Las estatuas también mueren

Les Statues Meurent Aussi
Alain Resnais y Chris Marker, 1953
30 minutos

“Cuando los hombres mueren, se vuelven historia. Cuando las estatuas mueren, se vuelven arte. Esta botánica de la muerte es lo que llamamos cultura.”

Impresionante, bellísima colaboración entre unos primerizos Resnais y Marker fechada en 1953, cuando la nouvelle vague no era siquiera un esbozo; muchos años antes de “Hiroshima, mon amour” o de “La jetée”.

El texto, magnífico, de Marker comienza como un estudio sobre el arte primitivo africano, ilustrado por preciosas estatuas del Museo del Hombre (París), el British Museum (Londres) o el Museo del Congo Belga (Bruselas). La hermosura de las imágenes y el beligerante texto que carga contra el paternalismo con el que Occidente contempla este arte se combinan de forma tan efectiva como arrolladora.

“El arte negro. Lo miramos como si su razón de existir fuera el placer que nos da. La intenciones del negro que lo creó, las emociones del negro que lo mira, todo eso nos es ajeno”.

Me maravilla la forma en que Marker describe la degradación de estos objetos religiosos o fúnebres, que la demanda del mercado termina convirtiendo en baratijas fabricadas a gran escala:

“Se fabrican réplicas cada vez más degradadas de las hermosas imágenes inventadas por la cultura africana. (...) En el país donde cada forma tenía un significado, donde la gracia de una curva era una declaración de amor al mundo, uno se acostumbra al arte del bazar. Las joyas falsas que los exploradores ofrecían a los salvajes para satisfacerlos terminan siendo devueltas a nosotros por los negros. La belleza particular del arte negro es reemplazada por una fealdad general. Un arte donde los objetos se vuelven decorativos, un arte cosmopolita, un arte del florero, del pisa-papeles.”

El arte le sirve a Marker de hilo conductor para terminar atacando con saña el colonialismo europeo, tema supongo que muy arriesgado para la época y por el que esta película estuvo prohibida en Francia durante los diez años siguientes a su realización.

El único defecto que le encuentro a “Las estatuas también mueren” es que en ocasiones intenta contar y enseñar demasiadas cosas al mismo tiempo, con un ritmo que me resulta un poco acelerado. No es un gran problema; más bien es la excusa perfecta para revisitar esta obra maestra una y otra vez.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés)

subtítulos en castellano

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Cerca de Orouët

Du côté d'Orouët
Jacques Rozier, 1973
150 minutos

Once largos años transcurrieron entre "Adiós, filipinas", el primer largometraje de Jacques Rozier, y el segundo, “Cerca de Orouët”. Una larga espera, en la que Rozier se dedicó a trabajar para la televisión o a dirigir cortometrajes como “Paparazzi” o “Bardot et Godard”, ambos realizados durante el rodaje de “El desprecio” de Jean-Luc Godard.

Seguramente el fracaso comercial de “Adiós, filipinas” tuvo mucho que ver en este impasse. O puede que Rozier se viese obligado a esperar hasta que se diesen las condiciones adecuadas para rodar una película tan poco comercial como “Cerca de Orouët”. Curiosamente, no es una película difícil por oscura sino por todo lo contrario: es tan transparente, tan aparentemente sencilla, que termina resultando complicada.

Como en “Adiós, filipinas”, las protagonistas son chicas jóvenes, en este caso tres amigas que deciden pasar juntas unos días de septiembre en un pueblo de la costa francesa. Allí las acompañaremos mientras comen crepes, toman el sol, nadan, van en barco o montan a caballo, todo ello sin parar de reír ni un instante. No hay más argumento, los personajes no experimentan ningún tipo de evolución ni ocurre nada extraordinario que trastoque la quietud de las vacaciones. Todo se cuenta de forma tan diáfana que por momentos creemos estar viendo una home movie (técnicamente impecable) rodada por unos familiares durante el verano pasado. Las interpretaciones también rebosan naturalidad: las actrices no parecen estar actuando, y digo esto como el mejor de los cumplidos.

El mayor pero que se le puede poner a “Cerca de Orouët” es su duración: la combinación entre ese ritmo tan pausado y sus dos horas y media de metraje puede poner a prueba nuestra paciencia por momentos. Pero cuando se acerca el final y las chicas comienzan a hacer las maletas y a cerrar las ventanas de la casa, la sensación de fin del verano (aunque en realidad estemos en pleno invierno) y de despedida es tremendamente real. De pronto nos damos cuenta de que no vamos a volver a ver a nuestras risueñas amigas, y entonces todo cobra sentido.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés con subtítulos en inglés; el archivo es incompatible con los reproductores de sobremesa, o al menos con el mío)

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Las playas de Agnès

Les plages d'Agnès
Agnès Varda, 2008
110 minutos

Conocer a Agnès Varda es amarla. En su última película, la grand-mère de la nouvelle vague hace balance y recuerda su vida de forma encantadoramente desordenada, desde el humor y la ternura. Una vida fascinante y viajera, de Los Ángeles a La Habana, con escalas en Chris Marker, Alexander Calder, Jane Birkin, Andy Warhol, Jim Morrison, Harrison Ford o Delphine Seyrig, con el desaparecido Jacques Demy como compañero de viaje en gran parte del trayecto.

Chapeau a esa forma tan única de mezclar documental y ficción, a ese talento para hablar todo el tiempo de sí misma y no resultar odiosa sino adorable. Muchas imágenes de sus obras, muchos regresos a los escenarios y protagonistas de sus películas. Una perfecta introducción a su filmografía y un repaso a una vida extraordinaria, todo eso y mucho, muchísimo más. Emotiva, emocionante, maravillosa Agnès Varda.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Philippe Garrel, retrato de un artista

Philippe Garrel, Portrait d'un artiste
Françoise Etchegaray, 1998
48 minutos

En esta entrevista para televisión de la serie “Cinema de notre temps”, Philippe Garrel habla de su trayectoria, de los motivos que le impulsan a dirigir películas, de los numerosos contratiempos que se ha encontrado para sacarlas adelante, de su relación con sus musas Nico y Jean Seberg (en concreto, del rodaje de “Las altas soledades”)... Me esperaba a un Garrel engolado e ininteligible, pero es justo lo contrario: se muestra muy humilde y se explica con claridad. La charla se ilustra con muchas imágenes de sus películas: atención a las deslumbrantes imágenes de “Athanor”, film muy difícil de encontrar. Además, los subtítulos en español son impecables. Un documental imprescindible para los fans de Garrel y una estupenda introducción para el que sienta curiosidad pero todavía no se haya atrevido con uno de los realizadores más personales e insobornablemente independientes del siglo XX.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Adiós, filipinas

Adieu Philippine
Jacques Rozier, 1962
106 minutos

Llevaba muchos años detrás de “Adiós, filipinas”. Me la perdí en la estupenda y extensísima retrospectiva de la nouvelle vague que la Filmoteca y el Festival de cine de Gijón prepararon hace unos años (¡era imposible verlo todo, aunque lo intenté!). Había leído mucho sobre ella, porque no hay artículo o libro sobre el cine francés de los sesenta que no la coloque entre las mejores de su época. Pero no había forma de encontrarla por emule. Y al fin ha aparecido una copia tomada de un pase televisivo, con sus correspondientes subtítulos (de momento, solo en inglés). La copia no es de alta calidad: ojalá alguien ripee el DVD francés que se publicó hace un par de años, pero de momento aquí la tenemos. Por fin.

Rozier no tuvo suerte con su debut: “Adiós, filipinas” fue tal fracaso de taquilla que su director tardó más de una década en firmar su segundo largo, "Cerca de Orouët". Y hasta cierto punto es lógico que pasase desapercibida en un momento en el que cine francés no dejaba de entregarnos obras maestras, sorprendentes e inmaculadas como “El año pasado en Marienbad” (Resnais), “Vivir su vida” (Godard), “Cleo de 5 a 7” (Varda), “Jules y Jim” (Truffaut)... A su lado, la cinta de Rozier se queda un poco pequeña. Pero también se merece todos los halagos que ha recibido de la crítica.

El argumento: Michel, un joven cámara de televisión, pasa sus últimos días antes de que le llamen a filas (la guerra de Argelia, tema candente en la época: también aparece en “El soldadito” de Godard y en la ya mentada “Cleo”) tonteando con sus amigas Juliette y Liliane, sin acabar de decidirse por ninguna. La acción comienza en la ciudad, entre platós, salones de baile y cafeterías, para trasladarse a las playas de Córcega, donde los tres amigos deciden tomarse unas vacaciones.

Los actores son amateurs, el montaje es un poco atropellado, algunos tiempos muertos son ligeramente plomizos... Pero sí, “Adiós, filipinas” tiene algo especial: el contraste entre la intrascendencia de su historia y el sombrío futuro que espera a Michel a la vuelta de sus vacaciones, la frescura y timidez con que se retrata la sensualidad adolescente de sus personajes... Mejor me paro aquí. Acabo de recordar unas notas de Truffaut sobre la película que describen todo esto tan bien que casi mejor callarse:

“La nouvelle vague debería existir aunque solo fuera por esto: para poder filmar a personajes de quince o veinte años con un diferencia de solo diez años, justo la necesaria para distanciarse sin perder de vista el tono adecuado. ’Adiós, filipinas’ tiene algo de genial en el equilibrio entre la insignificancia de los acontecimientos filmados y la densa realidad, lo que confiere a la película un interés que basta para apasionarnos.”

Y yo, con mi simpleza habitual, concluyo: es muy bonita.




Elink (versión original en francés)

subtítulos en inglés

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Alto, bajo y frágil

Alto, bajo y frágil
Haut bas fragile
Jacques Rivette, 1995

De nuevo Jacques Rivette en Sedmikrasky; sí, el de las películas de tres horas o más. Esta vez con una de sus mejores obras, inédita en DVD en España.

El creador de Celine y Julie se vuelve a lucir con sus retratos femeninos: una bibliotecaria obsesionada con una canción que le recuerda a los padres que no conoció, una rica heredera que se recupera de un coma de cinco años y una repartidora de paquetes muy bailona y muy amiga de lo ajeno. Personajes que, más que demodé, resultan casi extraterrestres (chicas jóvenes que no tienen televisor en casa; prefieren... ir a clubs de bailes de salón) pero, quizás por ello, son de lo más arrebatador.

También hay documentos comprometedores, timbas clandestinas, guardaespaldas torpes y enamoradizos y mucha música, la principal novedad de “Alto, bajo y frágil”: en determinados momentos, los protagonistas se ponen a cantar y a bailar. Pero no es una película musical, de la misma forma que “Pierrot el loco” no es una road-movie (por cierto, Anna Karina tiene un papelito aquí). Es tan solo un delicioso ingrediente más. En fin, que las tres horas pasan volando.

El único problema que le encuentro a “Alto, bajo y frágil” (y a casi todo lo que he visto de este director) es que, tras esas -dichosas- tres horas de intrigas, enredos y personajes encantadores, el regreso a la rutina puede hacerse un poquito duro. Dan ganas de quedarse a vivir dentro de las películas de Rivette.

Elink (versión original en francés)

subtítulos (impecables) en español

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La inmortal

La inmortal
L’immortelle
Alain Robbe-Grillet, 1963

"La inmortal" (¡qué título tan bonito!) fue el debut de Robbe-Grillet como director, dos años después de haber escrito el guión de “El año pasado en Marienbad” de Alan Resnais. Como todo lo de Robbe-Grillet (lo que he visto; poco), un elegante trampantojo en el que nunca sabemos dónde termina lo vivido y dónde empieza lo soñado. Un exquisito catálogo de espejismos ambientado en Estambul e inmejorablemente descrito en la sinopsis oficial: “Un hombre triste conoce a una bella y enigmática mujer que puede estar implicada en una red de trata de blancas… o no”.

La copia no es muy buena, y no hay subtítulos en español. De nuevo tendréis que decidir entre verla así, o esperar a… a no sé muy bien qué, las películas de Robbe-Grillet son difíciles de conseguir hasta en Francia. Esperemos que, con motivo de su reciente fallecimiento, las cosas cambien.

Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés incrustados)

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Alain Robbe-Grillet

Alain Robbe-Grillet
1922-2008
obituario
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el edén y después

Las buenas mujeres

Las buenas mujeres
Les bonnes femmes
Claude Chabrol, 1960

“Las buenas mujeres” no es uno de los títulos más conocidos de Chabrol. Tampoco me atrevería a decir que es de los más redondos (como “El carnicero” o “La ceremonia”, que cuentan con un acabado muy superior). Es una película un tanto torpe e indecisa, en la que no queda del todo claro qué es lo que se quiere contar, a qué género pertenece o quién es el personaje principal. Pero quizás esa indefinición la convierte en algo muy especial, que brilla con luz propia entre todo el material rodado por Chabrol y por sus compañeros de la nouvelle vague.

Sin duda, gran parte de la magia de esta cinta reside en sus protagonistas, cuatro chicas que se aburren mortalmente en su trabajo: una tienda de electrodomésticos en la que no entra ni un solo cliente durante toda la película. Jane (Bernadette Lafont, uno de los tres fascinantes vértices de “La mamá y la puta” de Jean Eustache) se pasa las noches de juerga y buena parte de su jornada laboral dormida sobre un mostrador. Ginette (Stéphane Audran, futura mujer del director y protagonista de sus películas más famosas) es una chica misteriosa que oculta un secreto a sus amigas. Rita (Lucile Saint-Simon) tiene un novio de familia un tanto snob, y Jacqueline (Clotilde Joano) es un frágil personajillo que se ha enamorado de un hombre que todas las tardes pasa por delante de la tienda montado en su moto.

Chabrol retrata con su cámara a las cuatro heroínas –en el trabajo, la piscina, el zoo, el teatro- con un distanciamiento más propio de un documental, sin dejar que ninguna destaque en exceso por encima de las demás. Todo transcurre de forma apacible y anodina, pero hay pequeños detalles (el siniestro "fetiche" de la cajera de la tienda, la música inquietante) que van enturbiando la trama poco a poco...



Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés)

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Jean-Claude Brialy

Jean-Claude Brialy
1933-2007

obituario

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Godard, je vous chante

En las películas de Godard se baila y se canta. ¿Quién dijo que era aburrido?


Anna Karina en "Une femme est une femme"


Anna Karina: "Jamais je ne t'ai dit que je t'aimerai toujours"
(Pierrot el loco)


Marianne Faithfull: "As tears go by"
(Made in USA)


Anna Karina & Jean-Paul Belmondo: "Ma ligne de chance"
(Pierrot el loco)

Piel de asno

Piel de asno
Peau d'âne
Jacques Demy, 1970

El cuento clásico de Charles Perrault, llevado a la gran pantalla por Jacques Demy con la sobriedad y sencillez que le caracteriza. Es broma, claro. Sobredosis de colorinchis total, aunque esta vez la ocasión lo merece; para algo se trata de un cuento con princesas, castillos, brujas que escupen ranas y hadas madrinas que... viajan en helicóptero.

Tampoco pueden faltar las canciones de Michel Legrand, responsable también de la banda sonora de los dos éxitos anteriores de Demy, “Los paraguas de Cherburgo” y “Las señoritas de Rochefort”.

Yo no soy un gran fan de Demy, ni de los cuentos de hadas. Pero ¿puede resistirse alguien a ver a Catherine Deneuve haciendo de princesita desterrada? ¿O a Jean Marais (el inolvidable “Orfeo” de Cocteau) interpretando a un rey medieval? ¿O a Delphine Seyrig (protagonista de “El año pasado en Marienbad”, y dueña de una de las voces más hipnóticas de la historia del séptimo arte) dando vida a un hada madrina modernísima ella?

En fin, una película muy bonita para toda la familia. Cuando colgué esta secuencia solo había subtítulos en inglés, pero he actualizado la entrada para incluir una nueva versión dual francés/castellano con subtítulos en nuestro idioma.



Elink (versión dual francés/castellano)

subtítulos en español

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Céline y Julie van en barco

Céline y Julie van en barco
Céline et Julie vont en bateau
Jacques Rivette, 1974

Preciosa película de Rivette, y uno de sus mayores éxitos. Por fin disponible en la mula, grabada de un pase del estupendo canal Cinematk, que también ha proyectado otros títulos de Rivette como París nos pertenece o La religiosa.

Es un poco complicado hablar de ella o explicar su argumento. Todo comienza cuando la bibliotecaria Julie está leyendo un libro de magia en un banco del parque. Entonces aparece Céline apresurada, dejando a su paso un rastro de fulares y pañuelos; Julie, intrigada, comienza a seguir a Céline como Alicia seguía al conejo blanco.

De hecho, toda la película tiene un aire de cuento infantil protagonizado por adultos, algo que me recordó un poco al Arrebato de Iván Zulueta o a mis queridas Margaritas (que por cierto, también está pasando Cinematk este mes). El subtítulo de la película (“Phantom Ladies over Paris”) ya da una idea del carácter onírico y mágico de la cinta: como un cuento de hadas, pero filmado con una falta de efectismos propia de Eric Rohmer.

Las dos protagonistas se pasan toda la película viviendo antiaventuras aparentemente intrigantes pero que no conducen a nada; se suplantan la una a la otra (Céline se presenta como Julie a una cita con un novio de la infancia de la segunda; por su parte, Julie sustituye a Céline en el número de magia que la segunda realiza en un cabaret) o son testigos (por medio de unos “caramelos” alucinógenos) de una misteriosa escena que se desarrolla en un antiguo caserón, escena en la que uno de los personajes aparece en ocasiones con el rostro de Julie, otras con el de Céline; finalmente, por medio de una “pócima de los recuerdos”, consiguen entrar en la escena ficticia y rescatar a una de sus protagonistas.

Las dos protagonistas son geniales, sobre todo la guapísima Juliet Berto, que aparece en varias películas de Godard(La chinoise, Weekend).

A pesar de sus tres horas de duración (típico de Rivette), “Céline y Julie van en barco” es una película muy entretenida y especial, a veces pedante, a veces ingenua, otras veces un completo disparate, un recuerdo de una época y de una forma de hacer cine que se han ido para siempre.

elink cd1, elink cd2 (versión original en francés con subtítulos en castellano).


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Una mujer casada

Una mujer casada
Une femme mariée
Jean-Luc Godard, 1964

Quizás sea la película menos conocida de la etapa clásica de Godard; empequeñecida ante maravillas como “Banda aparte” o “Pierrot el loco”; pero no deja de ser estupenda.

Es el Godard que todos conocemos (los que lo conocemos): el de los planos preciosistas (cortesía de Raoul Coutard) que tienen entidad propia por sí solos (muchos podrían ser una portada de un disco o un anuncio), el de la música que solo suena cuando tiene que sonar (cuando menos te lo esperas); el de los rótulos, los chistes malos, las citas literarias, las canciones ye-yés que se alternan con disquisiciones sobre los temas más eruditos; el de los rótulos pop y los titulares de periódicos; el de los momentos tediosos (en esta ocasión, casi ninguno) y los divertidos; el de las chicas lánguidas de voz susurrante. Esta vez no es Anna Karina sino Macha Méril, que también ha trabajado con Fassbinder (“La ruleta china”) o Agnès Varda (“Sin techo ni ley”).

Cuando veo películas así, me doy cuenta de lo poco cinéfilo que soy. De que el 98% de las películas que existen no me interesan absolutamente nada. Y de que, más que gustarme el cine, a mí lo que me gusta es Godard (que además, para el 98% de la población, es el anticine por excelencia). Pues eso, muerte al cine.




Actualización: incluyo subtítulos en español, que no estaban disponibles cuando escribí la entrada y colgué el youtube.

Elink (versión original en francés), subtítulos en español

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Cine de verano

El trabajo, el calor, las terrazas madrileñas, el Orgullo, la vagancia, la nintendo DS... no me han dejado mucho tiempo para ver películas. Ahí van unas reseñitas breves de lo poco que ha caído (sin elinks, sin youtube y sin nada, que me tengo que ir enseguida).

El signo de Leo (1959). La primera película de Eric Rohmer. Fue un completo fracaso y el pobre Rohmer tardó casi una década en estrenar su siguiente largo, "La coleccionista". Cuenta la historia de un violinista a punto de recibir una herencia multimillonaria, pero que por avatares del destino (o de los astros, como sugiere el título) acaba literalmente en la calle, bajo el sol abrasador del París veraniego. Esta OK, pero -a diferencia de sus amigos nuevaoleros- Rohmer mejoró mucho con el tiempo, y mis favoritas suyas son más bien de los ochenta.

Desayuno en Plutón (Neil Jordan, 2005). ¡Sí, una película actual! No estoy seguro pero creo que aún no la han estrenado en España. Va sobre un travesti en el Londres de los 70, mezclando todo el rato el I.R.A y el glam-rock. Está bastante bien y el protagonista se sale.

El hombre de la cámara (Dziga Vertog, 1929). Una maravilla total. Pero soy incapaz de describirla. No tiene argumento, tampoco es un documental. Son imágenes, imágenes, imágenes (en movimiento)... de fábricas de tabaco, de carruajes, de mujeres, de hombres, de ricos, de pobres, alegres, tristes, en la ciudad, en la playa... a un ritmo trepidante y con muchos momentos impagables.

Todo está en la mula, of course.

Vive la Varda!!!

La Filmoteca de Madrid dedica este mes un ciclo a Agnes Varda, directora francesa muy querida en este blog.

El ciclo es muy completo, un repaso bastante exhaustivo a la carrera de la Varda, que incluye varios títulos fundamentales y otros que rara vez se proyectan o que no están publicados en DVD.

Aquí van unas líneas poco académicas (¡pero muy sentidas!) sobre algunas de las películas del ciclo, organizadas en grupos:

Las que recomiendo:

Cleo de 5 a 7 (1961). Su película más famosa, y una de las cumbres de la nouvelle vague. Para mí, a la misma altura que “Al final de la escapada” o “Los 400 golpes”, o incluso puede que más alto aún. Dos horas en la vida de una cantante pop, a la espera de un diagnóstico médico crucial.

La felicidad (1965). La historia de un hombre convencido de que mantener dos relaciones paralelas puede ser algo llevadero. Una película francamente bonita.

Los espigadores y la espigadora (2000). Documental sobre personas que se dedican a recoger cosas de la calle o del campo, y que montan su vida en torno a esta acción. Puesto así no suena muy estimulante, lo sé. Pero la Varda puede convertir algo tan poco atractivo en un ejercicio de poesía muy conmovedor, en especial cuando la propia directora/narradora compara a estos coleccionistas de objetos perdidos con su propia carrera como cineasta, cuando reflexiona sobre el paso del tiempo o cuando nos enseña una patata con forma de corazón. Para mí gusto, de las cosas más preciosas que he visto en cine en los últimos años. En la proyección estará presente la Varda, y luego habrá un coloquio con ella.

- Daguerréotypes (1975) Documental sobre los establecimientos y el vecindario de la calle de la Varda. Es mucho más sencillo que “Los espigadores”, por momentos aburre un poco, pero tiene sus momentos. En especial, el retrato de una pareja de ancianitos que tienen una perfumería artesanal, entre lo conmovedor y lo tristísimo.

Las que quiero ver:

- La pointe courte (1958). Su primera película, y una de las precursoras de la nouvelle vague (Godard, Truffaut y demás estrenarían sus primeros largos un año más tarde).

- Las criaturas (1966). Con Michel Piccoli y Catherine Deneuve. “Una doble vida: la vida de una pareja y el nacimiento de una novela”.

- Lions’ love (1969). Una semana en la vida de Viva, una de las superstars de Warhol. Por ahí la ponen fatal pero… el reparto se las trae: Viva, Jim Morrison, Eddie Constantine (¡Lemmy!), el director Peter Bogdanovich (The last picture show)…

- Jane B. por Agnes V (1987) Documental/ficción sobre Jane Birkin. ¡Mmmmm!

Las que he visto, no me gustaron y no recomiendo, hala:

- Sin techo ni ley (1985). Una de sus películas más exitosas, pero a mí no me gustó nada de nada. Es la historia de una vagabunda que aparece muerta en el campo, y los recuerdos de la gente que la conoció. El problema es que la vagabunda era una pesada.

- Kung-fu Master (1987). El romance entre una mujer cuarentona (Jane Birkin again) y un niño pequeño (interpretado por el hijo de la Varda). No es que esté mal… pero a mí me dejó bastante indiferente.

- Una canta, la otra no (1977). La historia de dos chicas que se conocen en la adolescencia, y el distinto devenir de cada una de ellas. Una forma un grupo de folk hippie feminista, de ahí el título. Me resultó un poco pesadita.

Y ponen muchas más películas y documentales. Recordad que por el precio de ver “Xmen 3” podéis ver unas cinco joyitas de la Varda, y luego quedaréis como unos reyes ante vuestras amistades.

Las señoritas de Rochefort

Las señoritas de Rochefort
Les demoiselles de Rochefort
Jacques Demy, 1967

Jacques Demy no es un director por el que tenga gran aprecio. Su debut, “Lola”, debe ser la película más sosa y sin sustancia de la era nouvelle vague, aunque si es tan fallida seguramente se debe a que en principio Demy la había concebido como un musical a todo color; problemas de presupuesto la acabaron convirtiendo en un film sin canciones y en blanco y negro.

Demy se resarció de estas carencias en su siguiente largo, “Los paraguas de Cherburgo”. Por fin un musical a color, y tanto: el abuso de los tonos pastel es tan exagerada que llega a espantar un poco; y la música de Michel Legrand bordea siempre la frontera entre lo bonito y lo hipercursi. La idea original sonaba bien: un musical en el que absolutamente todos los diálogos son cantados. Pero el resultado, superada la sorpresa inicial, resulta un tanto… estomagante.

“Las señoritas de Rochefort” transita por caminos muy parecidos pero es bastante más digerible: se incluyen números musicales propiamente dichos, no meros diálogos cantados, y se hace más hincapié en las coreografías: todo el mundo va por Rochefort bailando y brincando, y todos visten de naranja, rosa o azul chillón.


A mí, que soy un rancio, me acaba cansando tanto algodón de azúcar y tanto parabapapá, pero hay que reconocer el valor de “Las señoritas…” como homenaje/parodia a los clásicos musicales de Hollywood (colaboración de Gene Kelly incluido) y que tiene momentos realmente bonitos (junto a otros de ponerse colorado de la vergüenza). Y además, es una de las pocas oportunidades de ver a Catherine Deneuve junto a su hermana Françoise Dorleac (que falleció al año siguiente en un accidente de circulación), todo el rato cantando y bailando… Bueno, no cantan ellas, claro.

Actualización: una entrada llena de errores, corregidos en los comentarios. ¡Gracias!



Elink cd1 Elink cd2 (versión original en francés), subtítulos en español

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También en 1967:
Dos en la carretera (Stanley Donen)
Weekend (Jean-Luc Godard)
Mouchette (Robert Bresson)
El baile de los bomberos (Milos Forman)

El pequeño salvaje

El pequeño salvaje
L’enfant sauvage
François Truffaut, 1970

Puede que, de todo el paquete de la nouvelle vague, Truffaut sea el cineasta con un estilo menos definido, más convencional. Más… “normal”, vaya. Para colmo, antes de ponerse tras la cámara se dedicaba a sentar cátedra desde “Les cahiers du cinema”, estableciendo una serie de reglas a la hora de hacer cine y cargando con crueldad contra los directores pre-nueva ola que las incumplían; las mismas reglas que el François director se apresuró en incumplir ya en sus primeras películas.

No solo hacía las películas más “normales”, también era el más “normal”. Al contrario que sus compañeros de viaje, siempre ocultos tras un velo de intelectualidad y distanciamiento, Truffaut se mostraba como un personaje accesible, cuyos devaneos amorosos (muy abundantes; nada extraño, porque estaba de muy buen ver) eran carne de la prensa del cuore de la época, y que incluso se permitió algo tan poco elitista como hacer de actor en una película de Steven Spielberg (“Encuentros en la tercera fase”), para pasmo y desespero de Godard, que llegó a decir de él que “no sabe hacer películas”.

Puede que Truffaut careciese de la capacidad del mentado Godard para hacer saltar por los aires –de forma genial- los convencionalismos del cine. Pero nos dejó una filmografía tan variada como genial: “Los 400 golpes”, “La noche americana” o la que nos ocupa son tres muestras de que fue uno de los creadores más sobresalientes del siglo pasado.

“El pequeño salvaje” es una de sus obras más conocidas. La historia –ambientada en el siglo XVII- de un doctor, interpretado por el propio Truffaut, y su reto de educar a un niño encontrado en el bosque en un estado de salvajismo total. Una historia tan, tan bonita que incluso a mí, que odio a los niños y carezco de sentimientos, me emociona cosa mala. En especial en escenas como ésta que os youtubeo y que espero que también os emocione a vosotros, lectores míos.



Elink (versión original en francés), subtítulos en español

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Tambíen en 1970:
El carnicero (Claude Chabrol)
Los dioses de la peste (Rainer Werner Fassbinder)
Valerie y la semana de los milagros (Jaromil Jires)
Multiple maniacs (John Waters)
Los asesinos de la luna de miel (Leonard Kastle)

Jeanne Moreau

Jeanne Moreau está viva, está en Madrid, y hoy la he visto.

Lo de que está viva viene a cuento porque, en mi ignorancia, pensaba que llevaba años muerta (en "Querelle", de hace más de dos décadas, está mayorcísima!!!).

Pero no. Hoy, en el instituto francés de Madrid, dentro de un ciclo sobre Marguerite Duras se proyectaba "Nathalie Granger", y la Moreau ejercía de anfitriona del acto.

Para la edad que tiene, me pareció que estaba jovencísima y lucidísima.

La película, dentro del estilo "más seco que la mojama" de la Duras, pues regular (la Moreau compartía protagonismo con Lucía Bosé, casualidades de la vida).
Me gustó muchísimo más "India Song", vista hace meses en la Casa Encendida.

Pero el hecho de que, casi sin previo aviso -no me entero de nada- haga acto de presencia una de mia actrices favoritas, pues no tiene precio.

La mujer del aviador

La mujer del aviador
La femme de l’aviateur
Eric Rohmer, 1981

Otro cuadro costumbrista y plácido de Rohmer. Como ya he comentado otras veces, en ocasiones (“Pauline”, “La coleccionista”) Rohmer me carga un pelín. Pero cuando las situaciones son creíbles y los personajes se dejan querer por el espectador (por mí, para ser más precisos), es toda una delicia ver una película suya. Y es el caso de “La mujer del aviador”. Creo que es una de las más bonitas que he visto suyas, junto con “El rayo verde” o “El amor después del mediodía”.

La protagonista femenina es Marie Rivière (protagonista también de “El rayo…” o “Cuento de otoño”), un chico llamado Philippe Marlaud (que, desgracias de la vida, murió poco después del rodaje, en un incendio) y el actor alemán Matthiew Carrière, que siendo solo un adolescente protagonizó una de mis películas favoritas, “El joven Törless”, de Volker Schlöndorff. Todos están estupendos, sin estridencias ni sobreactuaciones. En eso (y en nada más) Rohmer me recuerda un poco a Fassbinder.

Yo suelo estar en contra del doblaje; pero el caso de Rohmer me parece ya el colmo. Los doblajes de sus películas están tan mal hechos (con esas voces de locutoras de Cuarenta Principales aburridas de la vida) que es como ver otra película; una mucho peor.

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