrera de Pedro). Lo que me ha llamado la atención es que en la lista hay muchas películas que me encantan y que no me imaginaba encontrar en el altar cinéfilo de Almodóvar: ¿Quién eres tú, Polly Maggoo?, El fotógrafo del pánico, Celine y Julie van en barco, Las mujeres de George Cukor... También habla de otras cintas no menos estupendas pero más previsibles: Pink Flamingos, Johnny Guitar, Noche de estreno, Eva al desnudo...
Y en fin, que aunque para mi gusto Almodóvar no ha hecho nada interesante desde “Átame”, gracias a joyas como Mujeres al borde de un ataque de nervios, La ley del deseo, ¿Qué hecho yo...? y Pepi, Luci, Bom... se tiene ganado el puesto vitalicio de director español favorito de este humilde escriba.
El sabor de la sandía Tian bian yi duo yun Tsai Ming-Liang, 2005
Tras un parón trufado de inconveniencias varias (un disco duro externo que se estropea, mucho trabajo, una compañía telefónica cuyos responsables DEBEN morir...) intentamos volver a la carga. Aunque esta película ya la había visto hace tiempo, un visionado reciente me ha recordado lo genial que es este director. He visto (creo) casi todos sus largos y absolutamente todos me encantan. Quizás éste no sea mi favorito; puede que el impacto inicial y el factor sorpresa de descubrir a Tsai Ming-Liang con “El río”, “El agujero” y “¿Qué hora es allí ahora?” se redujese a medida que fui viendo más películas suyas. Da igual: sigue siendo mi director contemporáneo favorito (con el permiso de Tarantino y de Harmony Korine).
Y es que no hay nada como esas escenas silenciosas (en sus películas apenas hay diálogos) pero que transmiten muchísimas más cosas que tantas cintas llenas de palabrería que no lleva a ningún lado. Tampoco se me ocurre ningún otro cineasta tan absolutamente moderno (moderno en el sentido de innovar, no de “seguir los patrones de la moda”) y a la vez tan alejado de la vacuidad y de las excentricidades gratuitas del “cine de autor” de hoy en día. Es un genio, y yo esta palabra la uso poquísimo.
También me encanta que sus historias (por muy retorcidas que resulten) sean totalmente comprensibles para un occidental, y que sirvan para demostrar que por muy alejada que nos resulte una cultura, en el fondo todos los seres humanos nos parecemos un montón y nos alegramos y sufrimos por las mismas cosas.
Para colmo, es un director muy prolífico. A ver qué tal su nueva película; el título en inglés es algo así como “No quiero dormir solo”. Claro que la peli que nos ocupa se llamaba originalmente “La nube caprichosa” y ya veis cómo nos ha llegado. Bueno, al menos ha llegado.
“El sabor de la sandía” no es mi película favorita de Tsai Ming-Liang, pero no deja de ser fantástica. En manos de cualquier otra persona, la (alucinante) escena final sería algo infumable o ridiculísimo, pero él lo borda. Y además, ¡qué cartel tan bonito! (el original, porque el de la versión occidental es mucho más normalito).
Dos de las películas de Tsai Ming-Liang (“El agujero” y ésta) cuentan con la particularidad de incluir números musicales bastante surrealistas que apenas guardan relación con la trama de la película. Éste es bastante impactante, aunque la canción sea un dolor.
Perdón a los que me sigáis desde hace tiempo por ser tan pesado con esta película dirigida por la checoslovaca Vera Chytilová en 1966. Pero es que Little Turtle me informa, con mucho tino, de que la Filmoteca de Madrid comienza en diciembre (o sea, ya) un ciclo titulado “Nuevos cines del este”, en el que, entre maravillas varias como “El baile de los bomberos”, “Los amores de una rubia” (ambas de un pre-Hollywood Milos Forman), “Iluminación íntima” (Ivan Passer) o Perlitas en el fondo (película colectiva en la que participa, entre otros, la propia Chytilová), se proyectará esta obra maestra de la ola nueva checa que tantísimo me gusta. Para ser más exactos, los dos pases son el día 2 (este sábado) y el martes 5.
En el festival de cine de Gijón se proyecta una pequeña selección de este ciclo, en la que por desgracia no se encuentra “Las margaritas” (cuyo título original, sí, da título a este blog). Para rematar la jugada, otro de los ciclos del festival incluye “Tarnation” de Jonathan Caouette, "película" (por decir algo) que este humilde escriba detesta muy mucho.
Tremenda astracanada de William Klein, conocido sobre todo por su obra fotográfica, pero también autor de películas tan imprescindibles como "¿Quién eres tú, Polly Maggoo?", que os recomiendo encarecidamente.
“Mr. Freedom” pretende ser un ataque salvaje a los Estados Unidos más conservadores, por medio de un personaje a medio camino entre un superhéroe de Marvel, un telepredicador y un político ultraderechista. Mr Freedom viaja por todo el mundo enfrentándose a los comunistas, encarnados también en superhéroes bastante grotescos como el soviético “Moujik Man”.
A pesar de ser netamente norteamericano, Mr Freedom se pasa gran parte de la película en París, en una misión para que la libertaria Europa no se desmande demasiado (las revueltas de mayo del 68 estaban muy recientes). Allí recibirá la ayuda de su asistente Marie-Madeleine: una irreconocible Delphine Seyrig, mostrando una faceta sexy imposible de adivinar en películas como “El año pasado en Marienbad”.
Lo mejor de la película es, sin duda, la fotografía, en la que los colores de las banderas estadounidense y francesa campan a sus anchas. Klein es todo un maestro en el manejo de colores; por algo Louis Malle le eligió como asesor artístico para “Zazie en el metro”, cinta que también destaca por su brillantez escénica (y por muchas cosas más, es maravillosa).
Valoración: A lo mejor es que no tenía yo el día, o que la cosa pintaba demasiado bien. Desde luego merece la pena ver “Mr. Freedom”, es entretenida, bonita, curiosa... Aunque yo la he encontrado un poco tontita, y la mayor parte del tiempo parece una parodia de una cinta de agentes secretos más que otra cosa.
Eso sí, seguramente es mil veces mejor que el 99% de lo que estén poniendo ahora mismo en el cine, así que este blog la recomienda. También os recomiendo la ya citada “¿Quién eres tú, Polly Maggoo?”: ésta sí que es absolutamente genial.
Un trocito de la película, con el comienzo del “mitin” de Mr. Freedom en París. ¡Atención al pianista!
Absolutamente fabulosas Absolutely fabulous Jennifer Saunders y Dawn French, 1992-2005
Aunque en este blog se habla mayormente de cine, permitidme que escriba unas líneas sobre mi serie de televisión favorita de todos los tiempos.
“Absolutely fabulous” debutó en 1992 en la BBC, cadena británica famosa por la calidad de sus productos, especialmente sus series de humor; la lista de ejemplos es interminable: desde incunables como “Un hombre en casa” o “Caída y auge de Reginald Perrin” hasta éxitos más recientes como la sensacional “The Office” o la que nos ocupa.
“Absolutely fabulous” gira en torno a dos amigas, Edina Monsoon y Patsy Stone, soberbiamente interpretadas por Jennifer Saunders (guionista de la serie junto a Dawn French) y Joanna Lumley (que triunfó en los setenta haciendo de Purdey en el remake de "Los vengadores"). Dos señoras cuarentonas que vivieron su auge en los mágicos sesenta, pero que no se resignan a que el paso del tiempo las convierta en aburridas señoras de su casa. Edina y Patsy beben como cosacas, se drogan todo lo que pueden y visten siempre a la ultimísima moda. El contrapunto lo pone Saffy, la hija veinteañera de Edina: una chica formal y apocada, que se centra en sus estudios y que rechaza el estilo de vida de su progenitora. La obsesión de Edina y de Patsy por ser la alegría de todas las fiestas las lleva a situaciones absolutamente delirantes, narradas con un humor de lo más salvaje que se burla de todos las tendencias, modas y corrientes habidas y por haber.
La serie no solo triunfó en Inglaterra; también hizo furor en Estados Unidos, Australia o Francia, país en el que se rodó una película remake con actores franceses, dirigida por Gabriel Aghion y que no he tenido el gusto de ver. Dudo mucho que esté a la altura del original, por la sencilla razón de que no hay NADA como el original.
Por desgracia, en España Patsy y Edina han pasado mucho más desapercibidas. La serie se pasó en su día en algunas cadenas regionales; más recientemente Localia Tv emitió unas cuantas temporadas, pero con un doblaje bastante infame. Algo parecido a lo que Cuatro está haciendo ahora con The Office.
La serie está en su totalidad en Emule, pero hasta la fecha solo había subtítulos en inglés y francés. Por eso me he animado a ir traduciendo poco a poco todos los capítulos. De momento acabo de terminar una de las temporadas, la segunda (6 episodios). Funcionan de forma bastante independiente, así que no es necesario ver los capítulos en orden para disfrutar de Edina Monsoon, Patsy Stone y el resto de adorables personajes de la serie. También está disponible la primera temporada.
Aquí os dejo dos de mis momentos favoritos de la serie, con mis subtítulos incrustados:
De “Hospital”, capítulo primero de la segunda temporada:
En “Nacimiento” (6º capítulo de la misma temporada) presenciamos a la simpar Patsy Stone rememorando su desgraciado nacimiento:
El cuento clásico de Charles Perrault, llevado a la gran pantalla por Jacques Demy con la sobriedad y sencillez que le caracteriza. Es broma, claro. Sobredosis de colorinchis total, aunque esta vez la ocasión lo merece; para algo se trata de un cuento con princesas, castillos, brujas que escupen ranas y hadas madrinas que... viajan en helicóptero.
Tampoco pueden faltar las canciones de Michel Legrand, responsable también de la banda sonora de los dos éxitos anteriores de Demy, “Los paraguas de Cherburgo” y “Las señoritas de Rochefort”.
Yo no soy un gran fan de Demy, ni de los cuentos de hadas. Pero ¿puede resistirse alguien a ver a Catherine Deneuve haciendo de princesita desterrada? ¿O a Jean Marais (el inolvidable “Orfeo” de Cocteau) interpretando a un rey medieval? ¿O a Delphine Seyrig (protagonista de “El año pasado en Marienbad”, y dueña de una de las voces más hipnóticas de la historia del séptimo arte) dando vida a un hada madrina modernísima ella?
En fin, una película muy bonita para toda la familia. Cuando colgué esta secuencia solo había subtítulos en inglés, pero he actualizado la entrada para incluir una nueva versión dual francés/castellano con subtítulos en nuestro idioma.
La nueva película de Kitano está causando un poco de controversia: para algunos es una obra maestra, para otros un completo disparate. Yo me sitúo un poco en medio, pero tirando más hacia la primera opinión que hacia la segunda.
Al principio, parece el “Ocho y medio” de Kitano. Se interpreta a sí mismo inmerso en la vorágine de un rodaje, rodeado de actores, técnicos y admiradores. Uno de ellos es un dependiente de una tienda de 24 horas que... también está interpretado por Kitano. Este personaje quiere ser actor y se presenta varias veces al casting de la película que está rodando su “ídolo”, pero nunca le cogen. Y a partir de ahí, muchas escenas fellinianas de sueños del protagonista, mucha confusión y una escena final en una playa que mezcla violencia y belleza de una forma que solo Kitano consigue.
Desde luego “Takeshis’” no es la mejor forma de introducirse en el universo de este cineasta japonés; al contrario, parece una película dedicada a sus fans y a sí mismo (el título lo deja claro), aunque Kitano anda por ahí quejándose de que la película le ha quedado muy mal; yo creo que está siendo un poco duro consigo mismo. Yo sospecho que hay que verla más de una vez para sacarle todo el jugo, cosa que realmente apetece hacer porque estéticamente es muy bonita y te deja con ganas de resolver los interrogantes que plantea.
Esta vez no pongo e-link porque tampoco os quiero invitar a descargar una película que a buen seguro estrenarán en España en breve, y que tiene que ser una gozada para ver en pantalla grande. Pero, por supuesto, está en la mula, con calidad DVD y subtítulos en español.
De propina, una actuación de Kitano en sus años mozos para la tele japonesa.
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