El hombre que miente

L'homme qui ment
Alain Robbe-Grillet, 1968
95 minutos

Seguimos con los aniversarios, aunque esta vez por pura casualidad. Hace unos días se cumplían dos años de la muerte de Alain Robbe-Grillet. Por desgracia, conseguir en DVD gran parte de su obra sigue siendo tan complicado como entonces. Y no me refiero únicamente a España o a Estados Unidos: en Amazon France, una búsqueda con su nombre apenas devuelve una edición americana de “La bella cautiva”. Lástima que los franceses, tan dados a mimar lo suyo, tengan tan olvidado al Robbe-Grillet cineasta.

La película comienza con el protagonista, un elegantemente trajeado Jean-Louis Trintignant, corriendo por un bosque para escapar de los disparos de unos soldados. Se presenta como “Boris, aunque normalmente me llaman Jean, y otras El ucraniano”. Y quizás no era un bosque, sino un campo cercano a un pueblo. ¿O era una ciudad? Ya desde el primer momento sospechamos que todo lo que se nos cuenta puede ser falso. Llegados a un punto, el narrador se detendrá y volverá a empezar su relato pero cambiando algún dato fundamental: una persona, un lugar, una fecha; y así una y otra vez hasta que no le creamos una sola palabra. ¿Es tan importante la verdad o está sobrevalorada en el marco de la ficción? Este dilema me recuerda al culebrón literario de la semana, sobre los peligros de combinar periodismo y ficción, realidad y fantasía.

Vi por primera vez esta película en el ciclo que la Filmoteca de Madrid dedicó a Robbe-Grillet con motivo de su muerte, y entonces me gustó mucho. Ayer, al repasarla para escribir estas líneas, no me causó tan buena impresión: la encontré un poco más afectada de la cuenta. Me sobraron esas escenas de erotismo light con un punto de sadismo (¿o machismo?), tan características del director pero un poco gratuitas. Aunque el balance final es bueno: es un Robbe-Grillet al cien por cien, enrevesado e inteligente, misterioso y muy original.

Los enlaces de descarga incluyen subtítulos en inglés, que son los que recomiendo. También he añadido unos en español, voluntariosos aunque con muchos errores de aficionado (he corregido algunos). Insisto en que aprecio mucho el esfuerzo de los que subtitulan películas por amor al arte, pero un poquito de rigor y de cuidado en el acabado final tampoco está de más. Ojalá se valorase más la calidad de los subtítulos, aunque creo que pasa todo lo contrario: cada vez es más habitual que estén fatal traducidos y cada vez nos importa menos.



enlaces de descarga aquí (versión original en francés, incluye subtítulos en inglés)

subtítulos en castellano

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Madre Juana de los Ángeles

Matka Joanna od Aniolów
Jerzy Kawalerowicz, 1961
110 minutos

Otra joya del cine polaco de los sesenta. Parece ser que se basa en hechos reales que tuvieron lugar en el siglo XVII: un clérigo viaja hasta un apartado convento para exorcizar a las monjas que lo habitan. Tarea ardua e incluso peligrosa: el último sacerdote que intentó llevarla a cabo terminó en la hoguera, acusado de brujería por las mismas religiosas. Una de ellas, Madre Juana, es la que padece el cuadro más agudo de posesión: nada menos que ocho demonios se han adueñado de ella.

“Madre Juana de los Ángeles” podría parecer el extremo opuesto de “El exorcista” de William Friedkin. En muchos aspectos lo es, aunque lo cierto es que cuenta una historia muy parecida. Pero evidentemente el tono de esta cinta es mucho más contemplativo y serio, por no hablar de su impecable estética, con esas escenas en las que los hábitos blancos de las monjas resaltan poderosamente sobre los grisáceos escenarios para crear impresionantes contrastes. También son muy destacables las interpretaciones de la pareja protagonista, con esa nada disimulada tensión sexual que se crea entre ambos. Como dato curioso, Ken Russell se inspiraría en los mismos hechos para rodar años después “Los demonios”. “Madre Juana de los Ángeles” obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1961.

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subtítulos en español

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Todo a la venta

Wszystko na sprzedaz
Andrzej Wajda, 1969
105 minutos

En nuestro periplo por los cines del este, antes o después teníamos que encontrarnos con el polaco Andrzej Wajda.

Había que escoger una película de su extensa filmografía como punto de partida. Lo lógico sería empezar por “Cenizas y diamantes” o “El hombre de mármol”, sus películas más conocidas. O por “Katyn”, una de sus últimas y más premiadas obras.

Pero este blog se rige por el azar (o el capricho) antes que por la lógica.

Así que la elegida fue “Todo a la venta”. ¿Por qué? El argumento parecía interesante. El cine dentro del cine, como en “Atención a esa prostituta tan querida” de Fassbinder, o “La noche americana” de Truffaut (o “El desprecio” de Godard, sí; pero esta no me gusta). Un actor que se ausenta de un rodaje. Dos mujeres que lo buscan. La frontera entre la realidad y el cine, lo natural y lo artificioso, y -una vez que se descubre el destino del actor- el homenaje sincero o la explotación pura y dura.

Una de esas películas que abre puertas: en este caso, no solo a otras obras de Wajda (que a buen seguro pronto se volverá a pasar por sedmikrásky) sino también a otro artista que desconocía: Andrzej Wrobelwski, malogrado pintor polaco que perdió la vida con tan solo 30 años.

El paquete incluye subtítulos en varios idiomas, incluido el español. Pero estos últimos parecen redactados por un robot polaco. Si podéis, usad los ingleses.

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(vía Cinema of the World)

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Los mártires del amor

Mucedníci lásky
Jan Nemec, 1967
71 minutos

Gracias al hallazgo de blogs como Cinema of the World (¡impresionante!), sedmikrásky vive una segunda juventud. Hace meses me las veía y deseaba para encontrar algo que reseñar en este blog, y de ahí su periodicidad más bien raquítica. Pero ahora es todo lo contrario: se me acumulan las películas para comentar. Me gusta escribir sobre una película justo después de verla (antes de que se me olvide todo; no tengo memoria), pero solo en esta semana he disfrutado de tantas maravillas que no sé por dónde empezar. Es un sin parar de descubrimientos, un festín de auténticas “perlitas sumergidas en el fondo del mar”, parafraseando la película colectiva en la que cinco cineastas checos ponían imágenes a sendos relatos del escritor Bohumil Hrabal.

Entre estos directores estaba Jan Nemec, el autor de “Los mártires del amor”. Hace unas semanas intenté crear una entrada sobre “Diamantes de la noche”, su primer largo. Pero cuando me enfrento a películas tan perfectas y tan emocionantes, me quedo bloqueado y soy incapaz de escribir una palabra. Me pasa con todas mis películas favoritas. Buscadla, es fácil de encontrar. Es increíble.

La carga política de su segunda obra, “La fiesta y los invitados” -prohibida “de por vida” por las autoridades soviéticas- provocó la fuga de Nemec a Estados Unidos y la interrupción durante varias décadas de su carrera como cineasta. Pero antes del exilio consiguió terminar “Los mártires del amor”, la película más ligera y divertida de su trilogía pre-Primavera de Praga. Se compone de tres historias ensoñadoras, sin apenas diálogos, con guiños tanto al cine mudo y a las primeras películas surrealistas (“Entreacto” de René Clair, por ejemplo) como a los hallazgos de sus compatriotas contemporáneos: no os perdáis el cameo, fugaz pero absolutamente adorable, de mis queridísimas musas.


“Los mártires del amor” es una delicia en blanco y negro que sin embargo derrocha color en cada fotograma. Un precioso canto a la libertad y a la imaginación, de la mano de un director que seguramente nos habría dejado muchas más obras maestras de no haberse enfrentado a circunstancias tan adversas.

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(versión original en checo)

subtítulos en inglés

(vía Cinema of the World)

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7362

7362
Pat O'Neill, 1967
10 minutos

Sombras chinescas digitales.
Fantasías caleidoscópicas de 1967, aunque parezcan mucho más recientes.

La sala de estar con cama

The Bed Sitting Room
Richard Lester, 1969
90 minutos

Otra película imposible de conseguir durante mucho tiempo. Sigue siendo difícil encontrarla en internet en buena calidad y con subtítulos, pero se acaba de publicar en DVD en España. El director es Richard Lester, famoso por las películas de los Beatles y varias entregas de la saga Superman, pero que yo siempre recordaré por la loquísima “El knack y cómo conseguirlo”.

Estamos en la ciudad de Londres, o más bien lo poco que ha quedado de ella tras la tercera guerra mundial y la bomba atómica. Aunque los supervivientes jamás pronuncian las palabras “bomba” o “guerra”: como son tan ingleses, prefieren expresiones más elegantes como “desgraciado incidente” o “malentendido”.

Para sobrevivir, nada mejor que el humor más absurdo y pasado de rosca. Y eso que las consecuencias de la radiactividad no son nada divertidas. O sí: embarazos que duran años, señoras que se convierten en armarios, señores que se convierten en loros... Una fotografía realmente preciosa (¡esos apocalípticos cielos rojos!), el debut en cine de Marty Feldman (y uno de las primeros papeles de Dudley Moore) y la siempre estupenda Rita Tushingham (“El knack...”, “Un sabor a miel”). Muy recomendable aunque, lo dicho, de momento no hay enlace.

Actualización: ¡sí hay! (sin subtítulos en español)

enlaces de descarga aquí (versión original en inglés)

subtítulos en inglés

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La madriguera

Carlos Saura, 1969
77 minutos

Teresa y Pedro son un matrimonio de clase alta que vive en un ultramoderno chalet de las afueras. Aparentemente llevan una vida envidiable, pero su relación está tocando fondo y a duras penas se soportan. La única salida es interpretar papeles constantemente; volver a la infancia de Teresa, al comienzo de su noviazgo o incluso escenificar su futura separación; todo vale para combatir el aburrimiento. Pero sus teatrillos van subiendo de tono hasta que el ambiente del domicilio conyugal se vuelve del todo irrespirable.

"La madriguera" es de las películas menos recordadas de Carlos Saura, y no es casualidad. Es bastante fallida, tiene momentos realmente insoportables y ridículos, y entiendo perfectamente que Iván Zulueta la parodiase ("La marrullera") en un episodio de "Último grito".

La lástima es que podría haber sido una película estupenda. El guión, escrito entre Saura, Rafael Azcona y Geraldine Chaplin, es ambicioso pero está muy conseguido, y además es valiente: increíble que algunas de sus escenas pasasen la censura de la época. ¿Qué falla? Los actores. Al protagonista, el sueco Per Oscarsson, le han puesto el típico doblaje acartonado que te saca de la película a cada frase. Y luego está el expediente Geraldine Chaplin.

Cuando yo era pequeño, por la tele pasaban películas de Saura con cierta frecuencia. Ver a Geraldine, con ese físico, esa voz y ese acento tan distintos a los de las actrices al uso, era algo muy impactante para un niño; casi como ver a un extraterrestre. Creo que toda mi generación le tenía pavor a Geraldine, aunque muchos terminamos descubriendo lo maravillosa que es.

En este caso, Geraldine no está especialmente acertada; puede que la culpa sea también del doblaje (aunque afortunadamente, se dobla a ella misma) o simplemente no estaba a la altura de un papel tan complicado. En pocos años, Geraldine mejoraría horrores: en "Cría cuervos" (o, en un registro totalmente distinto, en "Nashville" de Robert Altman) está impecable.

Creo que "La madriguera" tiene más interés por lo que podría haber sido que por lo que es. Quizás si se hubiese rodado con otros actores y en otro país ahora estaríamos hablando de un clásico. También es interesante para imaginar cómo recibiría la España de los 60 una película tan excéntrica y poco convencional.

Elink

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La barrera

Bariera
Jerzy Skolimowski, 1966
77 minutos

Misteriosa película de Jerzy Skolimowski, uno de los nombres más importantes de la nueva ola polaca junto con Roman Polanski. Ambos colaboraron en el guión de "El cuchillo en el agua", el primer largo del segundo.

En el libreto del DVD se compara a esta película con "Las margaritas" de Vera Chytilová o "El Knack y cómo conseguirlo" de Richard Lester. Y algo hay en "La barrera" del espíritu iconoclasta y alocado de dichos filmes, tan representativos de la vertiente más surrealista de los nuevos cines de los sesenta.

Sin embargo, creo que "La barrera" se queda un peldaño por detrás de ese par de obras maestras, quizás porque me resulta demasiado críptica por momentos. Es como admirar una obra de arte visualmente muy atractiva pero a la vez incomprensible. Quizás me hacen falta más referencias para entenderla del todo, puede que el lenguaje que maneja sea menos universal que el de sus ya mencionadas coetáneas. En todo caso, mantiene en todo momento el interés gracias a sus sorprendentes giros y a sus hallazgos visuales y sonoros, como la intrigante banda sonora de Krzysztof Komeda, también habitual del Polanski de aquellos días.

Skolimowski sigue en mi lista de directores a los que tengo que investigar más. Hace años vi la interesante "El grito" (de su época estadounidense), y tengo el recuerdo de haber alucinado de pequeño con un pase televisivo de "Zona profunda", otra de sus obras más famosas.

Por una vez, no incluyo elink porque creo que esta película no está disponible en Emule (al menos con subtítulos en castellano o inglés). Pero sí se ha publicado en DVD en España, en una muy bonita edición de Notrofilms/Versus Entertainment.



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La evasión

Le trou
Jacques Becker, 1960
113 minutos

No entra dentro de la categoría de “otras películas”, porque hay consenso sobre ella: a todos les parece una obra maestra. La última creación de Jacques Becker, cineasta perteneciente a aquella generación pre-nouvelle vague tan denostada por Truffaut y compañía. Aunque me cuesta trabajo creer que no se rindiesen ante algo tan estilizado y bressoniano como “La evasión”.

Actores no profesionales (algunos guapísimos, como Philippe Leroy), ausencia total de música, fotografía en blanco y negro impecable, dos claustrofóbicas y apasionantes horas para relatar una fuga elaboradísima y meticulosa (o cómo rodar cinco minutos de dos hombres picando una pared y que no resulte aburrido), la aventura de cinco fugitivos construyendo paso a paso un castillo de naipes que en cualquier momento se puede desmoronar. Una de las mejores películas de los sesenta.

Elink cd1

Elink cd2

(versión original en francés)

subtítulos en español

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Adiós, filipinas

Adieu Philippine
Jacques Rozier, 1962
106 minutos

Llevaba muchos años detrás de “Adiós, filipinas”. Me la perdí en la estupenda y extensísima retrospectiva de la nouvelle vague que la Filmoteca y el Festival de cine de Gijón prepararon hace unos años (¡era imposible verlo todo, aunque lo intenté!). Había leído mucho sobre ella, porque no hay artículo o libro sobre el cine francés de los sesenta que no la coloque entre las mejores de su época. Pero no había forma de encontrarla por emule. Y al fin ha aparecido una copia tomada de un pase televisivo, con sus correspondientes subtítulos (de momento, solo en inglés). La copia no es de alta calidad: ojalá alguien ripee el DVD francés que se publicó hace un par de años, pero de momento aquí la tenemos. Por fin.

Rozier no tuvo suerte con su debut: “Adiós, filipinas” fue tal fracaso de taquilla que su director tardó más de una década en firmar su segundo largo, "Cerca de Orouët". Y hasta cierto punto es lógico que pasase desapercibida en un momento en el que cine francés no dejaba de entregarnos obras maestras, sorprendentes e inmaculadas como “El año pasado en Marienbad” (Resnais), “Vivir su vida” (Godard), “Cleo de 5 a 7” (Varda), “Jules y Jim” (Truffaut)... A su lado, la cinta de Rozier se queda un poco pequeña. Pero también se merece todos los halagos que ha recibido de la crítica.

El argumento: Michel, un joven cámara de televisión, pasa sus últimos días antes de que le llamen a filas (la guerra de Argelia, tema candente en la época: también aparece en “El soldadito” de Godard y en la ya mentada “Cleo”) tonteando con sus amigas Juliette y Liliane, sin acabar de decidirse por ninguna. La acción comienza en la ciudad, entre platós, salones de baile y cafeterías, para trasladarse a las playas de Córcega, donde los tres amigos deciden tomarse unas vacaciones.

Los actores son amateurs, el montaje es un poco atropellado, algunos tiempos muertos son ligeramente plomizos... Pero sí, “Adiós, filipinas” tiene algo especial: el contraste entre la intrascendencia de su historia y el sombrío futuro que espera a Michel a la vuelta de sus vacaciones, la frescura y timidez con que se retrata la sensualidad adolescente de sus personajes... Mejor me paro aquí. Acabo de recordar unas notas de Truffaut sobre la película que describen todo esto tan bien que casi mejor callarse:

“La nouvelle vague debería existir aunque solo fuera por esto: para poder filmar a personajes de quince o veinte años con un diferencia de solo diez años, justo la necesaria para distanciarse sin perder de vista el tono adecuado. ’Adiós, filipinas’ tiene algo de genial en el equilibrio entre la insignificancia de los acontecimientos filmados y la densa realidad, lo que confiere a la película un interés que basta para apasionarnos.”

Y yo, con mi simpleza habitual, concluyo: es muy bonita.




Elink (versión original en francés)

subtítulos en inglés

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A Decade Under the Influence

Ted Demme, Richard LaGravenese, 2003
138 minutos
Un documental en tres partes sobre el cine americano de los setenta, el complemento perfecto para el libro “Moteros tranquilos, toros salvajes” de Peter Biskind. Entrevistas a Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Dennis Hopper, Paul Schrader, Milos Forman, Sydney Pollack y muchos más. Toda una generación influida por el cine de autor europeo contemporáneo y por pioneros como Cassavetes (homenajeado en el título del documental), que a finales de los sesenta se esforzó por insuflar nuevos aires a un Hollywood un tanto estancado; y todo ello contando con el apoyo de los estudios y del público, cosa inaudita.

No soy un fanático de esta época (aunque me rindo ante cosas tan bonitas como “La última película” de Peter Bogdanovich) y, aunque reconozco la valentía de todos estos directores, creo que sus logros no supusieron una ruptura tan importante como, por ejemplo, la nouvelle vague con respecto a sus predecesores. Pero el documental es muy entretenido, sirve para descubrir joyitas poco conocidas u olvidadas y es un gusto ver y escuchar a gente tan interesante. Mención especial para las heroínas de la época: Ellen Burstyn, Sissy Spacek, Julie Christie o Pam Grier.

Un dato: “Tiburón” y “La guerra de las galaxias” pusieron fin a esta euforia innovadora. Los productores descubrieron que donde esté una buena película de explotación (y los pingües beneficios del merchandising correspondiente), que se quiten los experimentos. Alguien comenta: “los directores se olvidaron de crear ambientes de forma gradual y empezaron a hacer películas compuestas únicamente por momentos culminantes”. Curioso que Harmony Korine comentase recientemente que justamente eso es lo que intenta hacer con sus películas... aunque le salgan un poco diferentes a Spiderman 2.

Elink1 Elink2 Elink3 (versión original en inglés, no hay subtítulos en ningún idioma)

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El nadador

El nadador
The swimmer
Frank Perry, 1969
95 minutos

Ned Merrill aparenta tenerlo todo en la vida: una carrera exitosa en el cine y un matrimonio que es la envidia de sus adinerados vecinos. Un buen día decide recorrer todo el condado nadando por las lujosas piscinas de la zona, trazando un recorrido que finalmente lo llevará a su casa. En su camino se topará con una ex-amante despechada, varias fiestas multitudinarias en las que será recibido de distintas maneras o una antigua niñera de sus hijos. Estos encuentros van aportando piezas al puzle, y poco a poco iremos descubriendo que el presente de Merrill no es tan idílico como parecía en un principio.

Un punto de partida fascinante para una película aparentemente convencional, que comienza como un optimista canto a la vida y al “carpe diem” pero que, a medida que Merrill se acerca a su destino, se va tornando en algo bastante más lúgubre y amargo.

El protagonista es Burt Lancaster, que no me gusta especialmente pero que sin duda luce un físico envidiable para sus 53 años, algo fundamental para el papel: se pasa toda la película en bañador.

Curiosidades varias: el director, Frank Perry, también fue el responsable de esa joya kitsch llamada “Queridísima mamá”. Pero en esta ocasión abandonó el rodaje, cansado del exceso de control del estudio: la película tardó tres años en estrenarse, y fue víctima de la censura en varios países. Sidney Pollack fue el encargado de terminarla. El papel de Janice Rule era en principio para Barbara Loden (esposa de Elia Kazan y directora de la extrañísima “Wanda”) e incluso llegó a rodar la escena. Parece ser que lo hizo demasiado bien, hasta el punto de ensombrecer a Burt Lancaster, motivo por el que éste exigió que fuese sustituida por Janice Rule (la tercera en discordia en “3 mujeres”). ¡No me quiero imaginar cómo sería la interpretación de Barbara Loden, porque la de Rule es impresionante!

Elink (versión dual español/inglés)

subtítulos en español

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¿Qué fue de Tía Alice?

¿Qué fue de Tía Alice?
What Ever Happened to Aunt Alice?
Lee H. Katzin, 1969

“¿Qué fue de Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), una de las películas más terroríficas, claustrofóbicas y angustiosas de la historia, nos permitió presenciar, con todo lujo de detalles, la espectacular colisión entre dos divas del celuloide: Joan Crawford y Bette Davis, odiándose en la pantalla (casi) tanto como lo hacían fuera de ella. La película no pretendía ser más que una serie B para rescatar del olvido a las dos viejas glorias hollywoodienses, pero su éxito fue tal que pronto surgieron numerosas imitaciones. Ninguna rezumaba tanto veneno ni tanta histeria como la original, pero la mayoría resultaron ser bastante disfrutables.

El mismo Aldrich repitió la fórmula en 1964 con “Canción de cuna para un cadáver”. Otra historia tenebrosa con el tándem volcánico Davis-Crawford de protagonistas, aunque la segunda dijo “Hasta aquí hemos llegado” y fue sustituida por otra grande en decadencia: Olivia De Havilland, que ese mismo año protagonizaría la no menos siniestra “Una mujer atrapada” (Walter Grauman).

Aunque es unos años posterior, “¿Qué fue de Tía Alice?”, con Geraldine Page en el papel estelar, pertenece claramente a este género “post-Baby Jane”: el título es más que elocuente al respecto. Pero hay una gran diferencia: Davis, Crawford y De Havilland estaban finalizando sus carreras cuando se prestaron a rodar estas truculencias, mientras que a Page (bastante más joven que las ya mentadas) todavía le quedaba mucha vida cinematográfica por delante: aún estaban por llegar interpretaciones tan notables como las que nos dejó en “Septiembre” (Woody Allen) o “Regreso a Bountiful” (Peter Masterson).

No me atrevo a decir que “¿Qué fue de Tía Alice?” sea una gran película: puede que hasta resulte demasiado sosita y previsible para ser una buena obra de suspense/terror, pero la Page está colosal y aporta tensión con solo una mirada; para colmo, la réplica se la da Ruth Gordon, la “dulce” abuelita de “La semilla del diablo” o “Harold y Maude”. Solo por ver juntas a estas dos fabulosas actrices ya merece la pena.

El enlace es un dual español/inglés. Por desgracia, no hay subtítulos: creo que el DVD español no los incluye.

Elink (dual español/inglés)

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Patriotismo, rito de amor y muerte

Patriotismo, rito de amor y muerte
Yûkoku
Yukio Mishima, 1966

Cortometraje escrito, dirigido y protagonizado por el afamado escritor japonés Yukio Mishima. No dirigió nada más, aunque si protagonizó alguna que otra película como la interesante "Afraid to die" de Yasuzo Masumura.

"Patriotismo", retrato del suicidio de un militar y de su esposa siguiendo el rito del Harakiri, puede sobrecoger si pensamos que el propio Mishima se suicidaría de idéntica forma pocos años después; puede valorarse como un capricho cinematográfico de un genio de la literatura, o como una simple rareza casi imposible de encontrar, porque tras la muerte de Mishima su mujer ordenó destruir todas las copias de la película.

Pero es TAN BONITA que todo lo anterior sobra.

A la altura de "Un perro andaluz" de Luis Buñuel, "Meshes of the afternoon" de Maya Deren o "Un chant d'amour" de Jean Genet.



(el resto de la película tambíen está en youtube)

Elink (versión original muda con intertítulos en inglés)

subtítulos en español

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Música: L'Intégrale de Zouzou

L'Intégrale
Zouzou
Modelo, actriz, cantante, novia de Brian Jones de los Rolling Stones... La vida de Zouzou parece sacada de un hipotético manual de “Cómo convertirse en un icono de los sesenta” al estilo Eddie Sedgwick. Su vida está repleta de luces y sombras, de subidas y bajadas vertiginosas: pasó de ser fotografiada por Helmut Newton o Richard Avedon o de codearse con Dylan y Warhol a vender el equivalente francés de “La farola” en el metro parisino. Pero al menos consiguió sobrevivir, y en esta última década ha vuelto a la actualidad por medio de autobiografías, documentales sobre su vida y recopilaciones de sus canciones.

Seguramente el punto álgido de la carrera cinematográfica de Zouzou es “El amor después del mediodía” de Eric Rohmer, donde tiene uno de los papeles protagonistas. Pero tampoco hay que olvidar sus escarceos con el underground: fue la musa pre-Nico de Philippe Garrel (Marie pour la memoire, El lecho de la virgen, La concentración).

Zouzou también hizo sus pinitos como cantante. Creo que nunca llegó a grabar un álbum entero; tan solo una serie de EPs dispersos en los que la arroparon Jacques Dutronc y Donovan entre otros y que se recopilan en este álbum.

- el álbum en spotify

- mi canción favorita: Puisque tu es revenu



Zouzou

La inmortal

La inmortal
L’immortelle
Alain Robbe-Grillet, 1963

"La inmortal" (¡qué título tan bonito!) fue el debut de Robbe-Grillet como director, dos años después de haber escrito el guión de “El año pasado en Marienbad” de Alan Resnais. Como todo lo de Robbe-Grillet (lo que he visto; poco), un elegante trampantojo en el que nunca sabemos dónde termina lo vivido y dónde empieza lo soñado. Un exquisito catálogo de espejismos ambientado en Estambul e inmejorablemente descrito en la sinopsis oficial: “Un hombre triste conoce a una bella y enigmática mujer que puede estar implicada en una red de trata de blancas… o no”.

La copia no es muy buena, y no hay subtítulos en español. De nuevo tendréis que decidir entre verla así, o esperar a… a no sé muy bien qué, las películas de Robbe-Grillet son difíciles de conseguir hasta en Francia. Esperemos que, con motivo de su reciente fallecimiento, las cosas cambien.

Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés incrustados)

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El empleo

El empleo
Il posto
Ermanno Olmi, 1961

Un director italiano que no conocía, Ermanno Olmi, al que tengo que investigar a fondo. Un protagonista (Sandro Panseri, una suerte de Antonie Doinel con timidez crónica: encantador) que apenas volvió a asomarse a la gran pantalla. Un joven que solicita un puesto en una gran empresa. En las pruebas de selección conoce a la chica de sus sueños. Ambos son contratados, pero en distintos departamentos, y lo tendrán difícil para volver a verse. Preciosa película.



Elink (versión original en italiano)

subtítulos en español

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Nunca pasa nada

Nunca pasa nada
Juan Antonio Bardem, 1963

Una película de Juan Antonio Bardem bastante olvidada; el hecho de que no esté disponible en DVD supongo que no ayuda mucho. Cualquier bodrio español de reciente factura se puede encontrar sin problemas en tiendas y videoclubs, mientras que películas verdaderamente interesantes (y para colmo, de un director tan prestigioso dentro y fuera de nuestras fronteras como Bardem) permanecen inéditas. País.

Sorpresa: la protagonista es Corinne Marchand, la guapísima “Cleo de 5 a 7” (Agnes Varda); uno de los rostros más radiantes del cine francés. La música viene firmada por otro nombre para siempre ligado a la nouvelle vague: Georges Delerue (“El desprecio”, “Hiroshima mon amour”). El reparto se completa con grandes damas de nuestro cine (Julia Gutiérrez Caba, Maria Luisa Ponte), un actor francés (Jean-Pierre Cassel) y otro español: Antonio Casas, bastante excesivo y desafortunado; por desgracia, es el protagonista masculino.

La historia: una vedette francesa sufre un ataque de apendicitis durante un viaje y se ve obligada a pasar unos días en un tranquilo (léase aburridísimo, rancio y apolillado) pueblo castellano, en el que, como bien dice el título, “nunca pasa nada”. El comportamiento moderno y desinhibido de la bella extranjera supondrá toda una revolución en el pueblo; y es que a comienzos de los sesenta, el contraste entre las culturas española y francesa era poco menos que brutal, algo que queda plasmado en la película de forma inmejorable.

La copia de la película que ha aparecido en emule deja un poco que desear en cuanto a imagen y sonido. Pero gracias a ella podemos disfrutar de una de las mejores -pero más desconocidas-películas de Juan Antonio Bardem.

Elink
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un estudio universitario, muy interesante e informativo, que compara esta película con la obra cumbre de Bardem, “Calle Mayor”.

Happy End

Happy End
Oldrich Lipský, 1966

Un hombre se casa con una mujer. La mujer le es infiel. El hombre asesina a la mujer y a su amante. El hombre es condenado a muerte por su crimen.

A primera vista, el argumento no parece nada del otro mundo.

Pero, mmm… ¿Y si la película estuviera rodada… al revés? ¿Es decir, si el comienzo fuese el final ("konec"), y el final el comienzo? ¿Si todos los personajes caminasen al revés, y los diálogos se leyesen en sentido inverso? Sí, es una completa locura. Pero en el cine de los sesenta, todo era posible. Y más en el checoslovaco.

“Happy End” podría quedarse en tan solo una mera ocurrencia ingeniosa. Pero es que además está impecablemente realizada, cuenta con una fotografía muy llamativa en tonos sepia y con un guión excelente. Un detalle genial es que la voz en off del protagonista va narrando la historia tal y cómo la estamos viendo (a la inversa), dándole un nuevo sentido a todo. De esta forma, una boda se convierte en un divorcio, una muerte en un nacimiento, y un espectáculo de striptease en algo mucho más…experimental.

Una película muy divertida, muy inteligente, y muy cortita: poco más de una hora de duración.



Elink (versión original en checo)

subtítulos en español

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Esas mujeres

Esas mujeres
För att inte tala om alla dessa kvinnor
Ingmar Bergman, 1964

A veces se llega a una película de una forma poco convencional. En mi caso, me fijé en “Esas mujeres” a partir de un fotograma que estaba expuesto en la Filmoteca. Creo que la estaban pasando este mes, pero yo elegí (con bastante mala fortuna) “En el curso del tiempo” de Wim Wenders. Una pena, porque me habría encantado disfrutar de “Esas mujeres” en pantalla grande.

Buscando información en la imdb, me sorprende que no tiene ni una sola crítica favorable, algo bastante extraño tratándose de una obra del intocable Bergman. ¿El motivo? Que es una comedia disparatada y excéntrica; en otras palabras, el opuesto exacto de lo que uno quiere ver cuando se acerca al mundo de este cineasta. Aunque Bergman ya había demostrado en “Sonrisas de una noche de verano” que la comedia ligera no se le daba nada mal, en esta ocasión el cambio de registro fue tan exagerado que dejó estupefactos a crítica y público. Algo parecido le sucedería años más tarde a Woody Allen al abandonar su humor habitual para sacarse de la manga la sombría (y muy bergmaniana) “Interiores”; una película fantástica pero que sigue considerándose de lo peor del neoyorquino.

¿Es “Esas mujeres” una película mediocre? Si la comparamos con “Persona” (rodada un par de años después), probablemente. Pero seguro que de venir firmada por un director desconocido estaría muchísimo mejor considerada. El aspecto más destacable de la cinta es su fotografía: fue la primera película de Bergman en color, y se le saca el mayor partido posible. El resultado es todo un festín visual, elegantísimo y sorprendente. De hecho, tras verla es inevitable pensar por qué las películas de hoy en día, sean independientes o de grandes estudios, tienen unos colores tan feos.

En cuanto al humor de la cinta (con guiños al cine mudo y al slapstick), a mí me resulta bastante agradable. Comprendo que ver a Bibi Andersson y a otros habituales de Bergman corriendo alocadamente al compás de un charlestón puede ser un shock; pero una vez superado, es muy fácil dejarse llevar y disfrutar de su absurdo argumento. Y los actores están tan estupendos como en el más acongojante de los dramas.

“Esas mujeres” es una rareza, sí. Pero de las que merece la pena descubrir.



Elink (versión original en sueco)

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