El hombre que miente

L'homme qui ment
Alain Robbe-Grillet, 1968
95 minutos

Seguimos con los aniversarios, aunque esta vez por pura casualidad. Hace unos días se cumplían dos años de la muerte de Alain Robbe-Grillet. Por desgracia, conseguir en DVD gran parte de su obra sigue siendo tan complicado como entonces. Y no me refiero únicamente a España o a Estados Unidos: en Amazon France, una búsqueda con su nombre apenas devuelve una edición americana de “La bella cautiva”. Lástima que los franceses, tan dados a mimar lo suyo, tengan tan olvidado al Robbe-Grillet cineasta.

La película comienza con el protagonista, un elegantemente trajeado Jean-Louis Trintignant, corriendo por un bosque para escapar de los disparos de unos soldados. Se presenta como “Boris, aunque normalmente me llaman Jean, y otras El ucraniano”. Y quizás no era un bosque, sino un campo cercano a un pueblo. ¿O era una ciudad? Ya desde el primer momento sospechamos que todo lo que se nos cuenta puede ser falso. Llegados a un punto, el narrador se detendrá y volverá a empezar su relato pero cambiando algún dato fundamental: una persona, un lugar, una fecha; y así una y otra vez hasta que no le creamos una sola palabra. ¿Es tan importante la verdad o está sobrevalorada en el marco de la ficción? Este dilema me recuerda al culebrón literario de la semana, sobre los peligros de combinar periodismo y ficción, realidad y fantasía.

Vi por primera vez esta película en el ciclo que la Filmoteca de Madrid dedicó a Robbe-Grillet con motivo de su muerte, y entonces me gustó mucho. Ayer, al repasarla para escribir estas líneas, no me causó tan buena impresión: la encontré un poco más afectada de la cuenta. Me sobraron esas escenas de erotismo light con un punto de sadismo (¿o machismo?), tan características del director pero un poco gratuitas. Aunque el balance final es bueno: es un Robbe-Grillet al cien por cien, enrevesado e inteligente, misterioso y muy original.

Los enlaces de descarga incluyen subtítulos en inglés, que son los que recomiendo. También he añadido unos en español, voluntariosos aunque con muchos errores de aficionado (he corregido algunos). Insisto en que aprecio mucho el esfuerzo de los que subtitulan películas por amor al arte, pero un poquito de rigor y de cuidado en el acabado final tampoco está de más. Ojalá se valorase más la calidad de los subtítulos, aunque creo que pasa todo lo contrario: cada vez es más habitual que estén fatal traducidos y cada vez nos importa menos.



enlaces de descarga aquí (versión original en francés, incluye subtítulos en inglés)

subtítulos en castellano

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Las estatuas también mueren

Les Statues Meurent Aussi
Alain Resnais y Chris Marker, 1953
30 minutos

“Cuando los hombres mueren, se vuelven historia. Cuando las estatuas mueren, se vuelven arte. Esta botánica de la muerte es lo que llamamos cultura.”

Impresionante, bellísima colaboración entre unos primerizos Resnais y Marker fechada en 1953, cuando la nouvelle vague no era siquiera un esbozo; muchos años antes de “Hiroshima, mon amour” o de “La jetée”.

El texto, magnífico, de Marker comienza como un estudio sobre el arte primitivo africano, ilustrado por preciosas estatuas del Museo del Hombre (París), el British Museum (Londres) o el Museo del Congo Belga (Bruselas). La hermosura de las imágenes y el beligerante texto que carga contra el paternalismo con el que Occidente contempla este arte se combinan de forma tan efectiva como arrolladora.

“El arte negro. Lo miramos como si su razón de existir fuera el placer que nos da. La intenciones del negro que lo creó, las emociones del negro que lo mira, todo eso nos es ajeno”.

Me maravilla la forma en que Marker describe la degradación de estos objetos religiosos o fúnebres, que la demanda del mercado termina convirtiendo en baratijas fabricadas a gran escala:

“Se fabrican réplicas cada vez más degradadas de las hermosas imágenes inventadas por la cultura africana. (...) En el país donde cada forma tenía un significado, donde la gracia de una curva era una declaración de amor al mundo, uno se acostumbra al arte del bazar. Las joyas falsas que los exploradores ofrecían a los salvajes para satisfacerlos terminan siendo devueltas a nosotros por los negros. La belleza particular del arte negro es reemplazada por una fealdad general. Un arte donde los objetos se vuelven decorativos, un arte cosmopolita, un arte del florero, del pisa-papeles.”

El arte le sirve a Marker de hilo conductor para terminar atacando con saña el colonialismo europeo, tema supongo que muy arriesgado para la época y por el que esta película estuvo prohibida en Francia durante los diez años siguientes a su realización.

El único defecto que le encuentro a “Las estatuas también mueren” es que en ocasiones intenta contar y enseñar demasiadas cosas al mismo tiempo, con un ritmo que me resulta un poco acelerado. No es un gran problema; más bien es la excusa perfecta para revisitar esta obra maestra una y otra vez.

enlaces de descarga aquí (versión original en francés)

subtítulos en castellano

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El sanatorio de la clepsidra

Sanatorium pod klepsydra
Wojciech Has, 1973
124 minutos

Volvemos a Polonia. De Wojciech Has intenté ver hace tiempo su “Manuscrito encontrado en Zaragoza”, pero sus tres horas de metraje fueron más fuertes que yo. Tampoco es que “El sanatorio de la clepsidra” sea plato de fácil digestión; de hecho, diría que es una de las películas más extrañas que he visto nunca.

Está inspirada en el relato del mismo título del también polaco Bruno Schulz, en el que un hombre llamado Józef (interpretado por Jan Nowicki, protagonista también de “La barrera” de Jerzy Skolimowski), acude a una misteriosa clínica a visitar a su moribundo padre. La clínica resulta ser un mausoleo gótico cubierto de telarañas, en un aparente estado de abandono total. El director del centro revela sus métodos médicos a Jósef: ha conseguido “ralentizar el tiempo” para así alargar artificialmente la vida de sus pacientes. Y a partir de ese momento comienza una larga serie de imágenes oníricas en las que Jósef revive momentos clave de su pasado y se reencuentra con su padre y con distintos personajes históricos en distintos escenarios comunicados entre sí por sinuosos y estrechos túneles.


Insisto en que “El sanatorio de la clepsidra” es una película complicada, y en varios momentos estuve tentado de dejar de verla y pasar a otra cosa. Pero a la vez tiene algo muy seductor; probablemente sus imágenes rebosantes de color e imaginación, a la altura del Fellini más disparatado, fueron lo que me mantuvo pegado a la pantalla hasta el final. Aunque en varios momentos no entendiese demasiado bien su alambicada trama.

Espero que esta reseña un tanto tibia no os eche atrás y os animéis a ver esta película. Yo tengo claro que algún día le daré otra oportunidad, porque creo que tengo la sensación de haberme quedado en su superficie y que esconde mucho más de lo que he podido apreciar y disfrutar.

enlaces de descarga aquí (versión original en polaco con subtítulos en castellano y otros idiomas)

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Sangre sabia

Wise blood
John Huston, 1979
108 minutos

Adaptación cinematográfica de la novela más famosa de Flannery O’Connor, dirigida por John Huston. Aunque en esta ocasión firma como Jhon: para darle un toque infantil a los créditos de la cinta, se decidió que fuese un niño de verdad el que los crease y se conservó la errata para que no perdiesen autenticidad.

De una novela excelente no siempre surge una película excelente. Por ejemplo, me viene a la mente “El mago” de Guy Green: un reparto de lo más interesante -Michael Caine, Anthony Quinn, Candice Bergen y Anna Karina- pero una versión un tanto aguada de la misteriosa novela de John Fowles.

Me esperaba algo parecido de “Sangre sabia”, que en su día fue un fracaso de taquilla y suele aparecer entre la lista de obras “malditas” de Huston. Pero nunca hay que fiarse de las apariencias: es una película estupenda. Por algo el autor de “El tesoro de Sierra Madre” o “La reina de África” la incluía entre sus favoritas.

Huston recrea con precisión esa América profunda de la novela: toda una galería de fanáticos religiosos, estafadores y tarados, en la que hasta el más disparatado de los personajes acaba resultando simpático gracias al cariño que su autora ponía en todas sus criaturas. En eso me recuerda un poco a John Waters (gran admirador de O’Connor), que siempre retrata a sus monstruos con más ternura que desprecio.

Un personaje tan excéntrico y alucinado como el predicador Hazel Motes requería un actor excepcional, y Brad Dourif da la talla en todo momento. Increíble que Dourif no sea más conocido; trágico que su trabajo más famoso sea... poner voz a Chucky , el muñeco asesino.

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés con subtítulos en castellano)

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Josef Kilián

Postava k podpírání
Pavel Jurácek y Jan Schmidt, 1963
38 minutos

O “Estructura hecha para ser sostenida”. Un relato breve y kafkiano (el título es un guiño al Josef K de “El proceso”), sobre un personaje atrapado en una desesperante trama a causa de algo tan inofensivo y cotidiano como un gato... de alquiler.

Una crítica elegante pero feroz a la burocracia y al ambiente opresivo y asfixiante (¡esa ventana vallada!) de los regímenes comunistas; sorprende que Jurácek (guionista de "Las margaritas") y Schmidt obtuvieran permiso en su día para rodar “Josef Kilián”. Y también sorprende que hoy en día sea tan desconocida y que no esté publicada en DVD.

enlaces de descarga aquí (versión original en checo)

subtítulos en castellano

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Madre Juana de los Ángeles

Matka Joanna od Aniolów
Jerzy Kawalerowicz, 1961
110 minutos

Otra joya del cine polaco de los sesenta. Parece ser que se basa en hechos reales que tuvieron lugar en el siglo XVII: un clérigo viaja hasta un apartado convento para exorcizar a las monjas que lo habitan. Tarea ardua e incluso peligrosa: el último sacerdote que intentó llevarla a cabo terminó en la hoguera, acusado de brujería por las mismas religiosas. Una de ellas, Madre Juana, es la que padece el cuadro más agudo de posesión: nada menos que ocho demonios se han adueñado de ella.

“Madre Juana de los Ángeles” podría parecer el extremo opuesto de “El exorcista” de William Friedkin. En muchos aspectos lo es, aunque lo cierto es que cuenta una historia muy parecida. Pero evidentemente el tono de esta cinta es mucho más contemplativo y serio, por no hablar de su impecable estética, con esas escenas en las que los hábitos blancos de las monjas resaltan poderosamente sobre los grisáceos escenarios para crear impresionantes contrastes. También son muy destacables las interpretaciones de la pareja protagonista, con esa nada disimulada tensión sexual que se crea entre ambos. Como dato curioso, Ken Russell se inspiraría en los mismos hechos para rodar años después “Los demonios”. “Madre Juana de los Ángeles” obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1961.

http://www.fileserve.com/file/WHkBjd7/Mother Joan of the Angels.part1.rar
http://www.fileserve.com/file/3PsjVX4/Mother Joan of the Angels.part2.rar
http://www.fileserve.com/file/Bs7THSM/Mother Joan of the Angels.part3.rar
http://www.fileserve.com/file/eaZFpEw/Mother Joan of the Angels.part4.rar

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Confidencias

Gruppo di famiglia in un interno/Conversation Piece
Luchino Visconti, 1974
120 minutos

No soy un apasionado de Visconti. Vi no hace demasiado tiempo dos de sus películas más famosas, “La caída de los dioses” y “Rocco y sus hermanos” y me gustaron, pero no me dejaron mucha huella. Hasta el punto de que casi dudaría de que las he visto sino fuera porque tengo ambas en DVD. Me vienen recuerdos de algún lejanísimo pase televisivo de “Muerte en Venecia”; tendría que repescarla. La que me encanta es “Bellísima”: Anna Magnani removiendo cielo y tierra para convertir a su hija en niña prodigio. Maravillosa.

“Confidencias” fue la penúltima película de Visconti. Dos años antes, mientras rodaba “Ludwig”, sufrió un ataque al corazón que lo dejó postrado en una silla de ruedas hasta su muerte, pocos años después. Quizás por ello, “Confidencias” deja un regusto triste, a despedida.

Un apacible coleccionista de arte se ve prácticamente obligado a alquilar el lujoso piso de arriba de su mansión a una familia de indeseables, capitaneada por una histérica marquesa y su apuesto (pero no menos histérico) gigoló. Dos mundos se estrellan: uno culto y exquisito, en vías de extinción; el otro zafio y vulgar, arrasando con todo lo que se encuentra a su paso.

Los papeles del coleccionista y la marquesa estaban destinados a Laurence Olivier y Audrey Hepburn, pero finalmente se los agenciaron Burt Lancaster y Silvana Mangano. Afortunadamente, porque ambos están esplendorosos.

"Confidencias" es mucho más conocida que las películas que suelen aparecer en este blog. Pero, por alguna razón, no es nada fácil de encontrar en internet, en buena calidad, en su versión original (en inglés, no en italiano) y con subtítulos en español. Aquí está. Disfrutadla, que es una joya.

enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Deep End (Zona profunda)

Deep End
Jerzy Skolimowski, 1971
88 minutos

Por fin podemos tacharla de la lista de películas imposibles de conseguir. Parece ser que "Deep End" no se ha publicado nunca en DVD (algo ciertamente extraño), pero sí que se pasa regularmente por las televisiones de algunos países. Y gracias a un telespectador italiano podemos disfrutar de esta maravillosa película; no es la mejor copia posible (la calidad de la imagen es simplemente aceptable, la mosca de la RAI incordia un poco y además lleva subtítulos italianos incrustados), pero creo que esta es la mejor versión que circula por Internet a fecha de hoy.

Por alguna razón asocio esta película a "If" de Lindsay Anderson, quizás porque muchos años después de haber visto ambas en televisión, todavía recordaba sus escenas más impactantes. En el caso de "Deep End", el paseo nocturno del protagonista por las calles de Londres al son del "Mother sky" del grupo alemán Can (en la banda sonora también hay canciones de Cat Stevens), el accidentado viaje en metro o el maravilloso final de la piscina. Escenas clave del cine más pop de los sesenta, algo que también emparenta esta película con "Blow up". Aunque "Deep End" es muchísimo más accesible y diáfana que el clásico de Antonioni, y tampoco le busca los cinco pies al gato como hacía "La barrera", otra obra anterior de Skolimowski que reseñamos hace bien poco.

Eso sí, conserva toda esa magia y excentricidad tan propias de los cines del este, a pesar de estar rodada en Londres y con actores ingleses: la estupenda pareja formada por Jane Asher (ex-novia de Paul MacCartney; más pop no se puede ser) y el teenager John Moulder-Brown (poco antes había protagonizado... "La residencia" de Narciso Ibáñez-Serrador).

Sin más, os invito a disfrutar de esta auténtica joya del cine europeo de los 60-70, un clásico pop que no puede caer en el olvido.



película en descarga directa (versión original en inglés con subtítulos en italiano)

subtítulos en español

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Withnail y yo

Withnail and I
Bruce Robinson, 1987
107 minutos

No recuerdo cómo llegué hasta esta película, pero estoy encantado de haberlo hecho. En Inglaterra está considerada obra de culto (triunfa especialmente entre los estudiantes) y en España parece que también tiene sus fans, aunque sospecho que es bastante más desconocida.

Antes de ponerse detrás de la cámara, Robinson comenzó su carrera como actor. Terminó dejándolo, harto de penurias económicas y papeles de poca monta, aunque muy mal tampoco le fue: llegó a protagonizar "El diario íntimo de Adele H." de Truffaut (¡y “Los viajes escolares” de Jaime Chávarri!). Posteriormente comenzó a escribir guiones y triunfó con el de “Los gritos del silencio”. Y finalmente, en 1987 se animó a dirigir esta maravilla.

Robinson rebusca en sus recuerdos para llevarnos al Londres de finales de los 60 y presentarnos a Withnail y a Marwood, dos actores en paro que (sobre)viven en un insalubre cuchitril de Candem. Withnail es un tipo engolado y de verbo florido, muy seguro de su talento, bastante intratable pero indudablemente simpático. Marwood (alter ego del propio Robinson) es su contrapunto: mucho más inseguro, nervioso y guapo.

Monty, adinerado tío de Withnail, les prestará su casa en la campiña de Cumbria para que les dé un poco el aire; pero la casa está muy lejos de ser una mansión, y las relaciones de los recién llegados con sus nuevos vecinos tampoco van a ser muy satisfactorias. Las cosas empeorarán cuando el propio Monty haga acto de presencia para dedicarse a tirarle los tejos a Marwood. Por lo visto, Franco Zefirelli sometió a un acoso parecido a Robinson durante el rodaje de “Romeo y Julieta” y de ahí sacó la inspiración (y frases tan gloriosas como "¿Eres una piedra o una esponja?").

Todo está contado con un sentido del humor delirante e histérico pero sin perder jamás la elegancia. El guión es maravilloso y está lleno de momentos desternillantes, tanto como el estreno real de la película: la primera proyección fue acogida con un silencio de lo más gélido y descorazonador. Afortunadamente, el público se componía exclusivamente de turistas alemanes que se alojaban en un hotel cercano al cine y que no entendieron nada de los diálogos. “Withnail y yo” terminaría siendo considerada una de las mejores comedias británicas de todos los tiempos; méritos no le faltan.

Cambios importantes en este blog: la mula se jubila.
Me resistía a incluir enlaces de descarga directa porque suelen caducar demasiado rápido, pero también es cierto que ya no tiene ningún sentido esperar días (o semanas, en el caso de las películas con menos fuentes) para descargar algo que hoy por hoy puede obtenerse en pocas horas por medio de rapidshares y similares (el descubrimiento del maravilloso Jdownloader también ha pesado en esta decisión). Para rematar, he encontrado varios blogs y foros de descarga directa rebosantes de joyas imposibles de localizar en emule. Así que, por fin, este blog se moderniza. Espero que el cambio sea para bien, ya me contaréis.

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subtítulos en español

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Alice o la última fuga

Alice ou la dernière fugue
Claude Chabrol, 1977
93 minutos

Un pequeño homenaje al recientemente desaparecido Claude Chabrol por medio de una de sus películas menos conocidas y más alejadas de su estilo habitual, pero no por ello menos brillante. Aquí no hay crímenes pasionales ni crueles retratos de la clase alta francesa. Es más bien una antiaventura experimental que parece tener a Lewis Carroll como punto de partida, y que persigue un objetivo cercano al del cine y las novelas de Alain Robbe-Grillet.

Una avería obliga a Alice a interrumpir su viaje y hacer noche en una misteriosa mansión campestre, habitada por unos misteriosos personajes a los que no se puede hacer preguntas. Poco a poco, Alice irá descubriendo que la casa es más bien una cárcel en la que el tiempo se ha detenido. ¿O quizás es que se ha adentrado en una dimensión paralela? ¿O puede que...?

Para reforzar aún más la singularidad de la cinta, su protagonista es Sylvia Kristel: una estrella del cine erótico en pleno auge gracias a la saga “Emmanuelle”. “Alice” no llega a revelar del todo si Kristel era buena actriz o no porque su personaje no requería un gran despliegue interpretativo (la película se apoya más en los ambientes que en los diálogos), pero deja claro que vestida también podía enamorar a la cámara.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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El rojo en los labios

Les lèvres rouges
(estrenada en España como "Criaturas de la noche")
Harry Kümel, 1971
100 minutos

Qué bien pintaba sobre el papel: ¡Delphine Seyrig dando vida a Elizabeth Báthory! Sí, la legendaria condesa húngara que se bañaba en sangre de virginales jóvenes para conservar su belleza, interpretada por la estrella más glamurosa y seductora que produjo la nouvelle vague, con el permiso de Stéphane Audran.

Para colmo, las reseñas eran de lo más entusiastas, insistiendo siempre en la elegante factura de la película: ¡nada que ver con las vulgares vampiresas serie Z de Jess Franco! Que si estaba mucho más cercana al arte y ensayo que al terror propiamente dicho, que si la escenografía estaba tan cuidada que casi se daba un aire a “El año pasado en Marienbad”...

Pero las reseñas no hablaban (bueno, sí lo hacían pero yo me empeñaba en hacer caso omiso) de un reparto calamitoso: la acartonada pareja protagonista se hace odiar desde el minuto uno, hasta el punto que todas sus desgracias terminan pareciéndonos pocas. Tampoco ayuda un guión a rebosar de momentos incoherentes y absurdos, con algunas de las muertes más estúpidas de la historia del celuloide.

Lo que es innegable es que Delphine Seyrig está impresionante. Levanta ella sola la película, hasta el punto que cada vez que está fuera de plano, todo se viene abajo de forma estrepitosa. Pero cuando la cámara la enfoca, realmente está tan radiante y seductora como imaginamos a su personaje. Especialmente memorables son sus escenas con Andrea Rau, una belleza procedente del porno con un estilo de actuación más bien... robótico, pero que casa a la perfección con su papel y su físico.

Curiosidades, cortesía de la imdb: Harry Kumel quería darle el papel protagonista a Malcolm McDowell, después de haberlo visto brillar en “If”. Malcolm le tiró, literalmente, el guión a la cara por encontrarlo excesivamente zafio. No le faltaba razón, aunque el actor británico protagonizaría años más tarde “Calígula” de Tinto Brass, que no suele figurar entre las películas más elegantes de la historia.

Delphine Seyrig también se mostraba reticente a participar; fue el director Alain Resnais, gran amante de las novelas gráficas, quien la animó a aceptar el papel. Y creo haber leído que años más tarde los dos coincidían en calificar a “El rojo en los labios” como la mejor interpretación de Delphine. Podría ser. Su magnética actuación casi hace olvidar el desastre casi absoluto que la rodea.

Elink (versión original en inglés)

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Un hombre que duerme

Un homme qui dort
Bernard Queysanne, 1974
93 minutos

Esta adaptación cinematográfica de la novela de Georges Perec no llega al extremismo (maravilloso extremismo, por otra parte) de “India Song” de Marguerite Duras, pero se podría afirmar que es más una novela filmada que una película propiamente dicha. Una voz femenina (curiosamente, la narradora de la versión para angloparlantes es nuestra musa Shelley Duvall) va relatando situaciones en segunda persona, y las imágenes las van ilustrando de forma precisa. No hay diálogos porque solo hay un personaje: un joven que un buen día decide romper con todos sus compromisos sociales para dedicar todo su tiempo a tumbarse en su cama o a deambular por las calles vacías durante un asfixiante agosto parisino. Alguien que parece sumiso en una profunda depresión pero que, en cierta forma, se siente a gusto tras liberarse de obligaciones y lastres.

Podrían ser los ingredientes perfectos para una película árida y hermética. Pero la alianza texto e imágenes de “Un hombre que duerme” fluye con agilidad y consigue intrigar desde el minuto uno, creando un clima gradual de desasosiego intenso y claustrofóbico; por momentos parece más propio de un thriller o una película de terror. Una película estupenda, aunque mejor no verla si se tiene un mal día.



Elink (versión original en inglés)

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Willard (La revolución de las ratas)

Willard
Daniel Mann, 1971
95 minutos

El gesto más antisocial posible: preferir la compañía de ratas antes que la de tus semejantes. Eso le pasa al joven Willard. Cuando su agobiante madre (Elsa Lanchester: ¡la novia de Frankenstein!) o su insoportable jefe (Ernest Borgnine, haciendo de villanísimo) le dan un respiro, Willard se refugia en el sótano de su mansión victoriana para jugar con un ratón blanco llamado Ben. Pronto van llegando más y más amigos roedores, a los que Willard intenta enseñar pequeños trucos y que le serán de gran ayuda para soportar las adversidades que le depara el destino...

Una serie B con pocas pretensiones pero bien escrita e interpretada, de tono más amable que terrorífico, aunque al final la cosa se pone un poco angustiosa. Supongo que tendría cierto éxito porque se rodó una secuela titulada “Ben”; el tema principal lo cantaba Michael Jackson y es bastante conocido... ¡aunque casi nadie sabe que está dirigido a una rata asesina!



Elink (versión original en inglés)

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La evasión

Le trou
Jacques Becker, 1960
113 minutos

No entra dentro de la categoría de “otras películas”, porque hay consenso sobre ella: a todos les parece una obra maestra. La última creación de Jacques Becker, cineasta perteneciente a aquella generación pre-nouvelle vague tan denostada por Truffaut y compañía. Aunque me cuesta trabajo creer que no se rindiesen ante algo tan estilizado y bressoniano como “La evasión”.

Actores no profesionales (algunos guapísimos, como Philippe Leroy), ausencia total de música, fotografía en blanco y negro impecable, dos claustrofóbicas y apasionantes horas para relatar una fuga elaboradísima y meticulosa (o cómo rodar cinco minutos de dos hombres picando una pared y que no resulte aburrido), la aventura de cinco fugitivos construyendo paso a paso un castillo de naipes que en cualquier momento se puede desmoronar. Una de las mejores películas de los sesenta.

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Elink cd2

(versión original en francés)

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Las playas de Agnès

Les plages d'Agnès
Agnès Varda, 2008
110 minutos

Conocer a Agnès Varda es amarla. En su última película, la grand-mère de la nouvelle vague hace balance y recuerda su vida de forma encantadoramente desordenada, desde el humor y la ternura. Una vida fascinante y viajera, de Los Ángeles a La Habana, con escalas en Chris Marker, Alexander Calder, Jane Birkin, Andy Warhol, Jim Morrison, Harrison Ford o Delphine Seyrig, con el desaparecido Jacques Demy como compañero de viaje en gran parte del trayecto.

Chapeau a esa forma tan única de mezclar documental y ficción, a ese talento para hablar todo el tiempo de sí misma y no resultar odiosa sino adorable. Muchas imágenes de sus obras, muchos regresos a los escenarios y protagonistas de sus películas. Una perfecta introducción a su filmografía y un repaso a una vida extraordinaria, todo eso y mucho, muchísimo más. Emotiva, emocionante, maravillosa Agnès Varda.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Philippe Garrel, retrato de un artista

Philippe Garrel, Portrait d'un artiste
Françoise Etchegaray, 1998
48 minutos

En esta entrevista para televisión de la serie “Cinema de notre temps”, Philippe Garrel habla de su trayectoria, de los motivos que le impulsan a dirigir películas, de los numerosos contratiempos que se ha encontrado para sacarlas adelante, de su relación con sus musas Nico y Jean Seberg (en concreto, del rodaje de “Las altas soledades”)... Me esperaba a un Garrel engolado e ininteligible, pero es justo lo contrario: se muestra muy humilde y se explica con claridad. La charla se ilustra con muchas imágenes de sus películas: atención a las deslumbrantes imágenes de “Athanor”, film muy difícil de encontrar. Además, los subtítulos en español son impecables. Un documental imprescindible para los fans de Garrel y una estupenda introducción para el que sienta curiosidad pero todavía no se haya atrevido con uno de los realizadores más personales e insobornablemente independientes del siglo XX.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Toda la banda está aquí

The gang's all here
Busby Berkeley, 1943
103 minutos

Otra colección de impactantes y maravillosos números musicales de Busby Berkeley: de ésos que comienzan tímidamente en un pequeño escenario y van creciendo en tamaño e ingenio (creando formas geométricas con los cuerpos de cientos de chicas y todo tipo de recursos visuales) hasta convertirse en algo tan desmesurado que ni el teatro más gigantesco del mundo podría albergarlos.

En esta ocasión, el mismo Berkeley no se limitó a crear las coreografías y también figura como director. El guión -sin ser un derroche de imaginación- tiene varios momentos de lo más divertido, y los actores (especialmente la surreal Carmen Miranda y la estupenda Charlotte Greenwood) están fenomenales. Aunque no pueden hacerle sombra a los auténticos protagonistas: delirios caleidoscópicos como “La dama del sombrero tutti-frutti”, esta vez en rabioso tecnicolor.



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subtítulos en español

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Grey Gardens

Albert Maysles, David Maysles, 1975
100 minutos

En 1974, los hermanos Albert y David Maysles planeaban rodar un documental sobre Lee Radziwill, hermana de Jacqueline Kennedy. Pero en su camino se cruzaron otros dos miembros del rutilante clan: Edith Bouvier y su hija Edith (Little Edie). Los Maysles quedaron tan fascinados con la historia y la excentricidad de las Bouvier que finalmente fueron ellas las protagonistas de su siguiente proyecto.

Edith Bouvier, tía de Jacqueline, era una aristócrata que terminó abandonada por su marido y perdiendo toda su fortuna; tan solo conservó Grey Gardens, su impresionante mansión de 28 habitaciones de East Hampton (Long Island, Nueva York). Su hija, la pequeña Edie, lo tenía todo para convertirse en modelo o estrella de cine, o al menos para cazar un marido de la alta sociedad, pero optó por quedarse en Grey Gardens cuidando de su madre... para reprochárselo el resto de su vida.

En el momento de rodar el documental, las Bouvier vivían casi en la miseria y a la casa poco le quedaba de fastuosa: estaba en tal estado de abandono que las autoridades de East Hampton amenazaron con expulsar a las Bouvier de Grey Gardens. Pero madre e hija consiguieron sobrevivir en un entorno irreal, completamente aisladas del mundo exterior y con la única compañía de sus gatos, varios mapaches salvajes y las esporádicas visitas de un joven e imposible vecino, bautizado por Little Edie como “El fauno de mármol” (como la novela de Nathaniel Hawthorne).

Los Maysles lo tenían fácil para crear una obra maestra: no había más que encender la cámara y dejar que las Bouvier se pusiesen a rememorar la carrera de cantante de la madre, a rebuscar en sus álbumes de fotos o a discutir sobre los motivos por los que la hija seguía soltera; todo ello interrumpiéndose constantemente, en muchos casos sin escucharse entre ellas. Son dos personajes congelados en el tiempo (Edie llega a confesar que no tiene reloj y nunca sabe qué hora es), maravillosamente anacrónicos y exhibicionistas. Dos seres tan interesantes y mágicos que siguen enamorando a nuevas generaciones varias décadas después: en los últimos años se ha rodado un remake (¡sí, un remake de un documental!) con Jessica Lange y Drew Barrymore como protagonistas, los Maysles han publicado una colección de descartes de la primera versión, ¡e incluso se hizo un musical de Broadway sobre las Bouvier! A buen seguro que, de seguir en este mundo (Edith falleció pocos años después del estreno de "Grey Gardens"; Little Edie lo haría en 2002), madre e hija estarían encantadas de ser el centro de tanta atención.





Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Érase una vez un mirlo cantor

Iko shashvi mgalobeli
Otar Iosseliani, 1970
85 minutos

Gia Agladze toca los timbales en una orquesta, pero tiene la fastidiosa manía de llegar tarde a ensayos y conciertos: ¡siempre aparece escasos segundos antes de su intervención! Gia se niega a estar esperando sin hacer nada, sentado entre el resto de músicos, a que llegue el momento de aporrear los parches: prefiere invertir este tiempo en ligar con chicas que se encuentra por la calle, aunque tampoco es que en este campo las cosas le vayan especialmente bien.

Mentiría si dijese que me vuelve loco esta película de Otar Iosseliani, director ruso posteriormente afincado en Francia: es simpática, bonita, entretenida, con ese encanto propio de los cines del este de los sesenta y setenta. Pero quizás le falte algo de substancia, y su final deja un regusto moralista que echa un poco por tierra su frescura inicial. Los subtítulos están bien traducidos pero (como ocurre con muchas películas checoslovacas o rusas) solo recogen un 70% de los diálogos y dejan sin traducir las frases menos relevantes para la trama. Algo que molesta pero que no impide seguir la película perfectamente.

Elink (versión original en ruso)

subtítulos en español

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El espantapájaros

The Scarecrow
Jerry Schatzberg, 1973
112 minutos

Jerry Schatzberg dirige a Gene Hackman y a Al Pacino (con el que ya había trabajado en la también recomendable “Pánico en Needle Park”) en otro ejemplo de la libertad con la que se movían algunos directores americanos por el mainstream de los setenta.

Dos personajes se conocen haciendo autostop en mitad de una carretera desierta y polvorienta: uno acaba de salir de la prisión de San Quintín, le gusta meterse en peleas y llevar capas y capas de ropa para protegerse del frío. El otro es un ingenuo marinero que quiere viajar a Detroit para reunirse con su mujer, a la que abandonó cinco años antes cuando ésta estaba a punto de dar a luz. Deciden viajar juntos para visitar a sus familias y montar un taller de autolavado.

“El espantapájaros” tiene algo (o mucho) de “Cowboy de medianoche”: la amistad entre dos seres antagónicos y solitarios que se apoyan el uno en el otro para sobrevivir a un entorno hostil, mientras va desfilando ante nuestros ojos una entrañable colección de personajes estupendamente interpretados. Una película extraña que sorprende, desconcierta, conmueve y finalmente entusiasma, todo en uno.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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