Cuando pasan las cigüeñas

Cuando pasan las cigüeñas
Letjat zhuravli
Mikheil Kalatozishvili, 1957

Os confieso que esta película me echaba un poco para atrás, sobre todo por su argumento: una pareja que se ve separada por la segunda guerra mundial. La empecé a ver con un poco de desconfianza, pero a los cinco minutos ya me tenía encandilado. Es de esas películas "flechazo", que al poco de empezar ya sabes que se van a formar parte de tus favoritas.

Primero te entra por los ojos (¡para algo es una película!): cuenta con una fotografía elegantísima -cada fotograma es una maravilla en sí mismo- y una estética muy avanzada para un film de los cincuenta, sencillamente preciosa. A veces me recuerda a la Juana de Arco de Dreyer. Y en sus momentos más audaces, a los cortos experimentales de Maya Deren.

Y después está la interpretación de Tatyana Samojlova (sobre la que recae buena parte del peso de la película), fantástica en su sobriedad. Con todas las desgracias que le pasan a esta mujer, te esperas que se pase media película llorando como una magdalena; y no, da una lección colosal de contención y de elegancia, poco habituales en un melodrama "convencional", que es lo que esperaba de esta película.

En fin, que "Cuando pasan las cigüeñas" es una maravilla, una película casi perfecta. Y Mikheil Kalatozishvili, todo un descubrimiento. Además en su filmografía hay cosas que tienen muy buena pinta, así que voy a seguir investigando.

Ésta es una de las escenas cumbre de la película, uno de los momentos más bonitos que han pasado por mi televisor (no me quiero imaginar lo fuerte que tiene que ser verla en pantalla grande).



Y como (casi) siempre, el enlace. Que me viene muy bien para apuntar dos cosas más. Que a fecha de hoy esta pelicula no está publicada en DVD en España. Y que si todavía queda gente que piensa que de Internet solo puedes bajarte copias cutres en las que no se distinguen las caras de los actores y no se oye nada, no tienen más que hacer clic en el enlace para descubrir lo engañados que están.

Elink (versión original en ruso)

subtítulos en español

imdb filmaffinity

Mizoguchi y Kurosawa

Para enamorarte de algunas películas, a veces basta con ver sus créditos iniciales.

“La calle de la vergüenza”, el canto del cisne de Kenji Mizoguchi, es tan bonita que me niego a intentar escribir sobre ella (además, es un poco tarde y estoy cansado, ejem). Tan solo os invito a dejaros llevar por esa fantasmagórica música compuesta por Toshirô Mayuzumi, habitual en películas de Ozu o Imamura.



"Dodes’kaden" (1970) fue la primera incursión en el color de Akira Kurosawa, autor en el que no estoy nada puesto ("Rashomon" aparte). No se suele incluir entre las mejores películas del maestro japonés, pero a mí me ha parecido bastante bonita. Cuenta varias historias cruzadas que se desarrollan en un barrio muy pobre de Tokio. Bueno, más que un barrio es casi un basurero, tan horripilante que me recuerda un poco a “Gummo” de (San) Harmony Korine. Los créditos son perfectos en su sencillez. La música es de Tôru Takemitsu, autor también de partituras para (otro San) Hiroshi Teshigahara, como “La mujer en la arena” o “The face of another”.

El edén y después

El edén y después
L'éden et après
Alain Robbe-Grillet, 1970

Alain Robbe-Grillet es conocido sobre todo por sus novelas (formó parte de la corriente literaria "Nouveau roman", a la que también pertenecía Marguerite Duras) y por su -magistral- guión "El año pasado en Marienbad", al que puso imagénes Alan Resnais para dar forma a uno de los títulos fundamentales de la nouvelle vague. Curiosamente, la Duras firmó el guión del debut de Resnais, "Hiroshima mon amour". Ambas colaboraciones tuvieron que resultar más que satisfactorias, porque tanto Duras como Robbe-Grillet terminarían firmando sus propias películas.

La Duras optó por un estilo de una aridez bastante... salvaje, pero que podía llegar a resultar hipnótico ("India Song", "El camión"), mientras que el autor de "Marienbad" se dedicó a jugar con la frontera entre sueño-realidad, entre lo vivido y lo imaginado, tema sobre el que ya giraba su colaboración con Resnais. La sorpresa es que añadió a la receta generosas dosis de sexo y violencia, hasta el punto de que no es raro encontrar el nombre de Robbe-Grillet junto a los de Darío Argento o Jess Franco. Sorprende encontrar estos recursos en manos de Robbe-Grillet, al que -a tenor de "Marienbad"- suponía yo el colmo de la sofisticación.

Acabo de ver "El edén y después", mi primer contacto con Robbe-Grillet como director. Y por suerte, la he encontrado más cercana a "Marienbad" que a "Vampiros Lesbos". De hecho las escenas eróticas o violentas son más que esporádicas (supongo que el director se soltaría la melena en obras posteriores), y prevalece ese ambiente misterioso y enigmático, con una estética sobresaliente.

La historia nos presenta a un grupo de universitarios con vocación de perversos (pero más bien inocentones) que se reunen todas las tardes en el bar "Edén". Allí se presenta un extraño personaje, que da a probar una misteriosa droga africana a la protagonista (una guapísima Catherine Jourdan), y a partir de ese momento la línea argumental explota en mil pedazos; se suceden toda clase de secuencias oníricas, un viaje a Túnez (preciosas secuencias), una intriga en torno a un cuadro robado...

Pero, tal y como hace Rivette (aunque el estilo de Robbe-Grillet sea diametralmente opuesto), la intriga es solo una excusa para montar un castillo en el aire, al que más vale no hacer demasiadas preguntas no sea que se venga abajo al instante.

Algunos opinan que "El edén y después" es un galimatías sin pies ni cabeza, un rompecabezas al que no se puede encontrar solución porque no la tiene, un mero juego de espejos de Robbe-Grillet para hacerse el enigmático y el interesante. A mí me ha gustado, incluso entusiasmado por momentos. Me ha recordado a "La naranja mecánica", a "La cicatriz interior" (Philippe Garrel), a los comics de Guido Crepax (por esa combinación de erotismo e intelectualidad, hueca o no), y por supuesto a "El año pasado en Marienbad", sobre todo en sus primeras escenas. Suena bien, ¿verdad?

La única pega es que la película es bastante difícil de encontrar, como casi todo lo de Robbe-Grillet. Os pongo el único enlace que he encontrado en la mula, tomada de un vhs en estado decrépito y con subtítulos en inglés. Con todo, merece la pena: "El edén y después" no es algo que se vea todos los días.



Elink (versión original en francés con subtítulos en inglés incrustados)

imdb

Bergman y Antonioni, sí

Caprichos del destino. Dos genios del cine que se mueren prácticamente a la vez. Dos formas de hacer cine que en su momento se recibieron como revolucionarias pero que, siendo francos, no hay más que echar una mirada al panorama actual para ver que su herencia es prácticamente inexistente; incluso han terminado convertidos en el paradigma del “cine tostón”, ése en el que no hay persecuciones de coches ni acción de ningún tipo, solo gente que habla o peor aun: que se queda callada.

Qué tristeza al ver imágenes de sus películas en los telediarios, y pensar que ésta es la única circunstancia en la que las cadenas de televisión están dispuestas a ceder un mínimo hueco a Bergman y a Antonioni . Casi me parece ofensivo que cubran estas muertes como grandes noticias, cuando desde estos medios se está transmitiendo continuamente el mensaje "no veas este tipo de cine, que es un rollo".

Con estas dos bajas, nos quedamos un poco más huérfanos y desprotegidos frente a la mayoría de gente que solo va al cine “para desconectar” (suponiendo que estén conectados en algún momento), muy bien representada por los cronistas de cine de los periódicos. Alguno no se pudo reprimir al escribir el obituario de turno: “Bergman era un tostón pero ahora que se ha muerto a ver si le doy otra oportunidad”. Qué poco respeto y qué lamentable.

En fin, como se dice siempre en estos casos, nos quedan sus películas: Persona, La aventura, Fresas salvajes, La noche, Sonata de otoño, El desierto rojo y tantas más…

Lo único bueno que se me ocurre es que quizás esta semana alguien deje de lado por un momento sus series de usar y tirar de la Fox (plaga del siglo XXI) para ver alguna de estas maravillas.


"Persona" (Bergman)


"La aventura" (Antonioni)

Queridísima mamá

Queridísima mamá
Mommie dearest
Frank Perry, 1981

Sedmikrasky se adentra en las procelosas aguas del camp. Hablo de esas películas "tan malas que resultan ser buenas" y que, en la mayor parte de los casos, son… malas sin más. En fin, que no soy muy fan del “género”, si es que se le puede llamar así. Con “Queridísima mamá” me pasa algo curioso: confieso que me pareció muy disfrutable, entretenida y -por momentos- tronchante. Pero en cierta forma me ha decepcionado un poco: no es tan mala como esperaba. Curioso esto de que una película te decepcione “para bien”.

“Queridísima mamá” es un biopic sobre Joan Crawford, femme fatale bigger-than-life que nos dejó para la posteridad interpretaciones inolvidables en “Johnny Guitar”, “Alma en suplicio” o “¿Qué fue de Baby Jane?”. Pero también se labró una fama de personalidad intratable y volcánica fuera de la pantalla, algo a lo que sin duda ayudó mucho la biografía de su hija adoptiva Christina Crawford, en la que se basa esta película.

Si tenemos que creer lo que se cuenta en “Queridísima mamá” (y, para que nos vamos a engañar, QUEREMOS creerlo), la Crawford era una persona insoportable, caprichosa, competitiva hasta extremos enfermizos, maniática de la limpieza y con un mal café de no te menees. Para colmo, la infancia de Christinita coincidió con el comienzo del declive de la estrella, motivo por el que mamá solía llegar a casa bastante… alterada, y la niña terminaba pagando el pato.

La protagonista es Faye Dunaway, que, la mayor parte del tiempo, está inconmensurable. No es que interprete a la Crawford. Es que, en ocasiones, ES la Crawford. Por desgracia, las críticas de la época no lo supieron ver así, y fueron tan feroces que casi acaban con la carrera de Faye (que, años más tarde, lamentaría profundamente haber aceptado el papel). Es cierto que hay escenas un poco… “over-the-top”, pero en todo caso la culpa habría que echársela a los guionistas: la Dunaway lo único que hace es lanzarse sobre el papel con una voracidad y una entrega admirables.

Y sí, por momentos te partes de risa, algo que ha convertido a “Queridísima mamá” en objeto de culto en Estados Unidos. Una de las escenas más celebradas tiene que ver con el descubrimiento por parte de la Crawford de que su hija cuelga sus vestiditos en perchas de alambre, objeto prohibídisimo en casa de la diva (por lo visto, la ropa hay que colgarla en perchas de madera). La estampa de la Dunaway fuera de sí (y con la cara cubierta por una mascarilla hidratante, para potenciar el efecto cómico-terrorífico) gritando “Noooooo wireeeee hangeeeeeeers!” es, efectivamente, de antología. Y la escena continúa en el baño, alcanzando unos extremos de delirio muy notables.



Sí que tiene que ser popular la escenita, porque en youtube circulan varias parodias de la misma. En general, las parodias no me suelen hacer nada de gracia, pero ésta es muy disfrutable (siempre que hayáis visto la escena original, claro). Por alguna razón, los protagonistas de la parodia son niños. ¡Menudos padres tendrán!



Os recomiendo esta película bajo vuestra cuenta y riesgo. Insisto en que no es ni tan mala ni tan divertida. Por momentos se parece más a un telefilme que al tipo de cine que suele aparecer en este blog; pero los admiradores de la Crawford y los que gusten del humor salvaje á la John Waters (que, por cierto, realiza un audiocomentario en el DVD americano de la película) seguro que se lo pasan en grande con alguna de sus escenas. Eso sí, esta vez no hay elink (solo la he encontrado en versión original sin subtítulos) pero está publicada en DVD en España.

imdb (película)
imdb (Joan Crawford)

¿Quién eres tú, Polly Maggoo?

¿Quién eres tú, Polly Maggoo?
Qui êtes-vous, Polly Maggoo?
William Klein, 1966
Otra joyita que, tras mucho hacerse de rogar, llega por fin a la mula (aunque, de momento, solo hay subtítulos en inglés). El debut como director de William Klein (fotógrafo y escenógrafo del que ya comentamos aquí "Mr Freedom", otro de sus trabajos) es una de las películas más encantadoras y divertidas de los sesenta, pero, por alguna extraña razón, también es una de las más olvidadas; hasta hace muy poco era imposible de conseguir en DVD.

Todo gira en torno a la supermodelo Polly Maggoo, una chica americana de 20 años que se traslada a París a triunfar en el mundo de las pasarelas. Probablemente estamos ante uno de los primeros retratos cinematográficos del mundo de la moda tal y como lo conocemos hoy en día; después vendrían muchos más, pero (seguramente) sin la gracia de Klein para mostrar este mundillo tal y como es: ora fascinante, ora completamente imposible en su absurdez.



En el reparto, Sami Frey (“Bande apart”) y Grayson Hall, la inolvidable sargenta reprimida de “La noche de la iguana”, que se vuelve a lucir con un papel a su medida: la directora de la revista de moda, más allá del bien y del mal. También hay cameos de Roland Topor, Delphine Seyrig y Fernando Arrabal, este último especialmente gracioso.

Como no podía ser de otra forma estando Klein de por medio, la fotografía es magistral, y la película tiene ese ritmo entrecortado y vertiginoso tan propio del cine de los sesenta más ye-yé: el de Richard Lester (“El knack y cómo conseguirlo”) o incluso el de nuestro Iván Zulueta pre-“Arrebato“ (“Último grito”, “1,2,3, al escondite inglés”). ¿Conocería Zulueta esta película? Es muy probable, porque Almodóvar sí que la conoce, y ya se sabe que el manchego fusiló a Zulueta todo lo que pudo y más.

Dos escenas dos: la entrevista a Polly para la tele (el programa es el que da título a la película), y los créditos finales: una delicia con dibujos de Topor y música (preciosísima) de Michel Legrand, ¿quién da más?










En fin, una película que los fans del cine francés, de los sesenta y del mundo de la moda no deberían perderse por nada del mundo.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en inglés

imdb

If...

If...
Lindsay Anderson, 1968

No es fácil hablar de “If…”. Tampoco es fácil comprenderla, aunque sí que resulta muy sencillo dejarse seducir por sus encantos. Recuerdo haber visto esta película en la televisión cuando era pequeño; seguramente no entendí muchas cosas entonces (y sigo sin entender algunas), pero no fue impedimento para que me quedase embobado ante la pantalla y, un par de décadas más tarde, seguir recordando con nitidez algunas de sus escenas.

“If…” se desarrolla en un internado británico exclusivamente masculino de normas estrictísimas, con un sistema jerárquico difícil de entender para un no-británico: el colegio parece en manos de un grupo de alumnos (“Whips”; significa “Oficial de un partido político” pero también “Látigo”) que se encarga de mantener el orden y de castigar a los estudiantes más díscolos. Los Whips tienen a su disposición a otros alumnos más jóvenes (“Scum”; literalmente “Escoria”) a los que tratan como sirvientes y de los que incluso abusan sexualmente. El poder y la corrupción de los Whips irán creando un ambiente asfixiante e insoportable en el colegio, hasta que un grupo de rebeldes decide poner fin a la situación de forma bastante expeditiva.

“If…” tuvo que causar toda una conmoción en su estreno a finales de 1968, ya que su argumento casaba perfectamente con el clima de crispación política y con las ansias de cambio que pocos meses antes habían originado todo un levantamiento popular. Por otra parte, impresionó a toda una generación de británicos que había sufrido en sus carnes un sistema educativo muy similar al que retrata la película.

La película también sorprende por su factura técnica: la narración se presenta de forma fragmentada y un tanto inaccesible; el color y el blanco y negro se alternan de forma un tanto caprichosa (corría el rumor de que las partes en blanco y negro se rodaron así por falta de presupuesto), así como el realismo y la fantasía: llega un momento en el que es imposible adivinar si lo que está pasando sucede en realidad o es tan solo fruto de la imaginación del protagonista.

Entre las escenas inolvidables que mencionaba se encuentra ésta; curiosamente, una de las pocas que se desarrollan fuera de los opresivos muros del colegio.



Quedarían muchas cosas por comentar sobre “If…”: que Anderson se inspiró en “Zéro de conduite” de Jean Vigo para rodarla, que gracias a ella Stanley Kubrick eligió a Malcom McDowell para protagonizar “La naranja mecánica”… Pero lo más importante es que “If…” está por fin disponible en emule, con subtítulos en español, para seguir entusiasmando y confundiendo a nuevas generaciones.

Elink (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Kill your idols

Kill your idols
Scott Crary, 2004

Espléndido documental sobre el rock underground de Nueva York, desde Suicide a los Liars.

Lo más interesante es el segmento dedicado a la No Wave, micro-movimiento musical subterráneo contemporáneo al punk pero mucho más radical y rupturista con respecto al rock de décadas anteriores, y documentado con toda crudeza en el histórico recopilatorio "No New York". Este segmento incluye entrevistas con algunos de los protagonistas de esta historia, como Lydia Lunch o Arto Lindsay, e impagables imágenes de conciertos. La única pega es que se hace demasiado corto.

Después viene un capítulo dedicado a los sucesores de la No Wave en los 80 (entre ellos, Swans, Foetus o Sonic Youth), algo menos revelador, quizás porque de Sonic Youth hay miles de actuaciones y entrevistas por todas partes, mucho mejores que las que se incluyen aquí.

Y por último, la "escena" neoyorquina actual, encabezada por The Yeah Yeah Yeahs, Liars o Black Dice. Todo transcurre plácidamente hasta que los No Wavers originales comienzan a despotricar sobre sus supuestos herederos, a los que tachan de acomodados y de no aportar absolutamente nada.

El abismo entre la escena de finales de los 70 y la de principios del siglo 21 queda perfectamente retratado en la anécdota que cuenta Thurston Moore de Sonic Youth: "Debbie Harry de Blondie me dijo el otro día que había ido a una presentación de The Strokes. 'Estaba patrocinada por Levi's. No es lo mismo que en nuestra época, ¿verdad?'". No hay que olvidar que los grupos de la no wave no tuvieron apenas repercusión en su día (a pesar de la calidad de su música y de la importancia que tendría en generaciones posteriores), pero sus miembros insisten en que no buscaban reconocimiento alguno. Seguramente, ahí está el elemento diferenciador más importante.





Elink (versión original en inglés, no hay subtítulos)

No New York (1978) Recopilatorio con Teenage Jesus and the Jerks, James Chance & The Contortions, Mars y DNA, producido por Brian Eno.

New York No Wave Archives

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Mala sangre

Mala sangre
Mauvais sang
Leos Carax, 1986

Los ochenta, década en la que se cometieron todo tipo de desmanes artísticos, también esconde joyas como ésta, firmada por uno de los directores más personales de los últimos años (por desgracia, inactivo desde la también genial "Pola X" -1999-).

"Mala sangre" contiene, entre muchas otras cosas, a una casi debutante Juliette Binoche jugando a ser Anna Karina (incluso su personaje se llama Anna), el salto en paracaídas más bonito de la historia del cine, una escena de seducción muy bonita a base de juegos malabares con verduras (ya sé que suena fatal), una historia sensacional, el "Romeo y Julieta" de Prokofiev en un contestador, multitud de hallazgos visuales rebosantes de color y de ingenio (y, gracias a Dios, cero ochenteros), un final de los que no se olvidan y la prueba definitiva del talento de Carax: conseguir algo precioso a partir de una canción tan fea como el "Modern Love" de David Bowie. Mais si:




Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Modesty Blaise

Modesty Blaise
Joseph Losey, 1966

No hay nada que me dé más pereza que las películas de espías a lo James Bond (bueno, sí: las de superhéroes). Las adaptaciones de cómics tampoco me suelen dar muchas alegrías. Pero “Modesty Blaise” cuenta con varios puntos a su favor:
















- La heroína: Monica Vitti, demostrando ser una todoterreno. Ya había demostrado su valía como actriz dramática junto a Antonioni. Aquí prueba que también puede hacer de Mata-Hari intrépida y sexy. Además, no está doblada: habla un inglés con un ligero toque extranjero que le da mucho encanto.















- El brazo derecho de la heroína: Terence Stamp, en el cénit de su esplendor físico (¡qué guapo!) y artístico: acababa de rodar “El coleccionista” (William Wyler) y un par de años después protagonizaría “Teorema” de Pier Paolo Pasolini.















- El archimalvado: Dirk Bogarde, galán de la pantalla y actor fetiche de este blog. Caracterizado con una peluca blanca imposible, clava el papel de sofisticado villano que siempre bebe de copas y tazas gigantes.

Si a todo ello sumamos un director de prestigio (Joseph Losey), una estética sixties camp y un guión que no trata de idiota al espectador, tenemos una película de lo más apañada. Quizás un poco fallida para lo que prometían sus ingredientes, pero bastante simpática y agradable de ver.

Algunos incluso han querido ver en esta película referencias a “Pierrot el loco”. Desde luego, “Modesty Blaise” es mucho más ligerita e intrascendente, pero escenas como ésta sí que tienen un aire de lo más godardiano:



Elink cd 1

Elink cd 2 (versión dual ingles/alemán)

subtítulos en español e inglés

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Jean-Claude Brialy

Jean-Claude Brialy
1933-2007

obituario

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El hombre de mimbre

El hombre de mimbre
The Wicker Man
Robin Hardy, 1973

Una película inglesa de terror/suspense con una aureola de culto en su país, pero bastante desconocida en España; el no haber encontrado su título traducido al castellano me da a entender que quizás ni siquiera se llegó a estrenar por estos lares. (Rectifico gracias al comentario de hellhammercito: el título español de esta cinta es, sí, "El hombre de mimbre"). El año pasado se rodó un remake (odioso concepto que debería estar perseguido por la ley) protagonizado por Nicholas Cage, que no sé si habrá llegado ya a las pantallas españolas. Ni me interesa, sinceramente.

“El hombre de mimbre” cuenta la historia de un jefe de policía británico (bastante santurrón y moralista) que recibe el encargo de investigar la desaparición de una niña en una misteriosa isla, cuyos habitantes practican una extraña religión pagana en la que se da especial preponderancia a los placeres de la carne; algo que al poli le escandaliza sobremanera. Para colmo de males, nadie parece saber nada de la niña desaparecida. El protagonista tendrá que participar en un extraño ritual (el festival de la cosecha) para llegar a la verdad… y vaya que si llega.

Puro entretenimiento, pero muy bien hecho, con un final de órdago y el añadido de una banda sonora sencillamente preciosa. Con esta reseña tan sosa podría parecer que "El hombre de mimbre" es una película de suspense normal y corriente... Para estos casos, youtube viene siempre de perlas.


Elink cd 1

Elink cd 2 (versión original en inglés)

subtítulos en español

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Fassbinder en DVD

Una entrada telegráfica para recordaros que la editorial DeAPlaneta está publicando una colección de DVDs de Fassbinder con una presentación exquisita y con algunas de sus mejores películas, hasta la fecha inéditas en España. Entre otras, "Atención a esa prostituta tan querida", "Katzelmacher", "La ruleta china" o "Los dioses de la peste". Un must.

Ginger, Divine y el Pig Latin

¡Edmikrasky-sey!

Así se leería el título de este blog en Pig Latin, una especie de trabalenguas-juego inglés que consiste (a groso modo) en coger la primera letra de cada palabra, ponerla al final y añadirle "-ey". No es tan sencillo, las reglas completas están aquí. Sí, es una soberana tontería. Pero tiene gracia.

El Pig Latin se ha asomado alguna que otra vez a la pantalla grande. Mi momento favorito está protagonizado por Ginger Rogers en el comienzo de "Vampiresas 1933" ("Gold Diggers of 1933") de Melvyn LeRoy, otra de las películas para las que el genio Busby Berkeley creó ditirámbicas coreografías. En ésta, una jovencísima Ginger Rogers canta el tema "We're in the money" y todo transcurre con normalidad hasta que, hacia el final de la canción, la muchacha decide cantar toda una estrofa en Pig Latin, con lo que el ritmo de la canción se estira y se estira... pero ella, toda una profesional, mantiene el tipo de forma admirable. Y además, en un primerísimo primer plano. Por lo visto, Ginger se entretenía en los ensayos cantando la estrofa de esta guisa, y alguien pensó que sería buena idea incorporarla a la escena final. El resultado:



John Waters también usa el Pig Latin en "Pink Flamingos", haciendo a sus protagonistas cantar la frase "Somos la familia más inmunda del mundo". La escena se eliminó del metraje final, pero apareció de extra en el DVD:



Por cierto, "Vampiresas 1933" está publicada en DVD en España, y viene repleto de extras; entre ellos -si se ha respetado la versión original americana del DVD- alguna que otra aportación de Mr. Waters himself.

Lo importante es amar

Lo importante es amar
L'important c'est d'aimer
Andrzej Zulawski, 1975

Auténtico paradigma del cine "de arte y ensayo" que tanto gusta en este blog. Llevaba años detrás de esta película, que a pesar de su fama tan solo estaba publicada en DVD en Francia (y sin subtítulos, claro). Al fin se ha asomado por emule con subtítulos en español.

Pero, ¡ay! Otra nueva decepción. Desde luego es tan intensa como la describían por todas partes, pero esa intensidad raya en muchas ocasiones en lo bochornoso. Los personajes de "Lo importante es amar" se mueven en un mundo de una sordidez extrema, pero tanta inmundicia y depravación acaban provocando más risa que congoja. La afectación de los diálogos parece no conocer límites. Un ejemplo: la escena en la que el protagonista (un Fabio Testi pre-Almudena Herrero) se interesa por las últimas horas de un amigo ingresado en el hospital (se puso enfermo por, ja, ja, comer comida de gato).

Testi: ¿Dijo algo antes de morir?
Enfermero (con cara de palo): Unas palabras de Rimbaud.

El guión tiene tela, sí. Pero además, los actores parecen empeñados en hacerlo aún más enloquecido y delirante; especialmente en los casos de Jacques Dutronc y de Klaus Kinski, bastante estrangulables los dos. Fabio Testi está mucho más comedido, pero se pasa toda la película con cara como de no enterarse de por qué al resto del reparto le da un ataque de histeria cada cinco minutos.

¿Qué tiene entonces "Lo importante es amar" para despertar tantas pasiones? Una fotografía preciosa, una magistral banda sonora de Georges Delerue, algunos momentos aislados en los que la intensidad realmente vence la batalla a la afectación y, sobre todo, la presencia de Romy Schneider y su mirada abrasadora, que salva a esta película de ser un desastre total.

A pesar de sus defectos (o, probablemente, gracias a ellos) "Lo importante es amar" termina siendo una película bastante única. Yo desde luego prefiero sus excesos a la medianía que reina en el cine actual.

Elink (versión original en francés)

subtítulos en español

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Corazonada

Corazonada
One from the heart
Francis Ford Coppola, 1982

Uno de los fracasos más sonados de la historia del celuloide. Para descansar de "Apocalypse now", Francis Ford Coppola quería hacer una comedia de enredo sencillita e intrascendente. Pero el proyecto comenzó a crecer de forma desmesurada: Coppola compró unos viejos estudios de cine, los rebautizó como Zoetrope Studios y se lió la manta a la cabeza, construyendo cientos de decorados inmensos y utilizando los medios tecnológicos más avanzados de la época con el fin de crear una película única.

¡Y lo consiguió! "Corazonada" es toda una experiencia visual. Todas y cada una de las escenas están llenas de neones, reflejos y transparencias sorprendentes, iluminaciones extremas, decorados surrealistas... Toda una audacia que tuvo su precio: la película terminó siendo un fracaso de taquilla. Coppola tuvo que vender Zoetrope y trabajar como un cosaco durante la siguiente década para pagar las deudas. Pero al menos nos dejó uno de los musicales más insólitos y deslumbrantes de la historia.

Aunque el apartado técnico de "Corazonada" es impecable, el resto de la cinta no está para nada a la altura: la historia es, efectivamente, una comedieta romántica bastante insulsa interpretada por unos actores de lo más anodino; con la excepción de la guapísima Nasstasja Kinski, que no tiene un papel muy extenso pero que por momentos consigue eclipsar a la verdadera protagonista: la tecnología. Y en una película como "Corazonada", eso es decir mucho.

Todas estas carencias impiden a "Corazonada" llegar a ser una obra maestra absoluta, pero desde luego es una película tan sorprendente que merece ser recordada como mucho más que una excentricidad del director de "El padrino". Es uno de los desastres más bellos de la historia del cine.



Elink cd 1

Elink cd 2 (versión dual inglés/español)

Elink (pack de subtítulos)

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La salamandra

La salamandra
La salamandre
Alain Tanner, 1971

Película hablada en francés (aunque es suiza), en blanco y negro, de principios de los setenta. Es decir, idónea para recibir toda clase de parabienes en este blog.

Pues naranjas de la china. El guión es absurdo, los actores, feos y poco interesantes (salvo Bulle Ogier, que está estupenda; pero no como para salvar este bodrio), hasta la fotografía me ha parecido anodina, no digo más.

Un halo de desencanto y de hastío generacional planea sobre toda la película, un poco al estilo de "La mamá y la puta" de Jean Eustache. Pero ahí se acaban los parecidos. Es imposible sentir simpatía por los personajes, unos berzas que andan perdidos por el mundo, siempre tristes o de mal humor; y cuando intentan ser graciosos, más antipáticos caen.

Mi primera toma de contacto con Alain Tanner; posiblemente no haya muchas más. A no ser que me recomendéis alguna.

Misterios del blogismo: últimamente he visto películas que me han encantado, como "Pola X" de Leos Carax, "Maria Antonieta" de Sophia Coppola (¡qué mujer tan talentosa!), "Una historia verdadera" de David Lynch... pero escojo ésta para ponerla verde. En fin. A veces es más sencillo explicar las cosas que te disgustan que las que te gustan.

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Pajaritos y pajarracos

Pajaritos y pajarracos
Uccellacci e uccellini
Pier Paolo Pasolini, 1966

Seguimos con las reconciliaciones. Me gustan "Accatone" y "El evangelio según San Mateo", pero otras obras de Pasolini me provocan sentimientos encontrados (admiración-hilaridad-vergüenza ajena en el caso de "Teorema") o directamente aburrimiento supino ("Porcile"). Y en general, pensaba yo que a Pasolini le venía un poco grande su estatus de "gran autor de arte y ensayo", sobre todo al compararlo con coetaneos como Antonioni, Godard, Polanski y demás.

"Pajaritos y pajarracos" ha cambiado completamente mi visión de Pasolini. Probablemente la mejor película de este autor que he visto hasta la fecha, y eso que casi nadie la considera una de las mejores de su trayectoria.

Interpretada por Totó (cómico y cantante italiano) y por Ninetto Davoli (rostro habitual de casi toda la filmografía del director), la película es un largo camino de un padre y un hijo, encontrándose a todo tipo de personajes que supuestamente representan distintos sectores sociales de la Italia de los años sesenta. En su periplo, se encuentran con un cuervo hablador que les cuenta fábulas (preciosa la de los monjes encargados de evangelizar a halcones y gorriones) y da consejos. Pero por lo visto, la Italia de esos años estaba más necesitada de soluciones prácticas que de teorías, y por eso el animal acaba como acaba. Ups, spoiler.

¿Alguien puede resistirse a una película que comienza ASÍ?



Elink (versión original en italiano con subtítulos en inglés incrustados)

Elink (subtítulos -excelentes- en español)

imdb

Busby Berkeley: Dios

(De "Hollywood Babilonia", Kenneth Anger)
"Busby Berkeley fue el indiscutido Genio Número Uno del musical de Hollywood. Es el único director de Hollywood cuyo nombre figura en un diccionario. Tenía la imaginación más audaz de la historia de Tinseltown.
Antes de que apareciera en el mundo del cine, los musicales era comedias teatrales filmadas. Berkeley eliminó el arco del escenario. Colocaba su cámara en el techo (a veces más allá del techo) y luego la bajaba con una grúa hasta dejarla a cinco centímetros del ojo de una hermosa muchacha.
Mucho más que rutinarios números de baile y canciones, sus creaciones acabaron con el tiempo y el espacio. Hizo fantasías musicales surrealistas, voyeurísticas, eróticas y oníricas que hacían brillar los ojos y excitar los ánimos de medio mundo. Durante la Depresión salvó a la Warner Brothers de la quiebra y convirtió en arte la geometría de las piernas femeninas".













"By a Waterfall" (Footlight Parade)

Alicia en las ciudades

Alicia en las ciudades
Alice in den Städten
Wim Wenders, 1974

Esta película me reconcilia definitivamente con Wenders. Con el que, por cierto, no recuerdo bien por qué estaba enfadado. Prejuicios, supongo. El que no tenga manías y fobias injustificadas que tire la primera piedra.

En mi caso, todo jugaba en contra de esta película. No solo el director, también el género: road movie, y encima con niño. Buf. Pero en pocos minutos ya me tenía encandilado por completo. Será por esa fotografía tan bonita, por la maravillosa sequedad de Rüdiger Vogler, su protagonista; o por lo encantadora que es Alicia, tan alejada de los arquetípicos retratos infantiles de tantas películas, pero sin por ello dejar de parecer una niña normal y no una sabihonda insoportable como la Pauline de Rohmer.

De Nueva York a Alemania haciendo escala en Amsterdam. Tiempos muertos en aeropuertos y restaurantes de carretera; música del grupo alemán Can y un fragmento de un concierto de Chuck Berry.

De nuevo, la fuente del elink es un VHS, con la consiguiente pérdida de calidad de imagen. Pero "Alicia en las ciudades" no está publicada en DVD en nuestro país. Y creo que merece muchísimo la pena verla. Incluso si Wenders os cae mal y no recordáis por qué.

Elink (versión original en alemán con subtítulos en inglés incrustados)

Elink (subtítulos en español)

imdb

Ab fab, primera temporada

Absolutamente fabulosas
Absolutely fabulous
Jennifer Saunders y Dawn French, 1992-2005

Como prometí, sigo traduciendo al español los subtítulos de mi serie de humor favorita. Empecé por la segunda temporada, y ahora os dejo la primera. Que la disfrutéis.

Fashion
Fat
France
Iso tank
Birthday
Magazine


Subtítulos en español

http://www.bbc.co.uk/comedy/abfab

A las nueve cada noche

A las nueve cada noche
Our mother's house
Jack Clayton, 1967

Maravillosa película que recordaba haber visto de pequeño en la tele, cuando en la tele ponían películas a horas decentes, y no solo de Jackie Chan. Sí, fue hace bastante.

Es una producción inglesa dirigida por Jack Clayton (del que quiero ver "Los inocentes", una de sus películas más famosas) y protagonizada por seis niños que se quedan huérfanos de madre repentinamente. Para no terminar en un orfelinato, deciden no contarle a nadie que su madre ha fallecido y aparentar que todo sigue como antes. El título (español) de la cinta se debe a que, tras la muerte de la madre, los hermanos se reunen todas las noches a esa hora para contactar con la madre por medio de sesiones de espiritismo.

Las cosas van de mal en peor hasta que aparece su padre, que les había abandonado de pequeños. El personaje está interpretado por Dirk Bogarde, guapísimo actor de presencia magnética y gusto por los papeles un tanto turbios, como éste. También aparece Yootha Joyce, la inolvidable Mildred de la serie de la BBC "Los Roper".

Por alguna razón desconocida, "A las nueve cada noche" no está editada en DVD en ningún país (creo). Hasta hace poco, la única copia que circulaba por internet procedía de una copia de VHS; para colmo de males, estaba doblada al castellano con no demasiada fortuna: los niños estában doblados por abuelitas y sus voces crispaban de lo lindo. Afortunadamente, ha aparecido una copia mucho más digna y en versión original.

enlaces de descarga directa (versión original en inglés)

subtítulos en español

imdb filmaffinity

En el umbral de la vida

En el umbral de la vida
Nära livet
Ingmar Bergman, 1958

Descubrí esta película gracias a John Waters, que la cita entre sus favoritas en el capítulo "Placeres ocultos" de su libro "Majareta" (Crackpot). En él, Waters glosa sus películas favoritas de "arte y ensayo" (obras de Fassbinder, Pasolini, Bresson o cosas tan ignotas e interesantes como la "Mademoiselle" de Tony Richardson con guión de Marguerite Duras y Jean Genet); además, propone evitar el tono engolado, impenetrable y un tanto repelente que muchos críticos suelen utilizar para escribir sobre este tipo de cine; algo que yo sigo a pies juntillas, porque creo que ese estilo crítico solo sirve para hacer que estas películas parezcan mucho más inaccesibles de lo que en realidad son; y de todas formas, tampoco sé escribir de otra manera.

En fin, "En el umbral de la vida" no está entra las películas más recordadas de Bergman; quizás porque se rodó justo después de "El séptimo sello" y "Fresas salvajes", y es bastante más sencilla y minimalista que éstas, pero no por ello menos magistral. Vamos, que está bastante lejos de ser "un Bergman menor".

Toda la acción se desarrolla en un hospital, en el que varias mujeres están a punto de dar a luz. En la película se tratan de forma muy natural temas un tanto arriesgados para la época (¡1958!), como los embarazos no deseados, los abortos, las madres solteras... Suecia siempre ha sido un país muy avanzado para estas cosas, pero te entran escalofríos al comparar "En el umbral de la vida" con las películas españolas de esa misma época, en las que no se podía ni enseñar un tobillo.

En el reparto, dos actrices habituales de Bergman: Bibi Andersson (jovencísima) y la siempre enigmática Ingrid Thulin; ambas estupendas, como no podía ser de otra forma.

La copia de emule deja un poco que desear: un ripeado de un viejo vhs, con subtítulos en inglés y algo de ruido de fondo. Pero la película en sí (con esa sobriedad tan teatral y esas actrices tan maravillosas) merece muchísimo la pena; y además creo que no está publicada en DVD. Así que a por ella, bergmanófilos de pro.

Elink (versión original en sueco con subtítulos en inglés)


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La música más triste del mundo

La música más triste del mundo
The saddest music in the world
Guy Maddin, 2003

Curiosa película del realizador canadiense Guy Maddin. Creo que no ha llegado a estrenarse en España, a pesar de que podría funcionar bastante bien en determinados círculos.

“La música mas triste del mundo” nos sitúa en la ciudad de Winnipeg durante la depresión de los años treinta. A una compañía cervecera no se le ocurre cosa mejor que convocar un concurso musical internacional para encontrar, sí, la música más triste del planeta.

Lo más destacable de la película es su fotografía en un granuloso blanco y negro, y su ambientación exquisita para hacernos creer que estamos viendo una cinta de los años 30, pero rodada en el interior de un pisapapeles en el que nieva sin parar. Todo está logradísimo y otorga a la cinta un encanto muy especial.

Tampoco se descuidan otros aspectos fundamentales como el guión o la interpretación. Especialmente destacables son las actuaciones del cuarteto protagonista. Isabella Rossellini está estupenda; sin conocer muy bien su carrera (“Terciopelo azul” aparte), seguro que pocas ocasiones le han brindado para lucirse de esta manera. Maria de Medeiros está, como siempre, encantadora. Y los protagonistas masculinos (Marc McKinney y David Fox) no se quedan atrás y también están fenomenales, recreando personajes caricaturescos que parecen sacados de un folletín o de un serial de cine mudo.

El resultado final es muy agradable. Quizás más cerca de lo efectista que de un cine realmente innovador y original, pero se deja ver y es bastante bonita.




Elink (versión original en inglés)

subtítulos en castellano

imdb

Godard, je vous chante

En las películas de Godard se baila y se canta. ¿Quién dijo que era aburrido?


Anna Karina en "Une femme est une femme"


Anna Karina: "Jamais je ne t'ai dit que je t'aimerai toujours"
(Pierrot el loco)


Marianne Faithfull: "As tears go by"
(Made in USA)


Anna Karina & Jean-Paul Belmondo: "Ma ligne de chance"
(Pierrot el loco)

La calle 42

La calle 42
42nd street
Lloyd Bacon, 1933

El musical de los musicales. Aunque en realidad el grueso de la película lo ocupan los preparativos del musical; solo en la última media hora llegamos a ver el (maravilloso) resultado.

La película en sí está bien sin más: una comedia clásica/romántica/simpática con todo el encanto y la ingenuidad del cine de los años 30, ansioso por hacer olvidar al público el desastre reciente de Wall Street. Pero esos treinta minutos finales rozan lo sublime: coreografía geométrica del genial Busby Berkeley, y un dibujo animado con forma de chica (Ruby Keeler) que canta y baila el tema central de la película... Arte.

Sobran las palabras: mejor verlo.



Elink (versión original en inglés)

subtítulos en castellano

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El sueño de una noche de verano

El sueño de una noche de verano
Sen noci svatojanske
Jirí Trnka, 1959

Una preciosidad total cortesía de Jirí Trnka, el mago de la animación con marionetas que tan buenos recuerdos nos trae a los de mi generación: en los 80 era muy normal que Televisión Española rellenase huecos de las tardes con obras de éste y otros animadores checos, y muchos niños de la época nos quedábamos hipnotizados ante el encanto y el misterio de sus obras, maravillosas de principio a "koniec" (fin).

La obra de William Shakespeare (un enredo amoroso múltiple en un bosque nocturno, con hadas y elfos haciendo de las suyas) ya es una delicia de por sí; pero si va acompañada de este despliegue de colorido, se convierte en algo sencillamente magistral. Impresiona el trabajo que tiene que haber detrás de tantas marionetas y escenarios, en aquellos tiempos tan pre-ordenador y pre-prácticamente todo.

Como a un niño de hoy en día es probable que le diese un infarto cerebral si le obligan a ver esto, vamos a disfrutarlo los adultos.






Elink (versión original en checo y subtítulos incrustados en castellano)

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Nosotros no envejeceremos juntos

Nosotros no envejeceremos juntos
Nous ne vieillirons pas ensemble
Maurice Pialat, 1972

Tanto por su título (¡tremendo!) como por algunas reseñas, tenía las expectativas muy altas con respecto a esta película de Maurice Pialat. Y solo puedo decir que me ha maravillado, es de las que no se olvidan. En otras palabras, el reverso exacto de "La ciencia del sueño". Aquí no hace falta aplicar el cedazo porque todo es impecable: actores, argumento, diálogos, fotografía...

Imposible transmitir su genialidad con una simple descripción del argumento, pero allá vamos: se trata de la relación entre un hombre casado (Jean Yanne,un tipo desaliñado, malencarado y vulgar pero muy atractivo; ya me había encantado en "El carnicero" de Chabrol) y una mujer (Marlène Jobert, guapísima; sale en "Masculin, femenin" de Godard y tiene una elegancia que me recuerda a la de Stéphane Audran, musa de -de nuevo- Chabrol).

Llevan seis años juntos, se quieren pero no se aguantan y están todo el rato separándose y reconciliándose. Hasta que el amor se acaba por una de las dos partes y toca hacer borrón y cuenta nueva.

No está en emule (sí está, pero sin subtítulos), pero Intermedio la acaba de publicar en DVD en España. Intermedio no me paga comisión pero tras ver su plan de lanzamientos para el 2007 (Godard, Tsai Ming-Liang, ¡Marguerite Duras!) es muy probable que en este blog se vuelva a hablar de esta compañía.

Yo la he visto hoy en la filmoteca de Madrid, que está haciendo un ciclo de Pialat (junto a otros de Kim Ki Duk, Robert Altman y Daniel Schmid). Vuelven a pasarla el viernes que viene, por si a alguien le interesa.


enlaces de descarga directa
(incluyen subtítulos en inglés y español)

imdb filmaffinity

La ciencia del sueño

La ciencia del sueño
La science des rêves
Michel Gondry, 2006

A favor:

-La imaginación. No se puede negar que “La ciencia del sueño” rebosa ingenio. Está plagada de detallitos, de giros ingeniosos en el guión y de cachivaches y gadgets que consiguen arrancarte una sonrisa (algo que no logran los diálogos, ver más abajo).
-La frontera sueño/realidad. Un tema muy interesante y que está muy bien planteado en la película, que juega constantemente a confundirnos y a no tener del todo claro si lo que estamos viendo es una fantasía del protagonista o una escena de su vida real. Hay una ensoñación especialmente bonita, en la que Charlotte Gainsbourg le da consejos a Gael García Bernal sobre cómo conquistarla en la vida real.
-Las animaciones. Muy, muy bonitas. Juegan un papel secundario (algo que me parece bien: más sería excesivo) pero son de lo mejor de la película. Tienen un toque casero y retro; en una escena, llegan a hablar de “usar papel plateado para imitar el agua, como en las animaciones rusas”. Por ahí van los tiros. También hay algo de estética del videoarte y el videoclip (mundo del que procede Gondry) y que en condiciones normales a mí me echaría un poco para atrás, pero en este caso está muy, muy bien.

En contra:

-Los actores. No me gusta nada Gael García Bernal. Tampoco es que me parezca mal actor (¿qué es un mal actor?), simplemente me provoca la indiferencia más absoluta, hasta el punto de que -fijaos lo que os digo- llegué a echar en falta a Jim Carrey en algún momento. Charlotte Gainsbourg me hace más gracia, sobre todo por la genética heredada de sus padres: el mismo pelo y exactamente la misma forma de la cara que Jane Birkin, la misma fealdad que Serge Gainsbourg. Aunque creo que aquí está un poco discretita, probablemente por...
-Los idiomas. No es muy buena idea que todo el reparto se pase gran parte de la película hablando un idioma que no es el suyo. A García Bernal le veo encorsetadísimo hablando en inglés. La Gainsbourg lo lleva mejor (por algo su madre es inglesa) pero seguro que en francés estaría más cómoda y lo haría mejor. Quizás esta película se disfrute más viéndola doblada (no sé si en España la han estrenado así).
-Los diálogos. Que sí, la historia es muy bonita, muy imaginativa y tal. Pero de poco sirve si luego la rellenas de diálogos estúpidos y de un sentido del humor que a mí me resulta insoportable. Acabas con la sensación de ver algo interesante pero recubierto de basura que tienes que ir apartando todo el rato, qué fatiga.
-El compañero de trabajo del protagonista. He llegado a un punto en el que no quiero aguantar a alguien así, ni en mi vida ni en el cine. A mí alguien así me arruina una película por muy monas que sean luego las animaciones.

Balance final: Creo que mejor que “Olvídate de mí”; recalco lo de “creo” porque me tomé al pie de la letra el título y no recuerdo casi nada de ella. Deja a la altura del betún a muchas películas contemporáneas (¿no sería fantástico que “La ciencia del sueño” fuese el estándar del cine comercial de hoy en día?), pero contiene demasiadas cosas que no me gustan como para recordarla como algo verdaderamente grande. Es probable que esta película entusiasme a los que van diciendo por ahí esa pesadez de que “el cine ha muerto y lo que mola es ver series de la Fox”. Puede incluso que sorprenda a los más escépticos con el cine actual, porque insisto en que Gondry es bastante talentoso y está muy por encima de la media actual. Pero también creo que le sobra un puntito de vulgaridad, al menos en “La ciencia del sueño”.



Elink (versión original en... inglés, francés y español)

subtítulos en castellano

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El nacimiento del amor

El nacimiento del amor
La naissance de l'amour
Philippe Garrel, 2003

Philippe Garrel no es un cineasta “para todo el mundo”. Sus películas son lentas, silenciosas, a ratos muy exasperantes, otras veces terriblemente bonitas. Garrel pertenece a la generación “post-nouvelle vague”, llevando los postulados de sus mentores un paso (o varios) más allá. Puede presumir de tener una de las carreras cinematográficas más insobornablemente consecuentes y alejadas del cine estándar. En los 70 alcanzó cierta fama underground gracias a sus películas protagonizadas por Nico, pareja del director durante buena parte de dicha década y musa de Sedmikrasky (aunque no precisamente por sus dotes como actriz, porque era más bien terrible).

Tras películas tan crípticas e impenetrables como “El lecho de la virgen” o “La cicatriz interior” (siempre bordeando la peligrosa frontera entre lo ridículo y lo sublime), Garrel fue evolucionando hacia un cine más convencional, pero tampoco es que se convirtiese en Luc Besson precisamente. Creo que “El nacimiento del amor” es la más asequible de todas las obras que he visto de Garrel. El ritmo pausado, los silencios y la (preciosa) fotografía en blanco y negro siguen ahí, pero van acompañados de un argumento comprensible. Los personajes parecen personas de carne y hueso, y no fantasmas que vagan por la pantalla sin rumbo fijo.

Apartado de curiosidades: el protagonista de “El nacimiento del amor” es un demacrado Lou Castel, que tres décadas atrás estaba imponente interpretando a un director de cine al borde de un ataque de nervios en “Atención a esa prostituta tan querida” de Fassbinder; repasando su bio/filmografía en la imdb (cosa que me encanta hacer después de ver una película), descubro cosas tan asombrosas como que Castel nació en Bogotá o que interviene en... ¡“Cambio de sexo” de Vicente Aranda!

Algo que me ha llamado la atención es cómo puede verse alterada nuestra percepción de una película en función del estado de ánimo en el que la veamos. Había intentado ver “El nacimiento del amor” hace muchos meses, y la dejé a la mitad bastante aburrido. Hoy por la tarde me pareció buen momento para retomarla, y me encantó. Esto me ha pasado con muchas películas, y ya me hace dudar de si realmente las impresiones (positivas o negativas) que guardo de ellas tienen más que ver con las películas en sí o con mi disposición, humor, etc, en el momento de verlas. Quién sabe.



Elink (versión original en francés)

subtítulos en castellano

(Por cierto, "El nacimiento del amor" está publicada en DVD en España por la estupenda compañía Intermedio).

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Time

Time
Shi Gan
Kim Ki Duk, 2006

Lo nuevo del director coreano responsable de "Hierro 3", "La isla" o "Primavera, verano...". Esta vez todo gira en torno a la cirugía estética y a la necesidad que tenemos de complacer a los demás llevada a un extremo ("Perdón por tener la misma cara de siempre", le dice la protagonista a su novio). No es una película tan redonda como las tres citadas, pero desde luego es mucho mejor que las últimas cosas del Kimki ("El arco" o "Samaritan girl").



Elink (versión original en coreano)

subtítulos en castellano

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