A Decade Under the Influence

Ted Demme, Richard LaGravenese, 2003
138 minutos
Un documental en tres partes sobre el cine americano de los setenta, el complemento perfecto para el libro “Moteros tranquilos, toros salvajes” de Peter Biskind. Entrevistas a Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Dennis Hopper, Paul Schrader, Milos Forman, Sydney Pollack y muchos más. Toda una generación influida por el cine de autor europeo contemporáneo y por pioneros como Cassavetes (homenajeado en el título del documental), que a finales de los sesenta se esforzó por insuflar nuevos aires a un Hollywood un tanto estancado; y todo ello contando con el apoyo de los estudios y del público, cosa inaudita.

No soy un fanático de esta época (aunque me rindo ante cosas tan bonitas como “La última película” de Peter Bogdanovich) y, aunque reconozco la valentía de todos estos directores, creo que sus logros no supusieron una ruptura tan importante como, por ejemplo, la nouvelle vague con respecto a sus predecesores. Pero el documental es muy entretenido, sirve para descubrir joyitas poco conocidas u olvidadas y es un gusto ver y escuchar a gente tan interesante. Mención especial para las heroínas de la época: Ellen Burstyn, Sissy Spacek, Julie Christie o Pam Grier.

Un dato: “Tiburón” y “La guerra de las galaxias” pusieron fin a esta euforia innovadora. Los productores descubrieron que donde esté una buena película de explotación (y los pingües beneficios del merchandising correspondiente), que se quiten los experimentos. Alguien comenta: “los directores se olvidaron de crear ambientes de forma gradual y empezaron a hacer películas compuestas únicamente por momentos culminantes”. Curioso que Harmony Korine comentase recientemente que justamente eso es lo que intenta hacer con sus películas... aunque le salgan un poco diferentes a Spiderman 2.

Elink1 Elink2 Elink3 (versión original en inglés, no hay subtítulos en ningún idioma)

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Música: Der Abendstern de Ingrid Caven

Der Abendstern
Ingrid Caven, 1979

1 Der Abendstern (instrumental)/Der Ozelot
2 Das Kleine Hotel
3 Nachmittag Mit Wolken
4 In 10 Sekunden Ist Alles Vorbei
5 Bundeswalzer
6 Die Großen Weißen Vögel
7 Die Frau In Schwarz
8 Der Andere
9 Zimmer In Paris
10 Ich Bin Was Du Vergessen Hast
11 Die Männer Mit Den Hellen Hüten
12 Kinderlied/Der Abendstern

Ingrid Caven fue esposa fugaz y actriz fetiche de Fassbinder (inolvidables sus interpretaciones en “En un año con trece lunas” o “El viaje a la felicidad de mamá Kuster”), musa de Yves Saint-Laurent, también trabajó con directores de la talla de André Téchiné, Jean Eustache o Claire Denis e incluso ha servido de inspiración y le ha dado nombre a una novela de Jean-Jacques Schuhl que se convirtió en todo un best-seller en Francia. Pero además Ingrid Caven es una cantante excepcional, que a finales de los setenta grabó varios discos casi imposibles de encontrar hoy en día con canciones escritas por Peer Raben, el compositor de casi todas las bandas sonoras de Fassbinder. “Der Abendstern” es uno de los discos que escucho sin parar este verano, gracias a momentos como la imponente “Der Ocelot”, la tensión de “In 10 Sekunden Ist Alles Vorbei” (En 10 segundos se termina todo) o la preciosísima “Die Frau In Schwarz” (La mujer de negro). Alguien la describió como una mezcla entre Marlene Dietrich y Edith Piaf. Yo no sabría describir muy bien esta música: me costó bastante entrar en ella, pero ahora no puedo (ni quiero) salir.

descargar Der Abendstern



"Liebe Kommt" de otro disco de Ingrid Caven, el no menos maravilloso "Au Pigall's". Si usáis Spotify, lo podéis escuchar aquí.

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El punk de 1978 en TVE

Habréis notado que últimamente no me prodigo mucho por aquí. Estoy viendo menos cine que antes (quizás estoy un poco saturado), y no recuerdo nada que me haya emocionado especialmente en los últimos meses. Estuve a punto de escribir sobre "Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles" de Chantal Akerman, pero no tengo mucho que decir. Salvo que si os apetece pasar tres horas viendo a Delphine Seyrig abriendo y cerrando armarios y embetunando zapatos, os vais a quedar más que satisfechos.

Como en el blog se ha tratado el tema musical de vez en cuando, espero que no quede muy fuera de lugar este documental de 1978 sobre el punk realizado por TVE (¿quizás para el programa "Informe Semanal"?). Un intrépido reportero se lanza a las calles de Londres a preguntar todo lo preguntable (política, sexo, música, moda) a cualquiera con pelo de pincho ("Hey, punk lady") que se cruce en su camino. Como no podía ser de otra forma, el tono está más cerca del National Geographic ("Punks bailando", dice un rótulo) que a un enfoque serio del asunto, pero sorprende que TVE dedicase treinta minutos de su programación a un tema musical minoritario, y más en aquella época. Hoy no lo harían.

Hay aportaciones desde ambos lados de la barrera: observando todo desde la distancia, el escritor cubano afincado en Londres Guilllermo Cabrera Infante (bastante puesto en el tema) y Bill Grundy, otro gran conocedor, aunque muy a su pesar. En el bando contrario, dos españoles que tuvieron la suerte de vivir el fenómeno en primera fila: Jordi Valls de Vagina Dentata Organ y una simpatiquísima Palmolive de las geniales The Slits ("batería de Las Rajitas", nos avisa otro rótulo) con un imposible deje inglés-malagueño.

Romance sentimentale

Sergei Eisenstein y Grigori Alexandroff, 1930
20 minutos

"Otoño. Tristeza. La muerte del amor. De todo ello habla esta vieja canción rusa".

La había visto hace muchos años, pero no recordaba ni el título ni el director. Y resulta que era Eisenstein, nada menos.







Por cierto, impresionante esta página, especialmente su sección de vanguardia. A este paso, el emule se va a quedar obsoleto.

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En el curso del tiempo

Im Lauf der Zeit
Wim Wenders, 1976
175 minutos
Bruno se dedica a reparar proyectores de cine, y para ello recorre pueblecitos de Alemania en su camión. Un día -de la forma más extraña- se topa con Robert, un hombre que acaba de separarse de su mujer y que se encuentra un tanto perdido. Deciden viajar juntos. Por el camino escucharán singles de vinilo de rock de los cincuenta, se encontrarán con un hombre que acaba de perder a su familia en un accidente o a un viejo proyeccionista que piensa que el cine ha muerto. Robert le hará una visita a su padre para ajustar cuentas con el pasado, mientras que Bruno vivirá una curiosa aventura con una taquillera de cine.

Wenders, como sus personajes, no tiene ninguna prisa por llegar a su destino, así que el viaje puede tornarse exasperante por momentos; ya comenté en una entrada anterior mi encontronazo inicial con esta cinta. Y es que es vital enfrentarse a “En el curso del tiempo” con la predisposición adecuada: la de contemplar una auténtica obra de arte, con actores de verdad (admirables Rüdiger Vogler y Hanns Zischler), sin diálogos estúpidos ni más música de la estrictamente necesaria; y no la sucesión habitual de clichés y estereotipos que nos suelen vender como cine y que en realidad poco tienen que ver con éste. Una película con su propio ritmo, pausado y contemplativo, con el que sin duda cuesta conectar; pero si se consigue, deja la sensación de que no existía mejor forma de invertir las tres horas que dura su metraje.

Qué bien expresa todo esto el ya mencionado ex-proyeccionista, desengañado con la vacuidad del cine contemporáneo (bien podría estar hablando del de nuestros días):
“El cine es... el arte de ver, decía mi padre. Por esto no puedo pasar estas películas que sólo explotan aquello que es explotable en la cabeza y en los ojos de la gente. No me obligarán a proyectar películas de las que la gente sale endurecida y embrutecida por la estupidez. Películas que destruyen cualquier alegría de vivir y anulan cualquier sentimiento hacia el mundo y hacia ellos mismos...”

“En el curso del tiempo” tiene muchas escenas inolvidables. En mi favorita, los protagonistas llegan a una sala de cine abarrotada de niños que esperan ansiosos a que comience la proyección. Tras la pantalla, Bruno y Robert comienzan a reparar el proyector, pero terminan escenificando una improvisada pantomima de sombras chinescas.

Elink (versión original en alemán)

subtítulos en español

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El nadador

El nadador
The swimmer
Frank Perry, 1969
95 minutos

Ned Merrill aparenta tenerlo todo en la vida: una carrera exitosa en el cine y un matrimonio que es la envidia de sus adinerados vecinos. Un buen día decide recorrer todo el condado nadando por las lujosas piscinas de la zona, trazando un recorrido que finalmente lo llevará a su casa. En su camino se topará con una ex-amante despechada, varias fiestas multitudinarias en las que será recibido de distintas maneras o una antigua niñera de sus hijos. Estos encuentros van aportando piezas al puzle, y poco a poco iremos descubriendo que el presente de Merrill no es tan idílico como parecía en un principio.

Un punto de partida fascinante para una película aparentemente convencional, que comienza como un optimista canto a la vida y al “carpe diem” pero que, a medida que Merrill se acerca a su destino, se va tornando en algo bastante más lúgubre y amargo.

El protagonista es Burt Lancaster, que no me gusta especialmente pero que sin duda luce un físico envidiable para sus 53 años, algo fundamental para el papel: se pasa toda la película en bañador.

Curiosidades varias: el director, Frank Perry, también fue el responsable de esa joya kitsch llamada “Queridísima mamá”. Pero en esta ocasión abandonó el rodaje, cansado del exceso de control del estudio: la película tardó tres años en estrenarse, y fue víctima de la censura en varios países. Sidney Pollack fue el encargado de terminarla. El papel de Janice Rule era en principio para Barbara Loden (esposa de Elia Kazan y directora de la extrañísima “Wanda”) e incluso llegó a rodar la escena. Parece ser que lo hizo demasiado bien, hasta el punto de ensombrecer a Burt Lancaster, motivo por el que éste exigió que fuese sustituida por Janice Rule (la tercera en discordia en “3 mujeres”). ¡No me quiero imaginar cómo sería la interpretación de Barbara Loden, porque la de Rule es impresionante!

Elink (versión dual español/inglés)

subtítulos en español

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La revolución es sólo el principio. Continuemos la lucha

La revolución es sólo el principio. Continuemos la lucha
La révolution n'est qu'un début. Continuons le combat
Pierre Clementi, 1968
23 minutos

Pierre Clementi, icono de la contracultura en los sesenta y uno de los actores más ubicuos de su generación (trabajó con Buñuel, Pasolini, Garrel, Bertolucci o Rivette, aunque me encanta especialmente en la loquísima “Sweet Movie” de Dusan Makavejev) también hizo sus pinitos detrás de la cámara. Esta pequeña joyita permaneció en paradero desconocido durante muchos años hasta que alguien la encontró en un sótano en 1999, el año en que falleció Clementi. Es preciosa, rebosa color y emoción (incluye imágenes de mayo del 68). Me emociona pensar que estuvimos a punto de no verla nunca jamás. A disfrutarla inmediatamente, antes de que se vuelva a esfumar.

Elink (muda)

También se puede ver online aquí (cortesía de El príncipe y la ballena)

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Robbe-Grillet en la Filmoteca

Durante los meses de febrero y marzo, la Filmoteca de Madrid dedica un ciclo al recientemente fallecido Alain Robbe-Grillet, un director del que apenas he visto dos películas pero que me tiene bastante intrigado. Una cita de lo más interesante, porque prácticamente toda su filmografía está inédita en DVD. Corto y pego sinopsis y fechas del programa de la Filmoteca.

La inmortal. Int.: Françoise Brion, Jacques Doniol-Valcroze, Guido Celano. Francia. VOSI/E*. 101'
"La primera película dirigida por el escritor Robbe-Grillet es un romance misterioso fragmentado de forma característica y ambientado en Estambul. La narración irrita en ocasiones y se podría decir que las imágenes de la huidiza mujer con la lencería y amarrada son misóginas, pero no se puede negar la extraordinaria recreación de la atmósfera inquietante que uno encuentra en una ciudad extranjera y laberíntica" (Geoff Andrews).
10 y 21 de febrero

Trans-Europ-Express (1966). Int.: Jean-Louis Trintignant, Marie-France Pisier, Daniel Emilfork. Francia/Checoslovaquia. VOSE*. 105'
Un guionista (el propio Alain Robbe-Grillet), un productor y su secretaria toman el Trans-Europ-Express en dirección a Anvers. El ambiente del tren, el encanto de la conversación y el encuentro casual con Jean-Louis Trintignant les inspira un guión policíaco.
11 y 28 de febrero

El hombre que miente (1967). Int.: Jean-Louis Trintignant, Sylvie Bréal, Dominique Prado. Francia/Checoslovaquia. VOSE*. 95'
En una pequeña ciudad de una región montañosa aún temblorosa por los recuerdos de la guerra y la Resistencia, un joven se codea con los habituales de una taberna que recuerda la desaparición de un tal Jean en una misión peligrosa.
13 de febrero

El Edén y después. Int.: Catherine Jourdan, Pierre Zimmer, Richard Leduc. Francia/Checoslovaquia. VOSI/E*. 93'
En un café que parece un laberinto se reúnen unos estudiantes para imaginar una realidad más allá de su tedio cotidiano. Una noche llega un extraño que se mezcla enseguida en sus parodias ceremoniosas y les da un giro más inquietante, más insólito. Les narra las aventuras del sol, la arena y el sueño de África.
15 y 26 de febrero


Deslizamientos progresivos del placer (1974). Int.: Jean-Louis Trintignant, Anicée Alvina, Olga Georges-Picot. Francia. VOSE. 105'
Alice está encerrada en un reformatorio gestionado por monjas, acusada de haber matado a su amiga Nora, a la que encontraron atada a su cama con el corazón atravesado por unas tijeras. Empieza el interrogatorio en su celda, cuya arquitectura cúbica y la luz recuerdan al lugar del crimen.
19 de febrero

Náufragos

Náufragos
Lifeboat
Alfred Hitchcock, 1944
96 minutos

Impresionante y claustrofóbica historia escrita por John Steinbeck. Seis hombres, dos mujeres y un único escenario: una balsa a la deriva tras un naufragio en plena segunda guerra mundial. ¿Para qué más? Me marean las películas con cientos de decorados y personajes.

Brilla con luz propia Tallulah Bankhead, una diva atómica, escandalosa y excesiva que en su día fue tan famosa como la Crawford o la Davis; hoy está casi olvidada, probablemente porque se prodigó mucho más en el teatro que en el cine. Éste fue su papel más exitoso y da gloria verla.

“Náufragos” lo tiene todo: suspense (¿qué trama el soldado alemán?), drama y sexualidad a borbotones (la escena en la que la Bankhead acaricia el cuerpo tatuado de uno de sus compañeros de viaje es de órdago). Casi al final, se produce una catarsis tan histérica y violenta que hay que verla para creerla.

No entiendo por qué “Náufragos” no está entre las películas más populares de Hitchcock. Yo conozco pocas obras suyas tan redondas como ésta y la prefiero infinitas veces a, por ejemplo, “Rebeca”.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Vieja amistad

Vieja amistad
Old acquaintance
Vincent Sherman, 1943
110 minutos

Recital interpretativo de Bette Davis: está estupenda. Le da la réplica su muy odiada Miriam Hopkins, que para mi gusto está un poco sobreactuada, aunque muy divertida. Dos escritoras amigas de la infancia: una tiene el prestigio, la otra el éxito comercial. Enredo sentimental de por medio. Cuando la cosa vira hacia el melodrama, se vuelve un poco ñoña y aburrida, pero tiene momentos bastante buenos. George Cukor dirigió un remake en 1981, “Ricas y famosas”, con Candice Bergen y Jacqueline Bisset. Hay quien opina que la de Cukor es superior al original; yo no me pronuncio, todavía no la he visto.

Paciencia con el elink, hay muy pocas fuentes. Pero merece la pena: no está publicada en DVD en España.


Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Las altas soledades

Las altas soledades
Les hautes solitudes
Philippe Garrel, 1974
80 minutos

Todo acaba apareciendo en emule: incluso las películas más recónditas de Philippe Garrel. “Las altas soledades” (maravilloso título) pertenece a la cosecha pre-“El hijo secreto” del cineasta francés, al igual que “La cuna de cristal”, ya comentada en este blog. De nuevo, la copia disponible está muy lejos de ser perfecta... pero también es la única opción de poder ver esta película, salvo en algún pase muy esporádico de la Filmoteca o un festival de cine.

“Las altas soledades” es un retrato de Jean Seberg, uno de los rostros más bellos del séptimo arte, convertido en icono inmortal gracias a Godard y su “Al final de la escapada”. Desafortunadamente, fue uno de los pocos éxitos que Jean cosechó en la gran pantalla. A comienzos de los 70, se vio envuelta en una truculenta historia que ni el mejor de los guionistas podría haber imaginado: el apoyo que la actriz prestó al movimiento político afroamericano Panteras Negras tuvo como consecuencia que el FBI difundiese un malévolo rumor: el hijo que estaba esperando Jean Seberg era de uno de los líderes de los Panteras Negras. Tras sufrir un aborto, Jean decidió despejar toda duda en una rueda de prensa, exhibiendo el cadáver del bebé (blanco) en un ataúd de cristal. La pérdida de este bebé la sumió en una larga depresión: intentó suicidarse varias veces, y finalmente lo consiguió en 1979.

¿Dónde reside la magia de “Las altas soledades”? Es muda (por lo visto, así lo quiso la propia Jean), en blanco y negro, sin argumento, casi exclusivamente compuesta a partir de primeros planos de la actriz sonriendo, probándose un sombrero, durmiendo, llorando desesperadamente...



No lo sé. Supongo que en la tristeza salvaje de Jean Seberg, en sus mohines, alternando sonrisas sinceras y muecas de resignación; a veces mira a la cámara de una forma tan desapasionada, transmite tanto cansancio por la vida, que asusta. Y lo peor es que, probablemente, en esta ocasión no estaba interpretando ningún papel.

También podemos admirar el rostro anguloso de Laurent Terzieff, habitual de la primera época de Garrel, que compaginaba con el cine comercial (por ejemplo, protagonizó “La prisionera” de Henri-Georges Clouzot) o la mirada vampírica de Tina Aumont, otra actriz de vida desgraciada y final prematuro, figura de culto para los amantes del giallo y el cine erótico de los setenta. Y por supuesto, también está Nico, musa y compañera de Garrel: las imágenes de la cubierta de su álbum “The end” son fotogramas de esta película.



Elink

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Robert Mulligan

Robert Mulligan
1925-2008
Gracias por "Matar un ruiseñor",
por "El otro"
y por las que me quedan por ver.
Este cartel estuvo muchos años pegado
en una pared de mi casa.

obituario
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Correré hasta el fin del mundo

Correré hasta el fin del mundo
A pobezim az na kraj sveta
Peter Solan, 1979
74 minutos

Una película checa de la que hay poquísima información en internet, al menos en inglés (en español ni la busquéis, directamente). Creo que es la primera película que comento aquí cuya ficha de la imdb está limpia como una patena. Ni un solo comment. Pero en este blog lo checo siempre es muy bien recibido, como ya sabéis.

Aparentemente está dirigida al público infantil, aunque no sé muy bien dónde encajaría en el mundo de hoy, en el que los niños ven series de adultos y los adultos ven películas de superhéroes y leen novelas para niños. Bueno, sí que lo sé...

Cuenta la historia de Majka, una niña que vive en un pueblecito con su familia; su principal afición es coleccionar servilletas de distintos lugares del mundo. Nació con los pies un poco torcidos, motivo por el que sus compañeros de colegio (¡los niños, siempre tan comprensivos con los diferentes!) la han bautizado como “La Pato”. Sus padres le han prohibido verse con su mejor (y única) amiga, y el chico que le gusta no le hace demasiado caso.

En sus ratos libres, Majka juega con los animalitos de la granja, pero la matanza está a la vuelta de la esquina. Y de todas formas, Majka apenas tiene ratos libres porque tiene que ayudar en las tareas de la casa. En fin, que Majka vive en un sinvivir. Pero gracias a su imaginación, a las esperanzas que tiene puestas en el futuro y a pequeños detalles cotidianos, el día a día se le hace más llevadero.

“Correré hasta el fin del mundo” es una película aparentemente ingenua y fácil, pero se va volviendo más y más triste para terminar conmoviendo a niños y grandes que alguna vez se hayan sentido como su protagonista: “la última letra del alfabeto”.

No es una gran película. Es pequeña, pero bien bonita.

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Esos tres

Esos tres
These three
William Wyler, 1936
“La calumnia” (1961) de William Wyler no es una película de terror, pero casi. Cuenta la historia de dos profesoras (interpretadas por Shirley MacLaine y Audrey Hepburn) que se ven obligadas a cerrar su colegio femenino (y, ya de paso, a enfrentarse al ostracismo más feroz) cuando comienza a correr el rumor de que mantienen una relación sentimental. La película se basaba en la polémica obra de teatro “La hora de los niños” (1934) de Lillian Hellman.

Curiosamente, Wyler ya había rodado una adaptación de dicha obra en 1936, bajo el título de “Esos tres”. Pero que una película apenas apuntase que entre dos mujeres podía haber algo más que una amistad era algo impensable en aquellos tiempos. Para que la cinta luciese el sello de aprobación del comité de censura de Will Hays -o lo que es lo mismo, para que tuviese una difusión y distribución decente- fue necesario hacer un “pequeño cambio” en la trama: por arte de birlibirloque, la relación lésbica quedaba convertida en un triángulo heterosexual corriente y moliente.

Hellman no le dio demasiada importancia al tijeretazo porque consideraba que la fuerza de la historia estaba en las trágicas consecuencias del rumor más que en el rumor propiamente dicho. Y salvo por ese pequeño detalle, la película era extremadamente fiel a la obra de teatro, hasta el punto de que gran parte de los diálogos son idénticos a los de la versión de 1961.

Conociendo la historia, resulta divertido comparar las dos versiones. Aunque la primera tiene un final excesivamente edulcorado (que contrasta con el de 1961, brutal y tristísimo), la verdad es que “Esos tres” resulta casi tan memorable como “La calumnia”. Aquí las protagonistas son Merle Oberon y Miriam Hopkins, esta última enemiga número dos de Bette Davis (¿hace falta decir quién era la number one?). Hopkins también aparece en “La calumnia” haciendo el papel de la tía loca del personaje de MacLaine. Oberon podría haber acompañado a Hopkins en esta segunda versión, pero se negó a interpretar a la abuela de Mary Tilford, la niña malvada que difunde el rumor.

“Esos tres” es una buena película y la Hopkins me encanta, pero yo desde luego os recomiendo que veáis primero “La calumnia” y os dejéis encandilar por la mejor interpretación que he visto de Shirley MacLaine.

No me consta que “Esos tres” esté publicada en DVD en España. En emule está en versión original sin subtítulos o en una versión doblada tomada de un VHS.

Elink (versión doblada al castellano)

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Bette

"Me gusta esperar a la puerta por la persona que llega, para que no se encuentre con una puerta cerrada."

"La razón por la que mucha gente recuerda su infancia como el mejor momento de su vida es porque una página en blanco es más bonita que otra llena de deseos incumplidos."

"Un ataque de histeria es como un orgasmo, es bueno para la salud."

"Nunca me sobrepuse a mis divorcios. Para mí no hay nada más solitario que un asiento de retrete siempre bajado."

"Nunca he querido ser un hombre. Siempre me he sentido una mujer y he querido triunfar como tal, en lo personal y en lo profesional. Hay quien ha dicho que siento envidia de pene; en todo caso, admiración de pene."

Las citas son de "The Girl Who Walked Home Alone", de Charlotte Chandler

Un lugar en la cumbre

Un lugar en la cumbre
Room at the top
Jack Clayton, 1959
Reconozco que la belleza me puede: un factor determinante para que me guste una película es que sus protagonistas me parezcan guapos o sexys. Obviamente no es el único criterio que manejo, pero admito que pesa bastante. Supongo que sonará un poco frívolo (me han dejado algún comentario criticándome por ello) pero es lo que hay. Si alguien se siente ofendido, le invito a que deje de leer inmediatamente y visite otra página de cine más rigurosa. ¡Será por blogs!

En fin, este buscador de la belleza se topó un buen día con “Un lugar en la cumbre” y sus expectativas quedaron más que cubiertas: Laurence Harvey está cañón; resplandece tanto que casi hay que ponerse gafas de sol para mirar a la pantalla. Y qué decir de la fascinante Simone Signoret: interpreta a una mujer madura pero cualquiera puede entender que el personaje de Harvey se cuele hasta los huesos por ella y no por la otra fémina del elenco (Heather Seathers), mucho más joven pero bastante sosa.

Pero la belleza de sus actores es solo la guinda del pastel: es una película maravillosa. Una historia de ambición, de choques de clases sociales, de arrebatados encuentros a escondidas. Signoret ganó un muy merecido Óscar por su interpretación, y la película cosechó un gran éxito en Estados Unidos. El director es el británico Jack Clayton: su mayor éxito fue “Los inocentes”, aunque mi favorita suya es la deliciosa “A las nueve cada noche”.

En resumen, que "Un lugar en la cumbre" me gusta tanto que le daría un diez aunque sus protagonistas tuviesen un ojo colgando.

Elink cd1 Elink cd2 (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Mister Lonely

Mister Lonely
Harmony Korine, 2007
“Un día pensé: ¿Por qué no hacer películas compuestas únicamente por escenas geniales? Casi siempre desperdicias 45 minutos en llegar a un punto realmente interesante, y después pierdes otros 30 minutos en abandonar ese punto. Todo se centra en llegar a ese momento. ¿Por qué no hacer películas solo con momentos así?” Harmony Korine (entrevista)

Harmony Korine hace películas así: llenas de grandes momentos. A veces el argumento parece solo una excusa sobre la que montar secuencias que no aportan prácticamente nada a la trama, pero que casi siempre resultan preciosas, divertidas, o ambas cosas a la vez.

Para mí, que detesto el “cine indie americano” (cansino, repelente, con pretensiones de transgredir pero tan obvio que a la postre resulta casi más inofensivo que el mainstream), fue toda una sorpresa encontrarme a finales de los noventa con “Gummo” y “Julien Donkey Boy”, las dos primeras obras de Korine: dos maravillosos desaguisados en los que lo grotesco y lo hermoso convivían con total naturalidad. Sí, en ocasiones Korine puede acercarse a sus compañeros de generación y regocijarse en el feísmo más desagradable (á la Todd Solondz), pero inmediatamente corrige su trayectoria para mostrar auténticos festivales de pura poesía visual y sonora: por ejemplo, los últimos veinte minutos de “Julien Donkey Boy” los recuerdo como todo un deleite para los sentidos. En mi opinión, Korine es uno de los mejores cineastas contemporáneos (junto con Quentin Tarantino y Tsai-Ming Liang), y creo que si sigue así terminarán comparándolo con Fellini y no con Solondz.

Tras un largo parón de casi una década, Korine volvió a colocarse tras la cámara y el resultado es “Mister Lonely”, una película con una factura técnica muy superior a sus anteriores obras y una estructura algo más coherente, pero sin perder un ápice de ese “algo” que lo hace tan especial y diferente a los demás.

El argumento, la “excusa” que sirve de punto de partida, es un auténtico bombón: un imitador de Michael Jackson que se gana la vida bailando en las calles de París conoce a una imitadora de Marilyn Monroe, y lo invita a vivir en una comuna de imitadores: allí conocerá a los dobles de Charlie Chaplin, Shirley Temple, Abraham Lincoln, el Papa o la Reina de Inglaterra (¡interpretada por Anita Pallenberg!).

Y a partir de aquí, numerosas secuencias breves, sketches, apuntes de los personajes discutiendo, hablando, cantando, paseando. Son escenas que parecen no conducir a nada, pero que poco a poco van formando un collage agridulce, cercano a lo hipnótico. Los retratos están más cerca de la ternura que de lo grotesco: destaca especialmente el creado por Samantha Morton, una Marilyn casi más sexy y vulnerable que la original. Además, hay una historia paralela absolutamente preciosa de la que prefiero no desvelar nada (aunque el youtube os puede dar una pista), salvo que la protagoniza el gran Werner Herzog. También tiene un papelito Leos Carax; y es que Korine, además de ser genial, tiene muy buen gusto.



enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

Elink (versión original en inglés con subtítulos en español)

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¿Qué fue de Tía Alice?

¿Qué fue de Tía Alice?
What Ever Happened to Aunt Alice?
Lee H. Katzin, 1969

“¿Qué fue de Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), una de las películas más terroríficas, claustrofóbicas y angustiosas de la historia, nos permitió presenciar, con todo lujo de detalles, la espectacular colisión entre dos divas del celuloide: Joan Crawford y Bette Davis, odiándose en la pantalla (casi) tanto como lo hacían fuera de ella. La película no pretendía ser más que una serie B para rescatar del olvido a las dos viejas glorias hollywoodienses, pero su éxito fue tal que pronto surgieron numerosas imitaciones. Ninguna rezumaba tanto veneno ni tanta histeria como la original, pero la mayoría resultaron ser bastante disfrutables.

El mismo Aldrich repitió la fórmula en 1964 con “Canción de cuna para un cadáver”. Otra historia tenebrosa con el tándem volcánico Davis-Crawford de protagonistas, aunque la segunda dijo “Hasta aquí hemos llegado” y fue sustituida por otra grande en decadencia: Olivia De Havilland, que ese mismo año protagonizaría la no menos siniestra “Una mujer atrapada” (Walter Grauman).

Aunque es unos años posterior, “¿Qué fue de Tía Alice?”, con Geraldine Page en el papel estelar, pertenece claramente a este género “post-Baby Jane”: el título es más que elocuente al respecto. Pero hay una gran diferencia: Davis, Crawford y De Havilland estaban finalizando sus carreras cuando se prestaron a rodar estas truculencias, mientras que a Page (bastante más joven que las ya mentadas) todavía le quedaba mucha vida cinematográfica por delante: aún estaban por llegar interpretaciones tan notables como las que nos dejó en “Septiembre” (Woody Allen) o “Regreso a Bountiful” (Peter Masterson).

No me atrevo a decir que “¿Qué fue de Tía Alice?” sea una gran película: puede que hasta resulte demasiado sosita y previsible para ser una buena obra de suspense/terror, pero la Page está colosal y aporta tensión con solo una mirada; para colmo, la réplica se la da Ruth Gordon, la “dulce” abuelita de “La semilla del diablo” o “Harold y Maude”. Solo por ver juntas a estas dos fabulosas actrices ya merece la pena.

El enlace es un dual español/inglés. Por desgracia, no hay subtítulos: creo que el DVD español no los incluye.

Elink (dual español/inglés)

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Eaux d'artifice

Eaux d'artifice
Kenneth Anger, 1953

Un film D'Anger.

Belleza pura.



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Jubilee

Jubilee
Derek Jarman, 1977

Jubilee es una de mis películas favoritas, aunque Derek Jarman me resulta un director ligeramente espeso y nunca he conseguido ver entero ningún otro título suyo.

Jubilee pretendía ser un documento del movimiento punk que acababa de nacer en las Islas Británicas, o al menos del movimiento punk que el director tenía en su cabeza: Jarman no pertenecía a esa generación y puede que la mirase un poco por encima del hombro y con cierto desdén. Como resultado, en la época la película no gustó ni a la clase política conservadora (por considerarla excesivamente amoral) ni a muchos de los integrantes del punk, que la veían como algo completamente fantasioso y alejado de la realidad.

Irreal o no, Jubilee ha terminado convertida en uno de los mejores retratos del punk del 77: por su inmediatez (muestra algo que se estaba produciendo justo entonces y no tres años antes) y porque cuesta encontrar otra película con tantas figuras del movimiento en su reparto, bien en papeles estelares (Jordan, Adam Ant, Toyah Wilcox) o en fugaces cameos (Siouxsie, The Slits, Wayne County).

Pero Jubilee es bastante más que un catálogo de rostros famosos del punk y creo que puede resultar muy disfrutable incluso para los que no tengan especial interés en la música de esa época. Partiendo de una idea de lo más rocambolesca (la Reina Isabel I viaja en el tiempo para conocer la Inglaterra del siglo XX), Jarman nos traslada a un Londres post-nuclear sumido en el caos y la violencia; un mundo en el que “la realidad ha sustituido a la fantasía y el arte; si conviertes tus sueños en realidad, ya no son necesarias las películas, los cuadros o los libros”. Las calles están tomadas por excéntricos pandilleros que roban y asesinan por puro placer, un poco como los drugos de “La naranja mecánica”, película con la que Jubilee tiene mucho en común.

Atención a Jenny Runacre, que está fantástica en su doble papel de reina Isabel y cabecilla de los rebeldes (ha trabajado con directores tan renombrados como Cassavetes y Antonioni). También me gusta mucho Toyah Wilcox: aunque sospecho que su relación con el punk fue más bien anecdótico y que parece una trepa de cuidado (escogió su papel únicamente porque era el que más líneas tenía), está muy convincente haciendo de pirómana enloquecida.

Jubilee es una fantasía caótica, violenta y polisexual, para los que pensaban que ya lo habían visto todo.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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