Correré hasta el fin del mundo A pobezim az na kraj sveta Peter Solan, 1979 74 minutos
Una película checa de la que hay poquísima información en internet, al menos en inglés (en español ni la busquéis, directamente). Creo que es la primera película que comento aquí cuya ficha de la imdb está limpia como una patena. Ni un solo comment. Pero en este blog lo checo siempre es muy bien recibido, como ya sabéis.
Aparentemente está dirigida al público infantil, aunque no sé muy bien dónde encajaría en el mundo de hoy, en el que los niños ven series de adultos y los adultos ven películas de superhéroes y leen novelas para niños. Bueno, sí que lo sé...
Cuenta la historia de Majka, una niña que vive en un pueblecito con su familia; su principal afición es coleccionar servilletas de distintos lugares del mundo. Nació con los pies un poco torcidos, motivo por el que sus compañeros de colegio (¡los niños, siempre tan comprensivos con los diferentes!) la han bautizado como “La Pato”. Sus padres le han prohibido verse con su mejor (y única) amiga, y el chico que le gusta no le hace demasiado caso.
En sus ratos libres, Majka juega con los animalitos de la granja, pero la matanza está a la vuelta de la esquina. Y de todas formas, Majka apenas tiene ratos libres porque tiene que ayudar en las tareas de la casa. En fin, que Majka vive en un sinvivir. Pero gracias a su imaginación, a las esperanzas que tiene puestas en el futuro y a pequeños detalles cotidianos, el día a día se le hace más llevadero.
“Correré hasta el fin del mundo” es una película aparentemente ingenua y fácil, pero se va volviendo más y más triste para terminar conmoviendo a niños y grandes que alguna vez se hayan sentido como su protagonista: “la última letra del alfabeto”.
No es una gran película. Es pequeña, pero bien bonita.
Mister Lonely Harmony Korine, 2007 “Un día pensé: ¿Por qué no hacer películas compuestas únicamente por escenas geniales? Casi siempre desperdicias 45 minutos en llegar a un punto realmente interesante, y después pierdes otros 30 minutos en abandonar ese punto. Todo se centra en llegar a ese momento. ¿Por qué no hacer películas solo con momentos así?”Harmony Korine (entrevista)
Harmony Korine hace películas así: llenas de grandes momentos. A veces el argumento parece solo una excusa sobre la que montar secuencias que no aportan prácticamente nada a la trama, pero que casi siempre resultan preciosas, divertidas, o ambas cosas a la vez.
Para mí, que detesto el “cine indie americano” (cansino, repelente, con pretensiones de transgredir pero tan obvio que a la postre resulta casi más inofensivo que el mainstream), fue toda una sorpresa encontrarme a finales de los noventa con “Gummo” y “Julien Donkey Boy”, las dos primeras obras de Korine: dos maravillosos desaguisados en los que lo grotesco y lo hermoso convivían con total naturalidad. Sí, en ocasiones Korine puede acercarse a sus compañeros de generación y regocijarse en el feísmo más desagradable (á laTodd Solondz), pero inmediatamente corrige su trayectoria para mostrar auténticos festivales de pura poesía visual y sonora: por ejemplo, los últimos veinte minutos de “Julien Donkey Boy” los recuerdo como todo un deleite para los sentidos. En mi opinión, Korine es uno de los mejores cineastas contemporáneos (junto con Quentin Tarantino y Tsai-Ming Liang), y creo que si sigue así terminarán comparándolo con Fellini y no con Solondz.
Tras un largo parón de casi una década, Korine volvió a colocarse tras la cámara y el resultado es “Mister Lonely”, una película con una factura técnica muy superior a sus anteriores obras y una estructura algo más coherente, pero sin perder un ápice de ese “algo” que lo hace tan especial y diferente a los demás.
El argumento, la “excusa” que sirve de punto de partida, es un auténtico bombón: un imitador de Michael Jackson que se gana la vida bailando en las calles de París conoce a una imitadora de Marilyn Monroe, y lo invita a vivir en una comuna de imitadores: allí conocerá a los dobles de Charlie Chaplin, Shirley Temple, Abraham Lincoln, el Papa o la Reina de Inglaterra (¡interpretada por Anita Pallenberg!).
Y a partir de aquí, numerosas secuencias breves, sketches, apuntes de los personajes discutiendo, hablando, cantando, paseando. Son escenas que parecen no conducir a nada, pero que poco a poco van formando un collage agridulce, cercano a lo hipnótico. Los retratos están más cerca de la ternura que de lo grotesco: destaca especialmente el creado por Samantha Morton, una Marilyn casi más sexy y vulnerable que la original. Además, hay una historia paralela absolutamente preciosa de la que prefiero no desvelar nada (aunque el youtube os puede dar una pista), salvo que la protagoniza el gran Werner Herzog. También tiene un papelito Leos Carax; y es que Korine, además de ser genial, tiene muy buen gusto.
“Mi generación fue muy afortunada. Robar era políticamente correcto, los disturbios eran una forma genial de conocer gente, la peor enfermedad sexual que existía era la sarna y ser pobre era algo elegante. Nadie trabajaba en exceso, hacer autostop era muy fácil, y podías hacer una película por cuatro duros con tus amigos de protagonistas, promocionándola con el boca a boca.” John Waters, Shock Value.
“Multiple Maniacs”, el segundo largometraje de John Waters y el primero con diálogos (la banda sonora de su primer largo, “Mondo Trasho”, se componía únicamente de música), es una película muy difícil de encontrar. Nunca se ha publicado en DVD en Estados Unidos; ni mucho menos en España, donde las obras maestras de este director (“Pink Flamingos”, “Female Trouble”) continúan inéditas en este formato.
Puede que esto se deba al salvajísimo anticlericalismo que destila la cinta. Contiene algunas de las imágenes más sacrílegas y ofensivas que jamás haya rodado el cineasta, y eso es mucho decir teniendo en cuenta de quién estamos hablando. Puede epatar incluso a un no-cristiano no-practicante como yo, así que avisados quedáis.
El argumento: Lady Divine y su novio, el Sr. David, dirigen un espectáculo llamado “La cabalgata de la perversión”: un freak-show en el que se muestran toda clase de excesos contranatura, pero que en realidad es un señuelo para atracar y asesinar a sus visitantes. El Sr. David, harto del mal genio de Lady Divine, planea asesinarla con la ayuda de su amante. Pero Lady Divine, tras una indescriptible experiencia religiosa, se entera del complot y decide pasar a la acción…
A destacar el genial trabajo de algunos de los actores (los habituales de la primera época de Waters). Aparte de Divine (que, como no podía ser de otra forma, está colosal) siento especial predilección por el personaje de Mary Vivian Pierce, la Jean Harlow de Dreamland: una “coprófaga gerontofílica que practica el autoerotismo”, obsesionada con “hacer el acto” con el Sr. David. Además, en "Multiple Maniacs" debutaron Edith Massey (haciendo, entre otras cosas, de... ¡la Virgen María!) y la simpatiquísima Cookie Mueller (futura camella de Fassbinder, ahí es ná).
“Multiple Maniacs” está muy lejos de ser una película perfecta. Además de contar con una paupérrima factura técnica (aunque el uso del blanco y negro puede darle un toque casi “arty” en ocasiones), algunas escenas se alargan en exceso y los diálogos no son tan ingeniosos como en posteriores obras de Waters. Con todo, es estupenda y merece ser mucho más conocida.
Por eso me he animado a crear unos subtítulos para la versión en divx que viene circulando por emule desde hace años. Primero creé unos subtítulos en inglés (a partir de la versión impresa del guión, publicada en el libro de la editorial Thunder’s Mouth Press), y luego los traduje intentando preservar el humor irreverente y deslenguado del original. Un indigesto pero divertidísimo cóctel en el que conviven Sharon Tate, Jesucristo, los Weathermen, el Santo Niño de Praga y Lobstora, la langosta gigante.
A las nueve cada noche Our mother's house Jack Clayton, 1967
Maravillosa película que recordaba haber visto de pequeño en la tele, cuando en la tele ponían películas a horas decentes, y no solo de Jackie Chan. Sí, fue hace bastante.
Es una producción inglesa dirigida por Jack Clayton (del que quiero ver "Los inocentes", una de sus películas más famosas) y protagonizada por seis niños que se quedan huérfanos de madre repentinamente. Para no terminar en un orfelinato, deciden no contarle a nadie que su madre ha fallecido y aparentar que todo sigue como antes. El título (español) de la cinta se debe a que, tras la muerte de la madre, los hermanos se reunen todas las noches a esa hora para contactar con la madre por medio de sesiones de espiritismo.
Las cosas van de mal en peor hasta que aparece su padre, que les había abandonado de pequeños. El personaje está interpretado por Dirk Bogarde, guapísimo actor de presencia magnética y gusto por los papeles un tanto turbios, como éste. También aparece Yootha Joyce, la inolvidable Mildred de la serie de la BBC "Los Roper".
Por alguna razón desconocida, "A las nueve cada noche" no está editada en DVD en ningún país (creo). Hasta hace poco, la única copia que circulaba por internet procedía de una copia de VHS; para colmo de males, estaba doblada al castellano con no demasiada fortuna: los niños estában doblados por abuelitas y sus voces crispaban de lo lindo. Afortunadamente, ha aparecido una copia mucho más digna y en versión original.
Nosotros no envejeceremos juntos Nous ne vieillirons pas ensemble Maurice Pialat, 1972
Tanto por su título (¡tremendo!) como por algunas reseñas, tenía las expectativas muy altas con respecto a esta película de Maurice Pialat. Y solo puedo decir que me ha maravillado, es de las que no se olvidan. En otras palabras, el reverso exacto de "La ciencia del sueño". Aquí no hace falta aplicar el cedazo porque todo es impecable: actores, argumento, diálogos, fotografía...
Imposible transmitir su genialidad con una simple descripción del argumento, pero allá vamos: se trata de la relación entre un hombre casado (Jean Yanne,un tipo desaliñado, malencarado y vulgar pero muy atractivo; ya me había encantado en "El carnicero" de Chabrol) y una mujer (Marlène Jobert, guapísima; sale en "Masculin, femenin" de Godard y tiene una elegancia que me recuerda a la de Stéphane Audran, musa de -de nuevo- Chabrol).
Llevan seis años juntos, se quieren pero no se aguantan y están todo el rato separándose y reconciliándose. Hasta que el amor se acaba por una de las dos partes y toca hacer borrón y cuenta nueva.
No está en emule (sí está, pero sin subtítulos), pero Intermedio la acaba de publicar en DVD en España. Intermedio no me paga comisión pero tras ver su plan de lanzamientos para el 2007 (Godard, Tsai Ming-Liang, ¡Marguerite Duras!) es muy probable que en este blog se vuelva a hablar de esta compañía.
Yo la he visto hoy en la filmoteca de Madrid, que está haciendo un ciclo de Pialat (junto a otros de Kim Ki Duk, Robert Altman y Daniel Schmid). Vuelven a pasarla el viernes que viene, por si a alguien le interesa.
En realidad, las mujeres (protagonistas) son solo 2: Pinky Rose y Millie. Pinkie es una chica aniñada, tímida y claramente desequilibrada, que entra a trabajar en un balneario para ancianos y allí traba amistad con Millie, otra de sus empleadas. Millie se cree muy popular y sofisticada; pero en realidad es una desgraciada a la que todo el mundo ignora, desde sus compañeras de trabajo hasta sus vecinos.
Las dos deciden compartir piso, y hasta aquí puedo leer. Hay quien compara “3 mujeres” con “Persona” de Bergman; hay quien dice que el final se anticipa en más de dos décadas al de “Mulholland Drive” de David Lynch. Yo solo puedo deciros que, además de ser una película personalísima y diferente a todo, es impresionante: de ésas que ya empiezan de forma inmejorable y que, en vez de decaer, van creciendo más y más, para terminar dándote mucho más de lo que les pedías en principio. Eso es lo que yo entiendo por una película buena, buena de verdad. Una entre un millón.
Unas palabras sobre las protagonistas: Sissy Spacek ya había demostrado su talento en “Malas tierras” y en “Carrie”; aquí está imponente. Pero la que realmente se sale es Shelley Duvall: ese físico imposible (rozando la anorexia), esa dicción, esa cara… Es mi gran descubrimiento de los últimos meses. Una pena que solo la recordase por “El resplandor” (y encima, doblada por Verónica Forqué), un papel que, a tenor de lo visto, no es nada representativo de su talentazo.
En fin, que estáis a un clic de ver una película fantástica.
También en 1977: El engendro mecánico (Donald Cammell) Eraserhead (David Lynch) Opening night (John Cassavetes) Rabia (David Cronenberg) Jubilee (Derek Jarman) Desperate living (John Waters)
Pastoral: Morir en el campo Den-en ni shisu Shuji Terayama, 1974
De Terayama ya había visto el corto “Emperor tomato ketchup” y me había gustado, pero esta película es muchísimo mejor. Es un ataque visual en toda regla, yo creo que no había visto una película tan colorista en mucho tiempo (salvo la que da título a este blog).
A pesar de ser bastante experimental, no por ello deja de tener un argumento sólido: la historia de un quinceañero que vive en un pueblo y planea fugarse con la mujer de su vecino. Pero a mitad de la película, el director decide hacer un alto y meterse dentro de la trama para enfrentarse con su pasado (ya que la historia está basada en su juventud). Todo ello en decorados alucinantes y con personajes que parecen sacados de una película de Jodorowsky o Fellini. Música y fotografía impresionantes. Buenísima.
También en 1974: Todos nos llamamos Alí (Rainer Werner Fassbinder) Cosa de hembras (John Waters) El fantasma del paraíso (Brian de Palma) Una mujer bajo la influencia (John Cassavetes) Las altas soledades (Philippe Garrel) Sweet movie (Dusan Makavejev)
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